Mondes flottants. Du Japonisme à l'art contemporain

Mêlant peinture et photographie dans une esthétique pop et colorée, Pierre et Gilles jouent depuis quarante ans avec les codes de l'histoire de l'art, de la mode, du cinéma et de la publicité pour créer de nouvelles icônes contemporaines. Le thème maritime, source d'inspiration constante tout au long de la carrière des deux artistes, avec ses marins, scènes portuaires et paysages sous-marins, est mis à l'honneur. Pour la première fois sont réunies des oeuvres iconiques de leurs débuts ainsi qu'une sélection de pièces emblématiques, issues de galeries et de collections privées. Des oeuvres spécialement créées à cette occasion s'ajoutent à cette riche présentation.

Parmi toutes les destinations prisées par le peintre, quatre régions emblématiques de son travail et les personnes qu'il y a rencontrées jalonnent cet ouvrage : la région Parisienne, le Maghreb, la Provence et la Normandie.

Peintre officiel de la Marine et infatigable voyageur, André Hambourg trouvait en Normandie un refuge apaisant, un point d'ancrage entre deux départs. L'artiste a entretenu avec la Normandie un lien profond et constant. Des plages animées de Deauville aux rivages paisibles de la Seine, des fêtes maritimes aux scènes plus intimes de son jardin, il en a exploré toutes les facettes. A la fois lieu d'inspiration, de repos et de création, la Normandie a occupé une place centrale dans son oeuvre. A travers son regard, elle devient un territoire de lumière, de mouvement et de mémoire, capté avec tendresse et fidélité.

Le portrait, qu'il soit officiel, dédié à des donateurs, individuel ou collectif, constitue un moyen de reconnaissance de la qualité artistique de son auteur. Il impose une représentation frontale ou, à défaut, de profil, afin de garantir l'identification nécessaire du modèle. Cependant, cette exigence soulève une question fondamentale : comment envisager la représentation d'une personne de dos, par essence anonyme ? Cette recherche autour de la représentation de dos révèle le courage des artistes à défier les conventions établies, à chercher de nouvelles voies pour exprimer l'identité et l'individualité. Elle incite à repenser la manière dont le corps peut devenir le support d'une narration forte et expressive, même lorsque le visage demeure dissimulé. Ainsi, la représentation de dos devient une invitation à la réflexion sur la diversité des moyens d'expression artistique, sur la rupture avec les normes établies et sur la recherche constante d'une identité visuelle alternative. Cette relecture de l'histoire de la peinture se révèle alors comme un voyage, où les artistes, libérés des contraintes, osent explorer de nouveaux horizons esthétiques et nous invitent à voir au-delà du visage, là où le corps devient le support d'une inspiration renouvelée. Historiquement, il est permis de s'interroger sur la pertinence du dos comme sujet principal d'une oeuvre picturale. Présents dans de larges compositions dès le début des scènes figurées, le personnage de dos n'est alors pas un sujet à part entière. Il apparait parfois pour alimenter le vocabulaire narratif de l'artiste et lui permettre d'exprimer toute une palette de poses et de varier ses effets. Cette exposition entreprend, à travers une exploration méthodique, de dévoiler les raisons sous-jacentes à l'absence de la représentation du dos comme sujet principal avant le XVe siècle. Elle se penche ensuite sur l'évolution graduelle de cette iconographie, devenant progressivement l'apanage de certains artistes aux XVIIIe et XIXe siècles. Au cours du XIXe siècle, elle examine comment le dos devient le mode de représentation de la contestation pour certains, ou le symbole de la réussite sociale pour d'autres. Cette démarche chronologique est complétée par l'exploration de thèmes spécifiques, tels que les nus, l'utilisation du miroir, les études anatomiques...