Les marchés de la misère. Contrôle, exploitation et représentation des classes miséreuses du XVIe si

La célébration de l'art par l'art lui-même, à travers la représentation d'une communauté d'artistes, a été un thème très fréquent dans la peinture du XIXe siècle. Il a pris deux formes distinctes en illustrant la collectivité des artistes sous la forme d'un cénacle des grands artistes de la tradition ou sous celle d'une corporation réduite d'artistes contemporains. Ce thème a été justifié par les évolutions sociales, politiques et économiques qui ont modifié l'organisation du monde de l'art et qui ont obligé les artistes à inventer dans le langage de l'art de nouvelles formes d'identification professionnelle et de représentation sociale. Limage de la sociabilité artistique, quelle soit reconstruite sous la forme d'un conclave historique ou exposée comme le témoignage d'une expérience vécue, est essentiellement une réflexion sur l'identité des artistes comme communauté professionnelle et sur les modalités de la production plastique. La spécificité thématique du portrait d'artistes en groupe engage donc à adresser à cet ensemble de tableaux deux types de question : pourquoi les artistes ont-ils éprouvé le besoin de se représenter en groupe : comment ces représentations ont-elles été organisées et quelles étaient leurs significations'! Le premier point renvoie aux raisons sociohistoriques qui ont amené à la représentation de la collectivité des artistes et qui sont liées à l'évolution économique des métiers artistiques. Le second point porte, lui, sur les modes d'organisation plastique de la représentation communautaire.Alain Bonnet enseigne l'histoire de l'art contemporain à l'université de Nantes. Ses travaux portent principalement sur l'histoire des institutions artistiques, sur l'histoire de l'enseignement des arts et sur la formation de l'image sociale des artistes dans l'art du XIXe siècle. Il a publié une étude sur l'enseignement artistique (L'enseignement des arts au XIXe siècle - La réforme de 1863 et la fin du modèle académique), des articles dans des revues scientifiques, des catalogues d'exposition et des actes de colloque. Il prépare actuellement un essai sur L'Artiste statufié - L'Hommage sculpté aux Grands Artistes, et une recherche sur les voyages des artistes français à l'étranger (L'artiste pérégrin - La Bourse de voyage et le Prix du Salon).

A la fin du XIXe siècle, la figure de l'artiste voyageur, arpentant les routes et multipliant les déplacements afin de renouveler les sujets et les caractéristiques stylistiques de son art, deviendra l'image même de la modernité ; elle s'opposera à l'ancienne conception de l'artiste sédentaire, rivé à un lieu, défini par son appartenance à une classe professionnelle et soumis à la reproduction des modèles canoniques. L'identification des artistes aux vagabonds et aux bohèmes obtiendra une reconnaissance officielle en étant encouragée par tout un système de récompenses publiques qui incitait les artistes à courir les chemins. Le Prix du Salon et les bourses de voyage permettent de poser la question de l'engagement de l'Etat dans la formation et le soutien des artistes dans le dernier quart du XIXe siècle. Ces récompenses officielles mettent en lumière la spécificité des arts du dessin qui surent attirer une part importante du budget de l'Etat dévolu à la politique culturelle. Le patronage officiel marque également une conception nouvelle de la nature des oeuvres d'art et révèle une nouvelle image de l'artiste. En envoyant à l'étranger des jeunes artistes pour parfaire leur formation, l'Etat assimilait l'artiste à un être indépendant qui ne devait répondre que de sa seule fantaisie. En ne leur imposant plus le pèlerinage rituel à Rome, capitale de la Tradition et conservatoire des modèles canoniques, il ouvrait le champ des références stylistiques et encourageait le libre choix des paradigmes artistiques. En incitant les artistes au vagabondage, il reconnaissait la place prééminente que le paysage avait acquise dans la production artistique, au détriment de la peinture d'histoire. Cette étude, en revenant sur l'histoire des récompenses décernées par la IIIe République aux peintres et aux sculpteurs, pose la question des conditions d'existence d'un art républicain officiel.

La volonté de faire pénétrer l’art à l’école, non seulement par l’enseignement du dessin puis plus tard des arts plastiques, mais également par la mise en place d’un cadre harmonieux et d’un matériel scolaire à prétention esthétique, a été l’un des axes les plus importants de la politique éducative de la Troisième République. Cet effort se poursuit de nos jours en s’étendant à tous les niveaux de l’enseignement. Les textes réunis dans ce volume sont issus d’un colloque organisé en octobre 2019 par l’université de Bourgogne. Ce colloque s’articulait autour de trois axes principaux : le rôle de l’image dans les théories pédagogiques ; les musées scolaires et universitaires ; les décors peints et sculptés dans les établissements d’enseignement.

De prime abord, la prière des psaumes de la Bible peut sembler rébarbative, difficile, dépassée... Bien sûr l'expression, les préoccupations, la perception de Dieu datent : ce sont celles d'hommes d'une époque précise et lointaine, depuis laquelle la science et la théologie ont fait des progrès. Ce livre ne propose pas une traduction "pour aujourd'hui" mais une nouvelle approche pour entrer dans la peau du priant d'autrefois et d'imaginer ce qu'il aurait pu dire aujourd'hui... .