Enquête sur Les Ménines. Velázquez et le regard du roi

Résumé : Manger ou boire des images... quelle drôle d'idée ! Et pourtant, depuis l'Antiquité, on n'a cessé de se repaître de fresques, d'icônes, de sculptures, de gravures, d'hosties estampées, de gaufres héraldiques, de représentations en massepain ou de mets sculptés... Spécifiquement produits pour être consommés ou détournés de leur destination première pour être ingérés, ces artefacts figuratifs ont non seulement pu être regardés, mais encore incorporés sous forme solide ou liquide. Mais comment expliquer pareille attitude à leur égard ? Pourquoi prendre en soi une image, au risque de la détruire, plutôt que de la contempler à distance, sagement ? Quels imaginaires traversent ces désirs d'incorporations ? Quelles sont les configurations visuelles offertes à la bouche et quels en sont les effets ? Quelles fonctions thérapeutiques, religieuses, symboliques ou sociales peut-on attribuer à cette forme de relation iconique ? Voilà quelques-unes des questions à partir desquelles cette enquête sur l'iconophagie se déploie.

Résumé : Cet ouvrage constitue la première étude entièrement consacrée aux décors du palais ducal de Mantoue au XVIe siècle. Ces ensembles peints et sculptés, réalisés par des artistes aussi importants que Giulio Romano, Titien ou Tintoret, n'avaient jamais été abordés de manière aussi fine et approfondie. Adoptant plusieurs focales relatives au lieu (le palais comme résidence princière et centre politique), aux acteurs (le commanditaire, le conseiller, l'artiste et le spectateur), aux pratiques (le travail collaboratif ou le contrôle exercé sur les projets par les hommes de cour) et aux idées (politiques, poétiques et artistiques), l'auteur révèle les enjeux qui ont présidé à l'élaboration de ces décors, tout en analysant avec précision la variété des solutions ornementales et figuratives inventées par les artistes pour représenter, directement ou symboliquement, le prince. L'originalité de cette étude tient à la multiplication des points de vue offerts. En conjuguant les approches (historique, politique, sémiologique, narratologique et herméneutique), l'auteur parvient non seulement à éclairer le lecteur sur la complexité des chantiers décoratifs voulus par les deux grands bâtisseurs de la dynastie des Gonzague que sont Frédéric II (1519-1540) et Guglielmo (1556-1587), mais également à renouveler, au-delà du cas mantouan, la connaissance des grands décors de la Renaissance. Par son parti pris méthodologique et théorique, l'ouvrage participe au renouveau de la pratique de l'histoire de l'art en France.

Ce livre s'offre comme un guide pour tous ceux qui voudraient saisir les enjeux théologiques et les ressorts poétiques de la peinture religieuse de la Renaissance italienne, qui échappe à l'immédiate compréhension de notre oeil moderne. Si cet ouvrage peut tenir ce rôle, c'est qu'il est animé par la volonté de transmettre la connaissance d'une Renaissance différente de celle que nous a léguée la tradition classique ou idéaliste : une Renaissance chrétienne encore largement traversée par les questions théologiques touchant aux mystères de l'Incarnation, de la Résurrection ou du Salut. Les neuf enquêtes réunies ici portent donc sur l'art religieux et forment un ensemble d'une remarquable cohérence par leurs correspondances thématiques. Les oeuvres des artistes sur lesquelles porte le regard curieux de Cyril Gerbron sont par ailleurs appréhendées au niveau de leur apparence. En ce sens, ce livre est pleinement un livre d'histoire de l'art ; c'est-à-dire qu'il s'efforce de saisir la genèse, les caractéristiques plastiques et les effets des inventions formelles. L'ouvrage est précédé d'un avant-propos de Jérémie Koering permettant de situer l'ensemble des essais dans l'oeuvre de cet historien de l'art trop tôt disparu et, plus généralement, dans le champ de l'histoire de l'art actuelle.

Etrange, extravagant, excentrique, bizarre, capricieux... Les adjectifs ne manquent pas pour décrire les oeuvres et les artistes les plus singuliers de la Renaissance. Hais que recouvrent précisément ces qualificatifs? Quel sens leur prêter? Renvoient-ils à un jugement passé ou moderne? Les historiens de l'art s'accordent-ils d'ailleurs sur leur portée et leurs implications théoriques? Face à l'instabilité de ces notions aux XVe et XVIe siècles et, plus généralement. au relativisme de tout jugement critique - un jugement énoncé à la Renaissance ou au XXIe siècle ne recouvrira pas nécessairement la même réalité, puisque l'anormal, l'étrange et le bizarre se définissent en fonction de normes changeantes -, il nous a semblé nécessaire de placer ces questions au centre du présent ouvrage. Une double perspective historique et historiographique a ainsi guidé cette archéologie de l'"étrangeté" dans l'art de la Renaissance: d'une part, interroger l'émergence d'une véritable poétique de l'étrangeté, liée à une valorisation du merveilleux, de la surprise, et à l'affirmation par les artistes de leur singularité esthétique; d'autre part. considérer l'évolution des discours critiques qui, de la Renaissance au XXIe siècle, ont fait un usage stratégique bien distinct de cette notion et dessiné par conséquent deux images différentes de la Renaissance, la première, homogène et réglée. la seconde hétérogène et singulière.