Médecine interne

La sémiologie clinique, c'est la base de la médecine ! Elle est enseignée en 2e et 3e année de médecine, mais l'étudiant va la confronter à la réalité en 2e cycle, lorsqu'il sera face au patient au cours de ses stages à l'hôpital. La sémiologie, c'est tout ce que le médecin va recueillir dans son entretien avec le patient, son examen physique qu'il pratique avec ses yeux (inspection), ses oreilles (auscultation), ses mains (palpation, percussion). La nouvelle technique de dossier pour l'examen ECN devrait encore mieux explorer les connaissances sémiologiques des étudiants. C'est dans cette optique que nous avons rédigé ce livre destiné à être dans la poche de la blouse des étudiants hospitaliers. Il est fait pour qu'à chaque instant lors des activités hospitalières, l'étudiant puisse se référer rapidement à l'explication d'un signe, une technique d'examen clinique, ou un éventail de causes à rechercher.

Cet ensemble d'entretiens prolonge l'ouvrage que Natacha Pugnet consacre à L'effacement de l'artiste, un paradoxe de la création - Essai sur l'art des années 60 et 70. L'auteur met ici à l'épreuve sa réflexion auprès d'artistes de différentes générations qui, tous, dans leur pratique même, interrogent leur rôle et, partant, redessinent la figure symbolique du "créateur". Dans quelle mesure l'attitude d'auto-effacement a-t-elle déterminé les démarches au tournant des années 60 et 70? Qu'en est-il, aujourd'hui, d'un artiste qui brouille à dessein son statut en se livrant au double jeu, qui offre au regard des images improbables et des situations inauthentiques, ou bien encore qui applique ses "compétences" à d'autres champs du savoir et de l'imaginaire? Voici quelques-unes des figures de l'artiste que tentent de cerner ces entretiens conduits autour des questions de la subjectivité affirmée et de la distanciation, de la biographie et des identités rêvées, recomposées ou falsifiées.

Double je/double jeu - l'artiste et ses figuresNatacha PugnetPrivilégiant les pratiques artistiques récentes, les contributions à cet ouvrage constituent autant de réflexions sur les doubles je[ux] de l'artiste. Il y est question du jeu, celui auquel les performeurs et les artistes visuels, mais aussi les auteurs de cinéma et de théâtre, s'adonnent volontiers. Il y est plus précisément question de jeux avec le «je», d'interrogations sur les notions d'autofiction et d'identité fictionnelle. Y sont analysées des démarches fondées sur la coexistence d'un «je-artiste» et d'un «moi-personnage», oscillant entre narcissisme et autodérision. Intriquant réalité et fiction, performance et jeu d'acteur, une telle conduite apparaît souvent ambivalente. Car si l'artiste (ou Fauteur) en représentation opère toujours quelque dédoublement, le personnage projeté peut ici passer d'une identité fictive à une incarnation réelle. Les différents articles permettront, je l'espère, de montrer la diversité et l'ampleur prise par l'autoreprésentation sous des traits d'emprunt. Qu'il s'agisse de cinéma, de théâtre, de performance ou de photographie, la mise en scène de soi telle qu'elle est abordée dans ce recueil met en lumière quelques attitudes topiques. Le recours au travestissement, à la parodie, à la citation apparaissent autant comme des jeux avec l'histoire de l'art qu'avec la figure de l'artiste lui-même. Aussi doit-on voir dans les doubles je[eux] de l'artiste l'un des paradigmes de l'art d'aujourd'hui.Dans ces jeux avec le «je» se tiennent aussi les ambivalences de l'autoportrait et de l'image de soi, du je-artiste et de l'individu, de l'auteur d'un personnage confondu ou non avec son personnage. Comme le souligne Jacinto Lageira, «on peut être soi-même tout en ne l'étant pas, se présenter comme un autre en demeurant ce que l'on est». Michelle Débat analyse le glissement théorique du personnage en artiste-Narcisse, parfois seulement «en représentation, parfois critique». Être auteur et acteur, précise-t-elle, ce n'est pas nécessairement jouer. De Marcel Duchamp à Rip Hopkins en passant par Michel Journiac, Christian Boltanski, Vibeke Tandberg, Olivier Rebufa, Gilbert Garcin et Jérôme Bel, Michelle Débat fait la distinction entre la confusion de l'auteur et du personnage - qui, tel Narcisse, ne ferait plus qu'un avec son image - et la mise en scène de son corps ou bien de sa marionnette. S'appuyant sur la «fonction-auteur» - notion qu'inventa Michel Foucault -, qu'elle transpose au «sujet-personnage de ses propres productions», elle s'intéresse aux fonctions de «photographe-interprète, de chorégraphe-metteur en scène, ou de danseur-interprète». A la position critique de Journiac, jouant pour l'image ce qui est socialement interdit ou qui relève de la bienséance contraignante, s'oppose, chez Débat, celle de Boltanski, qui joue «de sa propre autobiographie sans que cette dernière puisse s'appréhender totalement réelle ou exclusivement fictive». Dans la répétition de ses effigies, l'artiste affirme-t-il son ego, ou au contraire, tend-il à disparaître, «joué par son personnage»? Les visages grimés de Cindy Sherman, les moulages de Gilles Barbier, les marionnettes de Rebufa, les images découpées de Garcin, constituent autant une neutralisation du particulier, voire une négation de l'identité qu'une posture narcissique. Car en prêtant un visage identique à des types, voire à des caricatures de personnalités ou de personnages de tableau, l'artiste apparaît également comme un simple «support».(...)

Cet essai interroge un aspect décisif de l'art des années 1960 et 1970, qui a acquis valeur de paradigme. De manière circonstanciée, Natacha Pugnet y analyse les visées et les incidences d'une désubjectivation paradoxale en ce qu'elle semble a priori contraire au processus créateur. Autant que les propos des artistes, leurs productions elles-mêmes témoignent pourtant de la recherche d'une impersonnalité stylistique ; elles procèdent d'un faire anonyme, marquent l'appropriation d'un déjà-là, se montrent indifférentes au chromatisme, multiplient les procédures répétitives, etc. Pour être souvent décriée, la thèse de la " mort de l'auteur " - que défendirent Barthes et Foucault - n'en montre pas moins un point de convergence essentiel avec la critique radicale, depuis l'intérieur, de toute position souveraine de l'artiste. Et si diverses pratiques actuelles héritent manifestement de cette attitude, c'est que l'effacement est désormais intériorisé. Il aura permis de repenser la figure de l'artiste, telle qu'elle se redessine à un moment charnière de l'histoire de l'art, entre la fin des avant-gardes et ce qu'on nomme la postmodernité.