Sugimoto. Versailles. Surface de révolution, Edition bilingue français-anglais

En 1974, après avoir quitté le Japon et fait des études d'art à Los Angeles, Hiroshi Sugimoto arrive à New York. Il y découvre le Musée américain d'histoire naturelle et ses dioramas mettant en scène des animaux empaillés ou de cire devant des décors peints. Frappé par l'aspect artificiel de la mise en scène, il se rend compte que l'illusion fonctionnerait mieux à travers l'oeil d'un appareil photographique. Il entame ainsi en 1974 sa première série, Dioramas, partant du postulat selon lequel les appareils photo montrent toujours la réalité brute, une hypothèse qui piège beaucoup de spectateurs. Cette astuce visuelle, jouant sur l'ambiguïté de la nature des objets, est la base fondatrice de son exploration conceptuelle du médium photographique. La série Dioramas met en scène des animaux - ours polaire, boeufs musqués, antilopes, autruches d'Afrique - dans des positions réalistes et dans ce qui semble être leur milieu naturel, comme si le photographe avait capturé un instant vécu de leur existence. Pourtant, on peut ressentir comme une sorte de malaise visuel en regardant les images pour la première fois. Le caractère onirique, presque surréaliste, des paysages et la grande netteté des détails et des matériaux paraissent suspects ; cette perfection nous interroge. Après examen des images, le spectateur prend conscience du travail sur la luminosité et de la précision du cadrage ; la beauté plastique des photographies, trop recherchée pour être naturelle, vient déranger définitivement l'illusion première. Cette édition de Diorama est la première à rassembler l'ensemble de la série en un seul ouvrage et présente une dizaine de photographies récentes (2012).

La série Architecture du photographe japonais mondialement connu Hiroshi Sugimoto part d'un travail de commande du musée d'art contemporain de Los Angeles, lui demandant de revisiter les bâtiments modernes les plus emblématiques du monde. Sugimoto nous invite à un voyage qui dépasse le sujet et englobe une réflexion sur ce qu'est l'architecture même dans la vie des hommes, mais aussi sur le rôle de la photographie face au bâtiment. Toujours dans sa façon d'élever sa pensée avec son art, il explique dans son texte " Au départ de sa réflexion, un architecte pense son bâtiment comme idéal. Au fur et à mesure du projet, à force de plans et de dessins, son idéal évolue en fonction des impératifs liés au budget, aux matériaux, à la faisabilité. Au fil du chantier, l'idée d'origine finit par se disloquer jusqu'à son effacement. Un édifice est le fruit d'incessantes compromissions entre l'idéal rêvé et la réalité. Refuser de se plier à ces compromissions est la signature des plus grands architectes. " La série nous donne à voir des constructions emblématiques et connues de tous avec une esthétique inédites qui les fait devenir des oeuvres picturales à part entière.

Aux débuts du cinéma, on montrait dix images par seconde, à l'époque du muet on est passé à seize puis, quand le cinéma est devenu parlant, à vingt-quatre, ce qui est encore le cas aujourd'hui. Regarder un film de deux heures équivaut à regarder défiler les images rémanentes de 172 800 photos. Accumulées en grande quantité, les images mortes paraissent vivantes. Depuis l'Egypte ancienne, ou plutôt depuis l'aube des civilisations, la possibilité d'une résurrection a été l'une des préoccupations essentielles de l'humanité. L'idée m'est venue de photographier ces images qui semblaient animées par la vie, pour les figer une nouvelle fois. Je me suis senti à ce moment-là comme investi d'une mission : ces fantômes rendus à la vie par une accumulation de photographies, il fallait les mettre à nouveau sous clé par le biais de la photographie. Perdu dans ma rêverie, je me suis vu prendre 170 000 photos en une seule prise de vue. L'image qui en résulta était un écran blanc, brillant dans l'obscurité d'une salle de cinéma. Et cette lumière étincelante produite par une surexposition répétée 170 000 fois, se manifestait sous la forme d'une émanation divine. Une présence surnaturelle que l'on aurait pu appeler "la Mort surexposée"." (Extrait du texte de Hiroshi Sugimoto)

A major figure in contemporary photography, Hiroshi Sugimoto continually questions our relationship with time and perception in his photographic practice. The monographic exhibition dedicated to him at the Soulages Museum in Rodez, starting in April 2026, engages his photographs in a dialogue with the building's unique architecture, but also with the work of Pierre Soulages, around common themes: light, the anteriority of black, and the horizon as a spatial and metaphysical structure. Reprendre la mélodie, a book accompanying the eponymous exhibition, explores Sugimoto's work based on the notion of honka-dori, borrowed from classical Japanese poetry, which refers to the act of revisiting a previous work in order to shift its meaning and reactivate its significance. This principle of repetition allows us to view Sugimoto's series as a system of variations, where each image is constructed in conscious relation to pre-existing forms and knowledge: the accumulation of time until the image is erased (in the series "Theaters'), reduction of the landscape to an abstract and ahistorical structure (with the seascapes of Seascapes), exploration of optical phenomena and the limits of vision ("Opticks'). The book brings together iconic series?;Theaters, Opera Houses, Seascapes?;and more recent ones, such as Opticks and BrushImpression, in which the artist moves away from photography to explore calligraphic gestures in a polyptych of forty-eight drawings. These collections are analyzed in two essays?;written by the director of the Soulages Museum, Maud Marron-Wojewodzki, and art historian Céline Flécheux?;which examine how Sugimoto uses photography as a reflective medium. The image appears less as a trace of a pre-existing reality than as a mental construction, in which time, conceived as accumulation, duration, or exhaustion, becomes a material in its own right.