Jacques-Louis David

Aucun tableau ne révèle mieux l'avenir d'un grand peintre", voilà comment Adolphe Thiers salua, en 1822, la première ?uvre qu'Eugène Delacroix, alors inconnu, présenta au Salon: Dante et Virgile aux Enfers, dit aussi la Barque de Dante. Par un sujet inédit inspiré d'un épisode peu connu de la Divine Comédie de Dante, par la conception sombre et profondément dramatique de la toile, par l'exécution, rapide et dense, nourries de références à Michel-Ange ou à Rubens, Delacroix, âgé d'à peine vingt-quatre ans, étonna, déconcerta ou suscita l'enthousiasme. Les termes du débat sur la question du romantisme en peinture, qui allait éclater, en 1824, avec les Massacres de Scio, venaient d'être magistralement posés. Ce livre propose une enquête sur ces fulgurants débuts qui introduisirent, dans la peinture française, un univers poétique nouveau.

Depuis l'exposition mémorial de 1963 au musée du Louvre, Eugène Delacroix n'a jamais fait l'objet d'une telle exposition monographique, que celle qui sera organisée en 2018, à Paris puis à New York, par le musée du Louvre et le Metropolitan Museum of Art. Cette rétrospective inédite rassemblera près de 180 oeuvres en majorité des peintures, et la plupart de ses chefs-d'oeuvre. Si les oeuvres et les activités de Delacroix sont connues, il reste encore beaucoup à comprendre sur la manière dont Delacroix a dirigé sa création. Il travaille un peu plus de quarante années (de 1821 à 1863), mais les peintures qui font sa célébrité ont pour la plupart été produites durant la première décennie. C'est le temps des coups d'éclat au Salon et des audacieuses lithographies romantiques. Souvent cité comme ancêtre des coloristes modernes, Delacroix décrit en réalité un parcours parfois peu compatible avec la seule lecture formaliste de l'histoire de l'art du XIXe siècle. Le présent projet adopte un point de vue volontairement synthétique et subjectif ; il propose une vision des motivations susceptibles d'avoir inspiré et dirigé l'activité picturale du peintre au fil de sa longue carrière, déclinée en trois grandes périodes. La première décennie est placée sous le signe de la rupture avec le système néoclassique, au profit d'un recentrement sur les possibilités expressives et narratives du médium pictural dans un contexte de crise de la peinture d'histoire traditionnelle ; la seconde partie cherche à évaluer l'impact du grand décor public, principale activité de Delacroix dans les années 1835-1855, dans sa peinture de chevalet où s'observe une tension entre le monumental et le décoratif ; enfin, les dernières années semblent dominées par une forte attraction pour le paysage, tempérée par un effort de synthèse personnelle rétrospective. Ces clés interprétatives permettent de proposer une classification renouvelée qui dépasse le simple regroupement par genres ainsi que le clivage romantique classique, et ménagent des effets de contrastes. Elles permettent enfin de placer la production picturale de Delacroix en résonnance avec les grands phénomènes artistiques de son temps : le romantisme certes, mais aussi le réalisme, les historicismes, l'éclectisme.

Aujourd'hui universellement célèbre pour ses paysages, Camille Corot (1796-1875) fut aussi un immense peintre de figures ; Degas l'estimait d'ailleurs tout particulièrement en ce domaine, soulignant sa modernité. Portraits d'intimes et nus étranges, paysannes romaines et moines absorbés dans la lecture, enfants et modèles d'ateliers, femmes à la mode et hommes en armures, Corot aborda tous les genres avec succès, des toutes petites effigies de ses intimes à ses monumentales figures de fantaisie, dont la Femme à la perle au musée du Louvre est la plus célèbre. Contemporain aussi bien d'Ingres auquel il rend hommage que de Courbet ou du jeune Manet, auquel il se confronte, Corot, au cours de sa longue carrière, cherche, avec ses figures, à élever un pont entre tradition et modernité. Riche d'une soixantaine de chefs-d'oeuvre provenant des plus importantes collections publiques et privées d'Europe et des Etats-Unis (musée du Louvre, musée des Beaux-Arts de Lyon, musée d'Art et d'Histoire de Genève, de Zurich, Metropolitan Museum of Art de New York, National Gallery de Washington, collection Thyssen-Bornemisza de Madrid...), cet ouvrage rend compte de l'exposition organisée par le musee Marmottan Monet, Corot, peindre la figure humaine, du 8 février au 8 juillet 2018. Il met en lumière cet aspect aussi original que brillant de la production de celui qui fut le premier paysagiste moderne.

En 1835, le peintre Antoine-Jean Gros se suicide en se jetant dans la Seine, peu de temps après le Salon où il avait présenté Hercule et Diomède. Les critiques virulentes à l'encontre de ce tableau ont longtemps été considérées comme la cause de sa mort. Cet ouvrage réexamine les pièces de ce dossier et, particulièrement, la manière dont cette mort "honteuse" a été rapportée, transformée, voire maquillée. C'est toute la question de l'artiste moderne qui est posée dans ce débat. Cet épisode met en lumière les difficultés éprouvées par les grands peintres de l'Empire, la plupart élèves de David, à gérer les mutations de la société après 1815, notamment la liberté accordée aux artistes recevant des commandes de l'Etat et la confrontation directe avec l'opinion publique, par l'intermédiaire du Salon. Gros, Gérard, Girodet et Guérin adoptèrent des stratégies diverses et propres pour assurer le maintien de leur notoriété, voire de leur pouvoir, en particulier face à une génération nouvelle pressée d'arriver. L'ouvrage montre comment, dans la société moderne, la rencontre de ces deux générations s'est cristallisée autour de la finalité et de la survie de la peinture d'histoire. À la faveur d'une liberté nouvelle dans le système des beaux-arts, dans un pays en paix et de nouveau prospère, les artistes et les critiques reprennent en les réactualisant des débats initiés dans les années 1790 et en partie occultés par la constitution d'une épopée napoléonienne, traduite en images par David et ses meilleurs élèves.