La Vie ou les Futurs du Passé

De 1945 au début des années 1970, des centaines de peintres et de sculpteurs, d'Europe, des Etats-Unis, d'Amérique latine, du Maghreb, de l'Afrique sub-saharienne du Moyen et de l'Extrême Orient, ont fait de Paris leur destination de prédilection. Ils viennent pour apprendre l'art moderne dans les académies et les ateliers d'artistes mais aussi rencontrer leurs confrères et se faire connaître dans les galeries et les salons. Malgré les difficiles conditions de travail et de logement, ils s'y établissent, pour quelques mois ou quelques années, et font à nouveau de Paris l'une des capitales de la création artistique mondiale donnant à l'abstraction, à la figuration, au cinétisme, à l'art de performance, une nouvelle actualité. Comment le sentiment d'expatriation qu'ils vivent apparaît-il dans leurs oeuvres ? Telle est la question que pose l'exposition Paris et nulle part ailleurs qui aura lieu au musée national de l'Histoire de l'immigration de Paris du 27/09/22 au 22/01/23, à travers les peintures et sculptures de vingt-quatre d'entre eux - célèbres ou moins - révélatrices de leur relation à la patrie d'origine ou au lieu de destination. Si, pour quelques-uns, c'est le souvenir du pays quitté qui l'emporte et se reflète dans leurs travaux, d'autres font naître du métissage de leurs expériences artistiques premières avec la révélation de la modernité parisienne une esthétique nouvelle. Parallèlement, alors que certains aspirent à un art universel fondé sur le langage pur des formes et des couleurs pour transcender toutes les frontières, c'est un sentiment d'étrangeté définitive du monde qui domine parfois chez les artistes les plus rétifs à toute installation, ce dont témoignent leurs créations fondées sur un regard sans complaisance sur la société de leur temps. A travers une centaine d'oeuvres, mais aussi un choix de photographies et d'interviews filmées, Paris et nulle part ailleurs propose d'éclairer à la fois par l'exposition et par son catalogue cet épisode très particulier et mal connu de l'histoire de l'art à Paris. Les 24 artistes de l'exposition : Shafic Abboud, Eduardo Arroyo, André Cadere, Ahmed Cherkaoui, Carlos Cruz-Diez, Dado, Erró, Tetsumi Kudo, Wifredo Lam, Julio Le Parc, Milvia Maglione, Roberto Matta, Joan Mitchell, Véra Molnar, Iba Ndiaye, Alicia Penalba, Judit Reigl, Antonio Seguí, Jesús Rafael Soto, Daniel Spoerri, Hervé Télémaque, Victor Vasarely, Maria-Helena Vieira da Silva, Zao Wou-Ki.

Depuis les années 1990, de plus en plus d'artistes se tournent vers la manipulation et l'incorporation aux oeuvres de matériaux vivants. A travers l'expérience sensible, ils nous invitent à explorer un univers microscopique qui nous est inaccessible au quotidien. Leurs travaux héritent des recherches artistiques des années 1960-70, des imaginaires de la science-fiction, mais aussi des avancées les plus récentes en matière de biotechnologies, comme des courants de pensée tels que le post-humanisme. La migration de pratiques et de savoirs interroge la nature et la finalité des échanges entre art et sciences. Penser l'hybridation, comme le propose cet ouvrage, est d'abord une volonté de saisir la dimension hybride de ces démarches faisant appel à des connaissances issues d'un champ scientifique initialement exogène. Par ailleurs, ces oeuvres pratiquent l'hybridation des formes, des médiums et des techniques ; ce faisant, elles interrogent le statut du vivant et le risque de la perte de singularité à l'heure du clonage. Au-delà de l'inévitable analogie qui s'opère entre l'oeuvre "vivante" et et les matériaux qui la constituent, une approche épistémologique nous offre la possibilité de penser en quoi ces formes labiles défient le régime de l'image, entre présentation et représentation. L'enjeu est de saisir ce qui est en culture dans ces oeuvres qui sont tout autant des résurgences de motifs anciens que les projections d'un futur possible.

Résumé : Le château d'Assier en Quercy est un édifice majeur de la première moitié du XVIe siècle. Bâti de 1510 à 1535 selon des projets de plus en plus ambitieux, Assier est un édifice complexe qui illustre parfaitement l'évolution de l'architecture de la première Renaissance en France. En dépit de sa situation "périphérique" au coeur du Quercy, ce château est l'un des grands "châteaux de la Loire" car son bâtisseur, Galiot de Genouillac, familier de François Ier, sut faire venir à Assier des maîtres d'oeuvre et des sculpteurs de talent. Plusieurs traits originaux singularisent cette demeure : le décor sculpté qui y revêt une importance exceptionnelle, l'emploi de voûtes plates portées par des arcs diaphragmes diagonaux entrecroisés, l'apparition d'un nouveau type de toiture, le dôme à l'impériale. De plus, le château offre l'un des tout premiers exemples en France d'emploi des ordres antiques. Si la personnalité des architectes reste inconnue, comme c'est presque toujours le cas dans la première moitié du XVIe siècle, celle du bâtisseur se manifeste avec éclat : les emblèmes répandus à profusion disent la gloire de Galiot, grand maître de l'artillerie et grand écuyer de France. Vendu à des démolisseurs en 1768, le château ne subsiste qu'en partie. En rapprochant deux vues d'ensemble dessinées à la fin du XVIIe siècle des nombreux fragments sculptés qui ont survécu à la destruction, on peut parvenir à une restitution précise et faire revivre un château dont on ne percevait pas jusqu'ici l'importance.

Résumé : Le rapport des artistes au paysage est fortement reposé dans le contexte contemporain du dérèglement climatique et de la sixième extinction de masse des espèces. Partant d'un parcours d'oeuvres initié par le Pays Portes de Gascogne (Gers), dans le cadre des "itinéraires artistiques" , cet ouvrage interroge la façon dont les artistes s'emparent des questions écologiques pour donner à voir et à sentir le paysage et son rôle dans nos imaginaires contemporains. Pensé lui-même comme un micro-paysage composé de divers strates, présences et points de vue, le livre met en résonance des propos d'artistes, de scientifiques, d'acteurs locaux et de penseurs afin de rendre sensible un paysage contemporain qui tend à être écrasé par des logiques de rentabilité et qui perd chaque jour ses richesses et ses singularités. Le fait d'être attaché à un paysage n'est pas uniquement le fruit d'une construction intellectuelle, d'un regard humain posé sur une portion de pays. Nous habitons un paysage et, à ce titre, nous y sommes liés quelles que soient ses qualités esthétiques. Concentrant les enjeux écologiques les plus marquants de notre époque, le paysage, qui a beaucoup été représenté par les artistes depuis la Chine ancienne, en passant par Cézanne, nous permet d'explorer les évolutions de notre rapport au monde vivant. Prendre le temps de regarder le paysage, c'est prendre de temps d'appréhender sa complexité et les interactions qui s'y déroulent, des croisements que la modernité a été tentée de couper sous prétexte d'efficacité et de lisibilité immédiate. Cet ouvrage, richement illustré, nous propose ainsi d'entrer dans l'univers d'artistes contemporains, dont les oeuvres invitent, par l'imaginaire qu'elles déploient, à habiter le paysage sous des modalités renouvelées.