Dès ses premiers courts métrages, une continuité thématique sensible caractérise les débuts de Martin Scorsese: on voit se profiler très vite le personnage de l'individu solitaire dans la ville et l'ombre du cow-boy désarmé face au malaise contemporain. Puis il rencontre Roger Corman et fait son entrée dans le monde de l'industrie cinématographique grâce à des films comme Mean Streets, Alice n'est plus ici et Taxi Driver. L'oeuvre de Scorsese est destinée à marquer le cinéma de l'avenir, de sa fureur libertaire et de son style avant-gardiste. Les années soixante-dix se déroulent à l'enseigne du rescapé de la guerre du Viêt-Nam de Taxi Driver, mais les anti-héros de Scorsese envahissent aussi les années quatre-vingt et quatre-vingt-dix et réactualisent la parabole d'un personnage solitaire et aliéné qui a besoin de se sentir un dieu sur terre, puisque « son royaume n'est pas de ce monde ». Grâce à l'analyse de tous les films du réalisateur de Long Island, et à des révélations exclusives sur le tournage en cours de Gangs of New York, ce livre constitue le parcours le plus complet de l'oeuvre d'un cinéaste qui, depuis presque trente ans, imprime sa modernité dans le méandres du doute et du conflit existentiel. Essayiste et critique cinématographique, Roberto Lasagna (Alexandrie, 1967) collabore aux revues « Panoramiche » et « Duel » ainsi qu'à « Cinema Nuovo » et « Visionario ». Il a publié, avec Saverio Zumbo, une monographie sur Stanley Kubrick et également été directeur de publication d'un volume sur Wim Wenders. Ses essais sur le cinéma et sur des réalisateurs comme Spielberg, Salvatores, Bellocchio, Leone et Hitchcock sont parus dans des recueils collectifs.
Nombre de pages
143
Date de parution
01/08/2001
Poids
586g
Largeur
194mm
Plus d'informations
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EAN
9788873014522
Titre
Martin Scorsese
Auteur
Lasagna Roberto
Editeur
GREMESE
Largeur
194
Poids
586
Date de parution
20010801
Nombre de pages
143,00 €
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On a souvent dit, à juste titre, que l'histoire du cinéma de science-fiction se divise en deux parties : l'avant et l'après 2001 : L'Odyssée de l'espace. Aujourd'hui, l'année 2001 est un futur désormais passé depuis longtemps et l'histoire ne s'en souviendra pas pour une entreprise spatiale, mais pour une attaque aérienne dans le ciel de New York. Même 1968, année de "révolution" sur la planète Terre, a à présent cinquante ans et presque aucune de ses utopies ne s'est réalisée. Mais l'Homme attend encore et attendra toujours, un pas de valse au milieu des étoiles, un message des espaces infinis, un univers meilleur, un foetus cosmique dans lequel renaître ; et 2001 : L'Odyssée de l'espace reste le chef-d'oeuvre de Kubrick et le meilleur film de science-fiction jamais réalisé, infiniment plus riche, infiniment plus mystérieux et infiniment plus moderne que les films de science-fiction modernes.
Dans son quatrième long métrage et demi, après six ans de silence, Quentin Tarantino dirige à sa façon, c'est-à-dire en rendant hommage à des dizaines et des dizaines de films d'autres réalisateurs qu'il cite, surtout de série B et surtout italiens et orientaux, une classique histoire de vengeance : presque un western, mais au féminin. Uma Thurman, qu'il a lui-même lancée dans Pulp Fiction, héroïne hautement spécialisée en arts martiaux, domine le film, entourée de rivales très belles et très méchantes (Vivica A. Fox, Lucy Liu, Daryl Hannah) ; David Carradine est l'homme qu'elle poursuit, pas vraiment pour des raisons sentimentales. Le sang coule à flots, mais ce que tous, les bons comme les méchants, essaient d'éviter, ce sont les armes à feu, inélégantes et peu sportives. Post-moderne, dangereux, violent, étouffant, mais très prenant, Kill Bill est un film double, dans tous les sens du terme, sur la prolifération de doubles, de simulacres, de rites de réappropriation, une oeuvre d'auteur déguisée en film de genre ; une bande dessinée que, peu à peu, on prend au sérieux, ou presque. Une chose est sûre, c'est désormais un film culte, et l'un des rares films de Tarantino que même les non tarantiniens apprécient. Ce livre cherche passionnément à le raconter, à le montrer (grâce aussi à une riche iconographie), à le commenter, à l'expliquer.
