Lectures de Love's Labou's Lost de William Shakespeare. Edition bilingue français-anglais

Dans la perspective historicisante, c'est ce qui dans le texte demeure quelque peu étranger à son lecteur qui constitue sa plus grande richesse. Ce que le texte de théâtre shakespearien dit du genre s'inscrit pleinement dans cette perspective pour un critique contemporain, et la prise en compte des conditions matérielles de la représentation théâtrale, au premier rang desquelles figure l'exclusion des femmes du plateau, ne saurait à elle seule permettre d'en restituer toute la richesse. Le discours sur le genre que constituent les personnages, leurs mises en situation, leurs répliques et leur dimension évolutive s'articule en effet à un certain nombre de définitions identitaires sexuées dans l'Angleterre élisabéthaine et jacobéenne, attestées par d'autres sources primaires, et codifiées pour les besoins du support théâtral, c'est-à-dire rendues visibles et lisibles pour les spectateurs. Une double logique guide donc ces mises en scène de l'identité sexuelle sur le plateau shakespearien : on v décèle d'une part un certain nombre d'éléments socio-culturels aisément reconnaissables pour le spectateur, qui construisent une image dramatique correspondant à la codification historique de l'identité sexuelle à la fin du XVIe et au début du XVIIe siècle, et d'autre part. il s'y manifeste un ensemble de références à l'immédiateté du plateau et à l'univers potentiellement indifférencié qu'il constitue, par sa dimension unisexe masculine. Lorsque se constitue un univers dramatique, c'est l'image fidèle à la codification sexuelle qui prédomine, en vertu du principe aristotélicien de mimesis. A contrario, lorsque la théâtralité est affichée, les repères du genre se brouillent, pour en esquisser une nouvelle topographie, où la logique du plateau vient se superposer à l'imitation des codes socio-culturels. Ce sont ces jeux de va-et-vient entre deux systèmes concurrents de définition du genre que le présent volume se propose d'explorer.

La tragédie de Coriolan est l'une des pièces les moins connues et les plus ardues du canon shakespearien. Pourtant, c'est aussi l'une de celles qui donnent lieu aux débats les plus fertiles parmi spectateurs et critiques, et l'histoire de ses mises en scène est riche et polémique. La dernière adaptation en date au théâtre du Globe (2006) est présente dans cet ouvrage par la voix de son metteur en scène et de son acteur principal, aux côtés d'éclairages critiques apportés par des enseignants chercheurs européens spécialistes de Shakespeare. Pièce parcourue par la figure de l'antithèse, Corolian présente un héros tragique tour à tour haï et adoré par la foule, un héros aux dimensions mythiques mais profondément humain qui de bourreau devient victime. Afin de rendre accessible aux étudiants du CAPES et de l'Agrégation d'anglais, mais aussi à un plus large public, l'extraordinaire richesse de cette pièce protéiforme et de son héros à la fois si proche et si lointain, cet ouvrage en propose onze lectures à la lumière des outils d'analyse les plus récents en matière de critique shakespearienne. Le parcours proposé présente notamment la pièce dans le contexte politique de son créateur et de ses premiers spectateurs, et interroge la théâtralisation du politique qui se fait jour. Les thématiques majeures de Corolian sont ici abordées et déchiffrées dans des contributions à la fois éclairantes et stimulantes.

Pièce hybride, à mi-chemin entre tragédie de la jalousie et comédie sur la vertu du repentir et le triomphe de l'amour, The Winter's Tale est aussi, comme les autres oeuvres tardives de Shakespeare, une réflexion sur les pouvoirs démiurgiques de l'art et sur l'acceptation par le spectateur des artifices qui rendent l'illusion possible. Cette dimension métafictionnelle et métathéâtrale est manifeste dès le titre, qu'il faudrait, pour rendre la richesse des acceptions de la tradition narrative à laquelle il fait allusion, traduire sans doute tout autant par " conte à dormir debout " que par " conte d'hiver ". Univers païen et univers chrétien, tragédie et comédie, récit et spectacle dramatique, vraisemblance et merveilleux, art et nature, illusion et réalité, vie et mort : les éléments qui se côtoient dans la pièce ne cherchent pas à dissimuler leur nature antithétique, bien au contraire. C'est précisément sur cette présence simultanée de deux principes opposés que repose le mécanisme dramaturgique dont Shakespeare souligne les rouages. Tout comme dans la tradition narrative à laquelle le titre fait référence, ce qui compte, dès lors, n'est pas tant le récit lui-même que l'effet qu'il produit sur le spectateur et le statut que ce dernier lui accorde. Autant de perspectives dont traitent les articles rassemblés dans le présent ouvrage, rédigés par des universitaires américains et français spécialistes du théâtre de Shakespeare. À ces éclairages critiques s'ajoutent les témoignages de Greg Hicks et David Farr, respectivement acteur principal et metteur en scène de la dernière production en date de la pièce par la Royal Shakespeare Company (2010).

Delphine Lemonnier-Texier est maître de conférences au département d'anglais (études shakespeariennes et théâtre anglophone) de l'université de Rennes 2 - UEB. Geneviève Chevallier est maître de conférences en études anglophones et membre du CRHI, uiversité de Nice-Sophia Antipolis. Brigitte Prost est maître de conférences en études théâtrales à Rennes 2 - Université européenne de Bretagne.