La Piscine, musée d'art et d'industrie André Diligent, Roubaix. L'album

Né en 1937 à Gomel, Solomon Rossine fait des études d'Arts plastiques à Leningrad et Moscou. Entre 1965 et 1988, il voyage à travers l'Union soviétique, retirant de ce périple des impressions qui fondent toute sa peinture. Il participe à de nombreuses expositions, le plus souvent non officielles, à Leningrad, Tallinn, Moscou. En 1989, il fait sa première exposition en Occident et, deux ans plus tard, s'installe en France, à Lannion où il vit encore aujourd'hui. A Lannion comme à Leningrad, Solomon Rossine mène une vie d'ermite, à l'instar des peintres d'icônes d'antan. Tout comme eux, il peint la vie et la mort, les hommes, leur grandeur, leurs misères. Au premier regard, on serait tenté, en découvrant ses œuvres, de penser à Chagall. Mais l'humanité de Rossine est autrement paradoxale, rapprochant l'artiste dès Van Gogh (source inépuisable d'inspiration pour lui), Bruegel, Goya. Le paradoxe est une des clefs permettant de comprendre l'œuvre de Solomon Rossine. C'est le paradoxe de la vie " soviétique " d'hier, de la vie " russe " d'aujourd'hui ; celui d'une existence quotidienne dure et cruelle mais au travers de laquelle apparaissent la tendresse et la compassion ; celui, enfin, du grotesque qui devient harmonieux et du beau qui devient effrayant. Paradoxaux, les titres de ses toiles ne le sont pas moins : joyeuses banlieues, Lecture du " Sermon sur la Montagne " au pensionnat pour aveugles " Commune de Paris "... sans oublier celui qui donne son titre au présent ouvrage Vue sur kolkhoze d'un satellite. On songe aux œuvres littéraires d'un Alexandre Zinoviev, d'un Andreï Platonov ou - paradoxe là encore - d'un Cholem-Aleichem. On songe aussi à Gogol et, dans un autre genre, à Fellini. Car ce n'est pas le moindre paradoxe de Solomon Rossine : son œuvre ne saurait être plus personnelle et plus russe, et en même temps plus universelle. Anne Coldefy-Faucard.

Présentées par Valère Bertrand, environ 300 oeuvres sur papier du grand écrivain et dramaturge de langue allemande Friedrich Dürrenmatt, en noir et en couleurs, accompagnées de nombreuses photographies de l'artiste au travail.Un texte sur la pratique du dessin par Friedrich Dürrenmatt lui-même, Remarques personnelles sur mes tableaux et mes dessins, permet de mieux saisir sa relation singulière entre l'écriture, le dessin ou, parfois, la peinture, son intérêt pour certains personnages mythologiques, dont le minotaure.

Basculements, vues plongeantes, ombres portées, la géométrie des gravures de Pierre Collin est troublante - voire théâtrale -, et cela dès ses débuts à la Casa Velázquez à Madrid, au début des années 1980. Sur la plaque de cuivre, son regard s'est fait photographique, fulgurant, proche d'un arrêt sur image, à l'opposé de la minutie habituelle des graveurs. Son ?uvre, constituée d'allers et retours entre dessin, peinture et gravure, exprime un quotidien plutôt tranquille, sans être pittoresque: une grange, une plage ou encore la vision d'un conducteur sur une autoroute monotone. Rien d'inquiétant dans l'imaginaire de Pierre Collin - mais rien de rassurant non plus. Tout n'est qu'équilibre. Mais dans cette quiétude peut se glisser le malaise, et sous cette banalité apparente une forte jubilation. Dans les gravures de Pierre Collin, les frontières sont visibles, les diagonales imprévisibles. Instants fugitifs où l'?il se perd, rêveries où se télescopent hallucinations et souvenirs; et sans cesse cette façon subjective d'impliquer le spectateur. Pierre Collin offre une approche moderne de l'exercice de la vanité. Par association d'images ou en élargissant le champ de vision jusqu'à l'impossible, il trouve dans le "point mort" ce que l'esprit perçoit quand le regard se perd. Cette ligne psychique, il la trace avec netteté, par des jeux de reflets, des fenêtres, des diptyques. La lumière s'y effrite, laisse parfois s'installer des personnages qui nous voient autant qu'ils sont vus.