Lars von Trier, le plus célèbre réalisateur danois contemporain, auteur de films audacieux comme Breaking the Waves ou le récent Dogville (avec Nicole Kidman), a, dès ses débuts, été considéré comme un des cinéastes les plus controversés de la scène internationale. Son nom est associé au mouvement culturel et esthétique appelé Dogma 95. Ce manifeste lui a permis, avec une poignée d'autres réalisateurs rebelles, de bousculer les formes cinématographiques traditionnelles, en les libérant des règles académiques et des lois du marché. Son style, toujours très personnel, est passé des emportements baroques d'Europa à la frénésie zigzagante des Idiots et de Dancer in the Dark. Personnage mystérieux, fuyant, différent de tous ses confrères, ce metteur en scène unique a la réputation d'être un provocateur, mais un provocateur capable de donner à ses plus belles réussites la saveur du désenchantement et la poésie de l'intransigeance. Ce livre analyse l'ensemble de la carrière de Lars von Trier, de ses débuts à son dernier film, et met en évidence l'influence que son art a exercé, et ne manquera pas d'exercer encore, sur le travail d'autres réalisateurs
Bruno Marcello Walter ; Lasagna Roberto ; Guzzi Si
De Fear and Desire à Eyes Wide Shut, ce livre parcourt la carrière et surtout la filmographie de celui qui fut considéré, à juste titre, comme " le réalisateur par excellence ", Stanley Kubrick. Cet ouvrage analyse de manière approfondie ses treize longs-métrages, aussi parfaits techniquement que provocateurs, et est illustré par des photographies des films et des tournages. Riche en références croisées, en observations techniques, en détails sur les coulisses et en photographies, cet ouvrage peut être considéré comme " l'uvre ultime " dédiée au génie de Kubrick et à son cinéma.
Notre couple n'est superficiel qu'en superficie ". C'est ainsi que Madame de...s'entend définir sa vie conjugale par son mari. Mais le destin jette ses dés dans ce pacte fait d'hypocrisie et de concessions morales en y projetant un fauteur de trouble, l'amant, qui fait du film un triangle, base classique de la dramaturgie occidentale. De cette situation et à partir d'un roman à succès, Ophuls crée une uvre qui suscita un malentendu où la rigueur d'une architecture classique qui se réclame de la tragédie racinienne est masquée par une ornementation foisonnante qui relève du plus authentique rococo viennois. C'est ce même éparpillement de la forme qui perdit Ophuls dans Lola Montes, son chef d'uvre suivant, le dernier. Ici, le public se contenta pour son plaisir de stars populaires tournoyant dans le luxe et l'élégance. La critique, elle, fit la grimace. Peu à peu, les décennies passant, Madame de... réapparut dans sa pureté toute janséniste où le personnage de Danielle Darrieux, émergeant des faux-semblants et des miroitements mondains fait l'expérience progressive du renoncement et d'une mort à soi-même toute pascalienne.
Considéré comme un "rebelle" et un outsider, ce n'est pas sans mal que Johnny Depp a réussi à se libérer du cliché du "beau et damné" pour s'imposer sur la scène internationale comme un acteur de talent. En dépit de la réputation de sex-symbol que les médias lui ont taillée, il a préféré se mesurer à des personnages complexes et tourmentés et travailler avec des réalisateurs sachant exprimer la souffrance, la solitude et la diversité. Loin d'être, comme beaucoup d'artistes, obsédé par son image, il n'hésite pas à se transformer physiquement. Le visage balafré du protagoniste d'Edward aux mains d'argent, la calvitie de Raoul Duke dans Las Vegas Parano, le Wonka plastifié de Charlie et la chocolaterie et le ricanement effrayant de Sweeney Todd sont un exemple des rôles "extrêmes" pour lesquels l'acteur a modifié sa physionomie afin de coller au rôle. Sous la direction de grands réalisateurs, de Jim Jarmusch à Terry Gilliam, en passant par Emir Kusturica, Michael Mann et, naturellement, Tim Burton (sept films tournés ensemble), Johnny Depp n'a jamais cessé, comme il l'a déclaré lui-même, de "se mettre à l'épreuve". Après une longue série de films dictés par des "coups de coeur", Depp a atteint le succès planétaire à 40 ans avec la saga milliardaire des Pirates des Caraïbes - amplement étudiée ici -, plaçant sous les feux des projecteurs un genre qui, après l'ère de Douglas Fairbanks, semblait destiné à l'oubli et à un flop certain au box-office. Son Jack Sparrow est en revanche entré dans le mythe, avec son air de flibustier chancelant, funambule sur le fil de l'aventure et du comique, incarnation parfaite du corsaire postmoderne. A cet artiste original, qui reste, malgré tout, un outsider, Eleonora Saracino consacre un approfondissement critique, richement illustré, retraçant l'une des carrières les plus éclectiques d'Hollywood.
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