Penser et expérimenter le montage

Résumé : Cet essai est consacré au montage au cinéma. Outre un rappel de la façon dont il est envisagé par différents cinéastes (De Palma, Antonioni, Eisenstein, Vertov, Epstein, Tarkovski, Renoir, Godard, Bresson, Van der Keuken...), l'ouvrage propose une analyse de ses objectifs et de son langage. La "théorie du montage" développée ici est construite comme une théorie scientifique, avec comme postulat de départ l'existence d'une énergie de l'image, portée par les plans d'un film et polarisée par le montage. Cette approche originale permet de saisir toute l'essence du montage, au-delà des considérations syntaxiques, narratives et plastiques. L'auteur illustre son propos de nombreux exemples issus de l'histoire du cinéma.

Les relations entre les deux arts du temps et du mouvement, danse et cinéma, ont déjà fait l'objet de divers travaux, mais les problématiques restaient générales : comment le cinéma montre-t-il la danse ? Comment le cinéma fictionne-t-il le monde de la danse ? Quelles sont les gains et les pertes de la rencontre entre ces deux arts (ce que le cinéma y gagnerait, ce que la danse y perdrait) ? L'hypothèse sera donc : comment parler de danse au cinéma au delà de l'évidence des performances ? Qu'entendre par les " danses idéales " créées par le cinéma selon le critique Ricciotto Canudo ?

La figure et le fond sont bien plus que les pôles complices de notre attention flottante. Le couple figure/fond a joué un rôle majeur dans l'élaboration du langage cinématographique. L'échelle des plans, les stratégies d'éclairage, de composition et de découpage reposent, dans le cinéma classique, sur un principe de valorisation, de sélection et de hiérarchisation de figures, principalement humaines, isolées ou détachées d'un environnement mis en retrait sous la catégorie du fond. Les catégories de la figure et du fond présentent pourtant un caractère dynamique qui sollicite constamment nos sens. La figure et le fond sont bien plus que les pôles complices de notre attention flottante. Les études réunies dans ce numéro explorent les relations cinématographiques entre figures et fonds, d'Agnès Varda à Martin Arnold, de Dario Argento à Michael Mann, de Lav Diaz à Apichatpong Weerasethakul. Les essais proposés ont recours aux théories du cinéma mais également à l'histoire de l'art, à la théorie littéraire, à la philosophie ou à l'histoire politique.

Une initiation à l'art de J. M. W. Turner (1775 - 1851). Autodidacte, Turner n'en obtient pas moins une reconnaissance officielle remarquablement précoce : dès l'âge de 17 ans, il expose à la Royal Academy of Arts, dont il devient membre en 1802. Il mène dès lors une carrière pleine de succès, multipliant les voyages à travers l'Europe (France, Hollande, Allemagne, Suisse, Italie...) pour diversifier les sujets de ses paysages. Son art s'inspire également des maîtres du passé : il a beaucoup médité les paysages historiques de Poussin et de Claude Lorrain, la leçon réaliste des Flamands et des Hollandais, ainsi que les théories de Goethe sur la couleur. Au fil des ans, il développe une technique picturale toujours plus personnelle, obtenant dans ses tableaux à l'huile des effets de transparence et de légèreté proches de l'aquarelle. Dans les années 1840, il peint des compositions tourbillonnantes "en cyclones", qui donnent un sentiment de mouvement vertigineux. Menant toujours de front plusieurs tableaux, il les reprend et les retouche constamment, parfois même alors qu'ils sont déjà encadrés et exposés. Plusieurs de ses toiles tardives, inachevées ou non, tendent quasiment vers l'abstraction. Les notices rassemblées dans cet ABCdaire offrent une première approche du contexte historique dans lequel Turner évoluait, de sa technique, de sa pensée picturale et de ses oeuvres les plus marquantes.