Sous l'empire des crinolines. Musée Galliera, 29 novembre 2008-26 avril 2009

Le principe des mots est de choisir au sein des collections permanentes des musées de la Ville de Paris une soixantaine d'?uvres d'art. Les reproductions privilégient les détails révélateurs ; en regard de l'illustration, soixante définitions créent un jeu de correspondances. Chaque texte offre ainsi la possibilité d'entrer plus avant dans l'intimité des ?uvres - ?uvres qui sont " de la mémoire, de la pensée et de l'émotion solidifiées ". Inconstante mais fidèle, éphémère mais perpétuelle, la mode déploie sous nos yeux le tissu infini et changeant de l'Histoire. Dépouilles ou documents, les vêtements et le cortège indispensable des accessoires sont toujours les témoins d'un noble savoir-faire, mais aussi d'un art de vivre : pour tous ceux qui cultivent la distinction et s'efforcent de tenir élégamment leur rôle sur le théâtre du monde, sans doute sont-ils une seconde peau... Reliques de mondes disparus, ces fragiles et brillants morceaux de civilisation ont trouvé refuge dans les murs du palais Galliera, musée de la Mode de la Ville de Paris. Avec une érudition pleine de saveur, Catherine Join-Diéterle, directeur du musée, a réuni soixante pièces en un petit lexique poétique - ravissant kaléidoscope d'images et de mots pour rappeler au lecteur l'histoire des objets de mode, l'initier à ce jeu subtil des influences, des reniements et des réminiscences qui fonde l'art de la " beauté qui passe ". Amadis ou amazone, canezou de fine batiste ou de mousseline, soie crissante du fourreau, gourdin réactionnaire et révolution légère du " look ", point final de la mouche, Salomé que l'on chausse à l'heure du charleston, culotte à la zouave...

Premier ouvrage à étudier les relations qu'ont entretenues au cours de l'histoire les modes de scène et les modes de ville, De la scène à la ville démontre l'influence prépondérante exercée dans ce domaine par le théâtre, lui-même parfois conquis par la mode présente en ville. De Louis XVI aux Ballets russes, quelles relations ont entretenu les modes de scène et celles de ville ? Premier ouvrage à traiter ce sujet, cette analyse démontre l'influence prépondérante exercée par le théâtre, même si, de temps à autre, la mode de ville a conquis la scène. La migration des costumes de scène et de leurs motifs fut rarement directe, aussi chaque période a-t-elle imaginé des intermédiaires qui permettaient de tester les nouveautés. Le premier fut l'image : au XVIIIe siècle, ce fut le portrait, au XIXe siècle les gravures. Second intermédiaire, le bal costumé, à son apogée sous la Restauration ? pensons au Quadrille de Marie Stuart organisé par la duchesse de Berry. Ces bals offraient l'occasion d'expérimenter, par exemple, manches transparentes ou en gigot. Au cours de la seconde moitié du xixe siècle, la starisation de Sarah Bernhardt conduisit les femmes à adopter les modes que celle-ci avait lancées. Et à la fin du XIXe siècle, la photographie conjointement avec la presse tint ce rôle de médiateur : les photographes mettaient en scène actrices et dames de la haute société, au bénéfice de la haute couture. Puis peu avant la Grande Guerre, ce fut un couturier, Paul Poiret, qui grâce aux fêtes et aux bals persans développa cette fonction d'intermédiaire entre les Ballets russes et la haute couture, contribuant à modifier la mode. Il fut suivi par une nouvelle révolution : on osa afficher sur scène des tenues sportives d'abord prônées par Nijinski dans Jeux puis par Chanel dans Le Train bleu. Au cours des années 1930, le développement du cinéma hollywoodien devint rapidement un concurrent sérieux pour les modes de théâtre : les stars américaines devinrent les modèles à suivre, mais c'est un autre sujet...

Il faut bien le dire, ce catalogue est un événement! C'est en effet une collection de peinture inédite qui se dévoile ici pour la première fois dans son ensemble.Comprenant un peu plus de cinq cents oeuvres, sa plus grande part était depuis longtemps confinée en réserve, et seuls quelques rares tableaux avaient été publiés.Ouvrage de savoir et de délectation, ce catalogue redonne au musée de Fécamp sa place parmi les musées français, et remet au jour des uvres importantes jusqu'alors inconnues: il n'est pas si fréquent en effet, que les collections publiques françaises s'enrichissent d uvres de la qualité d un Saint-Igny, d'un Ansiaux, d'un Frère Luc ou d'un Cochereau.

Apocalypse(s)! Depuis ses débuts, le cinéma n'a cessé deprojeter des images de fin du monde, de cristalliser sur grandécran les craintes suscitées aussi bien par le devenir collectifde l'humanité que par le sens de l'existence individuelle. Qu'ils'agisse d'une destruction planétaire filmée à grand renfortd'effets spéciaux ou d'un effondrement plus silencieux, lesfilms apocalyptiques ne manquent pas de soulever lesquestions des fins dernières: Quel monde espérer après lechaos? Qu'en est-il de la révélation ultime? Au cinéma, cesinterrogations prennent les formes les plus diverses,alimentant une création foisonnante où les allusions au textebiblique côtoient les références à des périls réels ou fantasmés.Pour se pencher sur cet imaginaire apocalyptique, sont iciconviés des chercheurs de différentes provenances(spécialistes de l'expression artistique et théologiens), offrantune approche plurielle et critique, à la mesure de la richesse etdes enjeux de ce type de cinéma. Tandis que la première partieaborde, en une série de plans d'ensemble, les traits dominantsdu genre, notamment à travers le prisme du film-catastrophe,la seconde partie se resserre sur une suite d'études consacréesà la dimension apocalyptique présente dans l'oeuvre deréalisateurs marquants (Tarkovski, Herzog, Kieslowski, etc.)et de créateurs en art vidéo (Viola, Theys).