Dante et Virgile aux enfers d'Eugène Delacroix

Jacques-Louis David (1748-1825) est l'un des peintres qui ont le plus profondément marqué notre imaginaire collectif. Du Serment des Horaces à Marat assassiné, de Bonaparte franchissant les Alpes au Sacre de Napoléon, ses tableaux incarnent les grands moments de la Révolution et de l'Empire. David n'est pas seulement le maître du néoclassicisme : il est un artiste engagé dans la Révolution, député à la Convention, proche de Robespierre, organisateur des fêtes révolutionnaires avant de devenir le peintre de Napoléon. Son art est inséparable de sa volonté d'agir dans l'histoire, à un moment où naît un monde nouveau. Figure dominante de son époque, animé d'une détermination exceptionnelle, David a renouvelé aussi bien la peinture d'histoire, en y introduisant une intensité dramatique inédite, que le portrait. Entre idéal antique et un réalisme marqué par l'exemple de Caravage, son oeuvre, loin d'être figée, est animée d'une énergie qui garde pour nous aujourd'hui toute son actualité.

En 1835, le peintre Antoine-Jean Gros se suicide en se jetant dans la Seine, peu de temps après le Salon où il avait présenté Hercule et Diomède. Les critiques virulentes à l'encontre de ce tableau ont longtemps été considérées comme la cause de sa mort. Cet ouvrage réexamine les pièces de ce dossier et, particulièrement, la manière dont cette mort "honteuse" a été rapportée, transformée, voire maquillée. C'est toute la question de l'artiste moderne qui est posée dans ce débat. Cet épisode met en lumière les difficultés éprouvées par les grands peintres de l'Empire, la plupart élèves de David, à gérer les mutations de la société après 1815, notamment la liberté accordée aux artistes recevant des commandes de l'Etat et la confrontation directe avec l'opinion publique, par l'intermédiaire du Salon. Gros, Gérard, Girodet et Guérin adoptèrent des stratégies diverses et propres pour assurer le maintien de leur notoriété, voire de leur pouvoir, en particulier face à une génération nouvelle pressée d'arriver. L'ouvrage montre comment, dans la société moderne, la rencontre de ces deux générations s'est cristallisée autour de la finalité et de la survie de la peinture d'histoire. À la faveur d'une liberté nouvelle dans le système des beaux-arts, dans un pays en paix et de nouveau prospère, les artistes et les critiques reprennent en les réactualisant des débats initiés dans les années 1790 et en partie occultés par la constitution d'une épopée napoléonienne, traduite en images par David et ses meilleurs élèves.

Nous est offert, pour la première fois en France, un panorama de la création artistique allemande sur une durée relativement longue - plus d?un siècle. Les courants artistiques, du classicisme weimarien, des Nazaréens à Otto Dix, en passant par Hans von Marées, Adolf von Hildebrand ou Franz von Stuck, mais aussi du romantisme d?un Caspar David Friedrich à la « nouvelle objectivité », seront ainsi replacées dans le contexte intellectuel de leur création et confrontés aux écrits des grands penseurs au premier rang desquels Goethe.Cette approche est importante pour le public français à qui l?art allemand dans ses différents développements a été peu montré. Elle permet de saisir comment l?art a joué un rôle déterminant dans le développement du concept allemand de « Kultur », à un moment historique capital où l?Allemagne cherche à construire son unité et son identité nationale. La notion de « Kultur », concept hérité de la philosophie des Lumières, est apparue comme la plus susceptible de constituer le terreau sur lequel inventer une tradition allemande moderne. Si l?occupation napoléonienne a pu favoriser la prise de conscience de cette unité, fournissant l?arrière-plan politique aux premières expérimentations romantiques, la montée du nazisme, à l?autre bout du parcours chronologique, a mis en évidence la dimension tragique de ce concept, sans pour autant réussir à l?anéantir. En coédition avec le musée du Louvre.Notes Biographiques : Sébastien Allard est conservateur général et directeur du département des Peintures au musée du Louvre. Danièle Cohn, Professeur des Universités est Directrice du Centre d'esthétique et philosophie de l'art, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne

Depuis l'exposition mémorial de 1963 au musée du Louvre, Eugène Delacroix n'a jamais fait l'objet d'une telle exposition monographique, que celle qui sera organisée en 2018, à Paris puis à New York, par le musée du Louvre et le Metropolitan Museum of Art. Cette rétrospective inédite rassemblera près de 180 oeuvres en majorité des peintures, et la plupart de ses chefs-d'oeuvre. Si les oeuvres et les activités de Delacroix sont connues, il reste encore beaucoup à comprendre sur la manière dont Delacroix a dirigé sa création. Il travaille un peu plus de quarante années (de 1821 à 1863), mais les peintures qui font sa célébrité ont pour la plupart été produites durant la première décennie. C'est le temps des coups d'éclat au Salon et des audacieuses lithographies romantiques. Souvent cité comme ancêtre des coloristes modernes, Delacroix décrit en réalité un parcours parfois peu compatible avec la seule lecture formaliste de l'histoire de l'art du XIXe siècle. Le présent projet adopte un point de vue volontairement synthétique et subjectif ; il propose une vision des motivations susceptibles d'avoir inspiré et dirigé l'activité picturale du peintre au fil de sa longue carrière, déclinée en trois grandes périodes. La première décennie est placée sous le signe de la rupture avec le système néoclassique, au profit d'un recentrement sur les possibilités expressives et narratives du médium pictural dans un contexte de crise de la peinture d'histoire traditionnelle ; la seconde partie cherche à évaluer l'impact du grand décor public, principale activité de Delacroix dans les années 1835-1855, dans sa peinture de chevalet où s'observe une tension entre le monumental et le décoratif ; enfin, les dernières années semblent dominées par une forte attraction pour le paysage, tempérée par un effort de synthèse personnelle rétrospective. Ces clés interprétatives permettent de proposer une classification renouvelée qui dépasse le simple regroupement par genres ainsi que le clivage romantique classique, et ménagent des effets de contrastes. Elles permettent enfin de placer la production picturale de Delacroix en résonnance avec les grands phénomènes artistiques de son temps : le romantisme certes, mais aussi le réalisme, les historicismes, l'éclectisme.