Chris Marker - Survivances de Zapping Zone. Catacombes et lumières

Le concept d'?uvre d'art totale, issu du romantisme allemand et défini par Wagner au milieu du XIXe siècle, constitue un point d'ancrage fondamental permettant de comprendre l'origine des avant-gardes à la fois dans leur conception, leur action et leur représentation. L'?uvre d'art totale, ou Gesamtkunstwerk, est animée par une volonté totalisante qui se réalise à travers l'union des arts dans le désir de refléter l'unité de la vie. Entre 1908 et 1914, ce concept se trouve au croisement de plusieurs mouvements artistiques que l'on a généralement l'habitude d'envisager dans une succession temporelle artificielle et en cloisonnant les disciplines. C'est ainsi que l'auteur revisite les mouvements futuriste et expressionniste, ainsi que la naissance de l'abstraction. Il explique l'aboutissement de cette gestation et son étendue en passant par la musique, le théâtre et le cinéma d'avant-garde. Des artistes tels que Kandinsky, Malévitch, Scriabine, Schönberg ou encore Russolo et Boccioni préparent la voie à la conception de l'art que nous connaissons aujourd'hui, en donnant à la représentation artistique des possibilités jusque-là inédites puisque l'art se réalise en devenant un véritable acte social. Le spectateur ou l'auditeur est associé à cette démarche utopique et vit alors une expérience conçue comme une épreuve initiatique. Cette nouvelle conception de l'art s'accompagne d'une conscience du temps historique qui aboutira aux expériences de l'abstraction cinétique visant la matérialisation du temps par l'espace. Un ouvrage permettant de mieux apprécier le changement radical qui s'opère dans l'art au début du XXe siècle.

Tell me about clowns. Once upon a time, there was a species that thought they were better than everyone and everything else. What is the difference between a clown and a joker ? Sometimes they're one and the same. And the knife ? Some humans can be kind, surprising even, while others can act out of fear and negative emotions. Really ?

Avec Paul Klee: Polyphonies, le Musée de la musique présente sa première exposition monographique consacrée à l'oeuvre d?un peintre. Parmi les artistes les plus innovants de la première moitié du XXe siècle, Paul Klee se distingue par une pratique et une culture musicale exceptionnelles, tant comme violoniste de niveau professionnel, que comme auditeur passionné, enclin à partager sa vision critique du répertoire et de son interprétation. Plus encore, la musique est partie prenante de la théorie picturale progressivement élaborée par l?artiste: elle alimente sa quête continue d?étendre les possibilités expressives de la peinture. Paul Klee a trop souvent été présenté de manière monothématique et de récentes recherches ont mis en valeur sa relation à ses contemporains. Le catalogue de l?exposition éclaire le cheminement de l?artiste, aussi riche que singulier, à travers les débats esthétiques les plus significatifs de l?époque. Le dialogue de Paul Klee avec ses contemporains ? les artistes de l?expressionnisme, du cubisme, du dadaïsme ?, puis son engagement théorique et pédagogique au sein du Bauhaus, témoignent d?une attention aiguë portée aux enjeux de l?avant-garde. Dans l?ambition artistique de Klee, ceux-ci sont cependant perçus au sein d?une histoire plus vaste, qui embrasse l?art classique autant que la modernité. La musique, la poésie et les arts de la scène sont des références constantes, entretenant dans son ?uvre une porosité fructueuse, qui cherche à assimiler plusieurs registres du langage. Entre forme pure et mélanges, culture savante et populaire, Mozart et Bach y croisent Offenbach, et plus loin Schönberg, Busoni et Hindemith. Rassemblant les textes des auteurs de ces récentes recherches, le catalogue reproduit également l?ensemble des ?uvres et documents présentés dans l?exposition, notamment un corpus de textes théoriques et critiques, de correspondances inédites.

Cet ouvrage est publié à l'occasion de l'exposition au Centre Pompidou qui présentera une double installation inédite, basée sur deux espaces adjacents, articulant un parcours immersif visuel et sonore. Le visiteur traversera deux espaces orchestrés en opposition (noir/blanc ; obscur/lumineux) : Datascape et Environnement sonore. Datascape : Le visiteur pénètre dans une pièce plongée dans l'obscurité, où flotte une seule immense image, datascape abstrait, où se cristallise un vertige d'événements visuels et sonores impalpables. A travers cette oeuvre, l'artiste rend perceptible un au-delà dimensionnel issu d'un champ de forces : l'espace numérique et le brassage illimité et multidirectionnel de l'information qui s'y livre en continu et interroge la place de l'homme (le spectateur) au regard de l'échelle micro- et macroscopique. Ryoji Ikeda transpose cette réalité immatérielle en une esthétique qu'il qualifie de " mathématique ", tout à la fois électrisante et onirique. Environnement sonore : Accédant au deuxième espace, le spectateur est, cette fois-ci, ébloui par un sol blanc, réfléchissant une vive lumière au néon. La grande baie vitrée de la salle d'exposition laisse opérer une perméabilité visuelle complète entre l'intérieur et l'extérieur du musée. Cinq immenses hauts parleurs ultradirectionnels diffusent chacun dans un rayon très précis une composition sonore en boucle entièrement basée sur des ondes sinusoïdales. Ces ondes sonores constituent le son le plus pur, le plus exempt d'harmoniques (de timbre). Les mouvements des visiteurs ont une incidence sur leur propagation physique dans l'espace d'exposition, de sorte que chacun produit et perçoit une expérience acoustique singulière, l'amenant à composer, par le mouvement, sa propre expérience sonore. Dans ce paysage marqué par la forte présence sculpturale de ces hauts parleurs, semblables à des instruments de conquête spatiale, le spectacle que donne à voir cet espace vitré depuis l'extérieur est également une performance corporelle aléatoire de l'écoute.