De la «cité de dieu» au «palais du pape» : les résidences pontificales dans la seconde moitié du XII

Ligne à ligne, le déchiffrement savant d'une centaine d'inscriptions nous guide dans l'art de la sculpture du XIIe au XIXe siècle : commanditaires, conseillers, artistes, sources et œuvres.

Illustré par une iconographie en partie inédite, cet ouvrage porté par deux éminents spécialistes, Pierre-Yves Le Pogam, avec une collaboration de Sophie Jugie, envisage la sculpture gothique à la fois dans son développement artistique et dans son contexte de création (commandes, ateliers, outils, circulation des formes, etc). A partir du milieu du XIIe siècle, alors que l'art roman est encore en plein essor, certains développements de l'architecture occidentale annoncent une rupture profonde qui va donner lieu à une nouvelle étape de l'art européen, qu'on désigne après coup, depuis le XVe siècle, par le qualificatif de gothique. Dans le domaine de la sculpture, il s'agit d'une période qui voit se déployer des évolutions multiples et décisives. Les églises, notamment les grandes cathédrales, se couvrent d'un décor sculpté foisonnant, à la fois didactique et séduisant, qui illustre les grands cycles de l'histoire chrétienne et fait appel à la sensibilité des fidèles. Les XIIIe et XIVe siècles sont aussi marqués par le retour à la ronde-bosse, le développement de la statuaire autonome, l'invention ou la recréation de genres disparus depuis l'Antiquité (les tombeaux et les portraits sculptés, la statue équestre), qui préfigurent tout ce que nous entendons aujourd'hui dans la notion de sculpture. Ces inventions aboutissent, autour de 1400, à l'un des derniers moments où les différents pays européens utilisent la même langue stylistique, avant que n'apparaissent au xve siècle des idiomes artistiques profondément individualisés et nationaux, liés à la Renaissance, laquelle a créé par dédain le concept d'art gothique. Or, les sculptures réalisées dans tout l'Occident entre la fin du XIIe et le début du XVe siècle, loin d'exprimer la barbarie que voulaient y voir, en forgeant ce terme, les intellectuels du Quattrocento, illustrent un des sommets de l'humanisme européen, par leur capacité à transmettre aussi bien des valeurs transcendantes que les affects et les émotions d'ici-bas. Dix ans après La Sculpture romane, de Jean-René Gaborit (Hazan, 2010), auquel il offre un pendant, il s'adresse à un public érudit et curieux tout en enrichissant les connaissances d'un lectorat avisé.

Linéaire ou cyclique, le temps et sa perception structurent l'homme et la société dans laquelle il vit. L'ordonner, le représenter, le sacraliser, le politiser : le temps a toujours été pour l'homme un défi mais aussi le moyen ultime de comprendre sa propre finitude et de rester maître de sa condition. A travers des oeuvres d'art issues de toutes les époques et les civilisations (papyrus, vases grecs, sculptures, dessins, peintures d'Arcimboldo, Prud'hon, Corot, installations contemporaines, etc), " Le Temps à l'oeuvre ", exposition inaugurale qui accompagne l'ouverture du Louvre-Lens, explore la perception du temps par l'homme, à la fois comme expérience physique (l'écoulement des jours, la vieillesse) et comme concept intellectuel (mesure et représentation). A la conscience d'un temps cyclique s'ajoute celle d'un temps linéaire : d'un côté, un temps en perpétuel mouvement, inscrit dans le quotidien; de l'autre, un temps fini, délimité par la naissance et la mort, mesuré à l'échelle humaine. Ce catalogue reflète, avec une grande richesse iconographique, la manière dont l'homme a inventé de multiples façons d'appréhender le temps et de conjuguer changement et immuabilité, finitude et éternité.