Le prix de la critique d'art Aica France 2019

À bout touchant de Nicolas Daubanes présente les travaux significatifs de l'artiste depuis 2010 ainsi que ses expositions les plus importantes réalisées depuis 2017 et cherche, avant tout, à donner à voir sa façon de travailler. Nicolas Daubanes élabore un langage personnel qui se traduit par l'utilisation de certains matériaux et gestes tels que la poudre de fer (aimantée ou incrustée dans du verre ou de la porcelaine), le béton chargé de sucre, la représentation d'un toit de prison en temps de mutinerie, l'utilisation de la céramique dentaire, celle du scotch retenant du verre brisé, ou encore la fabrication d'alcool en prison, etc. Autant de gestes et de matières qui semblent éloignés les uns des autres mais qui tendent tous vers le même propos : le dégagement de la contrainte, la recherche d'un espace de liberté. Cette monographie, richement illustrée de vues d'exposition et d'?uvres, réunit les textes de Florian Gaité, docteur en philosophie et critique d'art, Valentine Umansky, conservatrice à la Tate Modern, Marion Fontaine, historienne et autrice, Aurélie Dessert, directrice du Mémorial national de la prison de Montluc, Hélia Paukner, conservatrice au Mucem et un entretien de Nicolas Daubanes mené par Paul de Sorbier, directeur du centre d'art Maison Salvan et Céline Ghisleri, directrice de l'association Voyons Voir.

A l'âge du capitalisme tardif qui opère un nivellement industriel du culturel et de l'artistique, comment imaginer d'autres devenirs de l'art à l'horizon d'un monde décolonisé et décroissant et repenser de façon critique le contemporain ? Comment penser aujourd'hui l'écosystème de l'art et les menaces qui pèsent sur son autonomie ? Les artistes, militant·es, professionnel·les et chercheur·es ici réuni·es dessinent la trajectoire des mutations - écologiques, économiques, institutionnelles et sociales - nées de l'industrialisation du culturel et de l'artistique. Partant d'une approche philosophique qui s'élargit à la théorie critique et aux études culturelles, cet ouvrage engage une épistémologie du contemporain à même de déconstruire la forme hégémonique du monde de l'art et d'en proposer une autre cartographie. Il interroge les devenirs possibles de l'art en lien avec les aspirations à un monde décolonisé et décroissant, pluriel, inclusif, décentré et égalitaire. Il constitue un panorama solide à l'attention de celles et ceux qui veulent comprendre ces transformations en cours. Aline Caillet est professeure des universités en esthétique et philosophie de l'art à l'Ecole des Arts de la Sorbonne (Université Paris 1). Florian Gaité est professeur de philosophie à l'Ecole supérieure d'art d'Aix-en-Provence (ESAAix) et critique d'art. Tous deux sont chercheur·es rattaché·es à l'Institut ACTE (Arts Créations Théories Esthétiques, EA 7539, Paris 1 Panthéon-Sorbonne).

Jérémie Setton est diplômé de l'Ecole Supérieure d'Art d'Avignon. Après avoir travaillé comme restaurateur d??uvres peintes - en atelier privé, au Centre Interdisciplinaire de Conservation et de Restauration du Patrimoine ou encore à Louxor en Egypte - il décide de se consacrer entièrement à son travail artistique en 2006. Fort de cette expérience et de ses connaissances fines sur les matériaux de la peinture et son histoire, ses recherches se tournent alors vers un travail pictural hybride, fait d'installations, de vidéos, de volumes peints et de lumière principalement. Son intérêt pour la relativité de la couleur le pousse vers une réflexion sur la peinture, ses grammaires et, plus largement, sur la perception de l'espace. Ces recherches formelles sont rapidement enrichies de travaux graphiques sur les archives et l'émergence ou la disparition des Images. Lauréat du prix Résidence de l'exposition Jeune Création au Cenquatre à Paris, il part en 2014 en résidence à la Fondation Josef et Anni Albers aux Etats-Unis. Deux ans plus tard, il réside plusieurs mois à Essen en Allemagne où une importante exposition personnelle « Ubiquités contrariées » lui est consacrée au NEUE ARBEIT en partenariat avec le musée Folkwang. Ses oeuvres font partie de différentes collections publiques - parmi lesquelles celle du FRAC SUD - et de nombreuses collections privées. Son travail a été présenté dans différentes galeries, centres d'art, musées et institutions en France et à l'étranger. En 2025 et 2026, trois expositions personnelles de l'artiste se tiendront, à Vienne à la Halle des bouchers, à Amiens en partenariat avec le Frac Picardie et à Marseille au Château de Servières en mai 2026. Jérémie Setton travaille avec différents médiums et matériaux. Ses ?uvres contiennent, entre autres, du papier, du bois, de l'encre, du fusain, de la peinture, de l'eau et du savon, du béton, des vidéoprojecteurs, des lumières, des lampes... L'artiste situe son art entre matérialité objective et apparition visuelle ; lui-même se décrit comme « un peintre qui réalise ses oeuvres dans l'espace avec de la couleur et de la lumière ». Il utilise par exemple des photographies de ses grands-parents et arrières grands-parents qui témoignent de leurs origines et de sa propre histoire - une histoire familiale du XXe siècle qui s'étend sur plus de trois générations ; une histoire de migration entre l'Égypte, la Syrie, la Roumanie, la Bulgarie et la France. Pour l'artiste, la nature nomade de la photographie s'apparente, de manière très personnelle, à la mobilité (forcée) des réfugiés et des migrants. Dans son ?uvre, Jérémie Setton élargit donc la question « Qu'est-ce qu'une image ? [?] » à la question de savoir où se trouve l'image en question - en tant qu'objet matériel dans l'espace - et où elle s'est temporellement produite - en tant que réalité ou que souvenir. Le travail artistique de Jérémie Setton vise à créer un espace commun pour le spectateur et l??uvre, espace dans lequel le premier peut se rendre compte combien sa perception de cette dernière dépend de la distance qui les sépare. Son art peut être perçu comme une incitation à dépasser les classifications et les frontières (pictural/sculptural, réel/imaginaire, matériel/conceptuel, etc.). Cette monographie comprend des textes de Florian Gaité, Anne Bernou et un entretien de l'artiste avec Anne Favier.

« Le temps fascine les hommes depuis l´éternité. S´il constitue une réalité intime et familière puisque nous l´éprouvons dans notre chair, il est une source d´angoisse car il nous confronte à notre propre finitude et nous échappe par son invisibilité. Saint Augustin a parfaitement formulé ce caractère paradoxal et insaisissable du temps dans sa célèbre citation : « Qu´est-ce donc que le temps ? Si personne ne me pose la question, je sais . si quelqu´un pose la question et que je veuille expliquer, je ne sais plus. » L´exposition se propose d´explorer le caractère énigmatique du temps en réunissant douze artistes dont les approches expérimentales et poétiques l´envisagent dans ses nombreuses variations et sa complexité : temps mesuré, temps suspendu, temps inversé, temps cosmique, temps historique... A l´ère du temps accéléré, l´exposition invite le visiteur à ralentir pour privilégier le temps de l´observation, de la réflexion et de la rêverie. » Domitille d´Orgeval