L'écriture musicale de Bernard de Vienne

Cet essai s'attache à cerner le sens, les enjeux et la portée de l'oeuvre de György Ligeti (1923-2006), à travers le concept de répétition, envisagé sous ses diverses acceptations. À la fois ouverte sur un large champ de savoir et se situant au croisement des problématiques soulevées par "l'art du temps", la notion de répétition oriente la réflexion musicologique à travers les multiples dimensions de l'écriture musicale. Elle est l'une des catégories que Ligeti a le plus travaillée, lui conférant ainsi des perspectives qui dynamisent l'espace-temps et renouvellent constamment le présent palpitant de ses compositions. Trois angles d'approches - "le sens de l'héritage" "la répétition comme matériau", "de l'envers des choses au travail du négatif" -permettent d'envisager la production de l'un des plus grands créateurs de la seconde moitié du XXe siècle sous des éclairages variés, en opérant une sorte de coupe transversale de son oeuvre. L'analyse musicale et la réflexion esthétique sont ici envisagées comme deux domaines dont la complémentarité contribue à nourrir une musicologie critique. Biographie de l'auteur Pianiste accompagnateur, professeur agrégé d'éducation musicale, docteur en esthétique, science et technologie des arts (spécialité musique) Joseph Delaplace enseigne à l'université Renne 2 depuis 1996. Il est membre de l'équipe "Esthétique, musicologie et créations musicales" (Paris 8), et associé au laboratoire "Musique et image, analyse et création" (Renne 2). Directeur artistique de la saison musicale de l'université Rennes 2, ses recherches portent essentiellement sur les oeuvres du XXe siècle

Telle que nous nous proposons de l'aborder dans cet ouvrage, la répétition est une catégorie ouverte aux dimensions multiples du temps, ainsi qu'à l'altérité. En cela, elle est en prise avec le processus créateur; les constellations de sens qu'elle active et traverse sont propres à nourrir une réflexion approfondie sur celui-ci. Corrélativement, la répétition travaille le sujet humain. Elle est " unique à être nécessaire ", et échappe à l'emprise du signifiant, ouvrant sur la dimension du non symbolisable, de l'indicible, ce que Lacan nomme le Réel. Création et répétition se rencontrent également à cet horizon. C'est dans cette double perspective que nous avons souhaité tresser l'art et la psychanalyse au sein de ce recueil. Si nous nous proposons ici d'entrer de plein pied dans le théâtre de la répétition, ça n'est ni dans le but de plaquer artificiellement des catégories issues de la psychanalyse sur l'art, ni dans l'optique d'orienter nos propos vers une forme de psychobiographie des créateurs ou encore d'une psychanalyse de la création. Nous souhaitons penser le champ de l'art et celui de la psychanalyse comme susceptibles de s'enrichir mutuellement à travers des rencontres, avec tout ce que cela comporte en terme de diversité, d'ouverture et d'imprévu, dans un esprit non seulement pluridisciplinaire, mais véritablement transdisciplinaire; ainsi nous tentons d'aller au-delà d'une juxtaposition entre thématiques et disciplines, et aspirons à en traverser les univers en nous appuyant sur la notion de répétition.

Dans les deux volumes de L'oeuvre de L'art parus en 1994 et 1997, Gérard Genette jetait les principes d'une esthétique extrêmement précise et argumentée. Cette esthétique surprit d'autant plus qu'elle venait d'un grand théoricien français de la littérature (du roman, de la rhétorique, de la poétique, des genres, etc.) qui passait à la philosophie grâce à la lecture de l'esthétique analytique, et qui était attentif à la diversité du mode d'existence des oeuvres dans l'histoire comme dans l'époque contemporaine. Cet ouvrage collectif est ainsi la première tentative de discussion des thèses, des arguments et des enjeux de la pensée esthétique de Gérard Genette. En croisant les regards des philosophes et des esthéticiens (analytiques et " continentaux ") avec ceux des théoriciens des différents arts (littérature, musique, cinéma, arts visuels), en replaçant cette esthétique dans l'ensemble du travail critique et théorique de Gérard Genette, il s'attache à comprendre et à évaluer l'importance d'un projet philosophique original du point de vue de la généralité de la théorie mais aussi du point de vue de la singularité des arts et des oeuvres. Le livre est complété par un DVD contenant l'enregistrement d'un entretien de 50 minutes avec Gérard Genette intitulé De Figures à Codicille. Il permet de comprendre le point de vue de Gérard Genette lui-même sur la nature et les conditions d'un parcours et d'un travail de près d'un demi-siècle.

Si la musique naît du corps, l'écriture, en son processus de rationalisation, a contribué à élaborer les manifestations de ce corps jusqu'à un raffinement extrême au point qu'il faut souvent en déplier les multiples médiations, puis en décrypter les éléments épars, pour en recomposer la présence. De l'abstraction la plus rigoureuse de certains processus compositionnels, qui confinent à la maîtrise de toute dimension corporelle, jusqu'à la surexposition du geste dans l'écriture même de pièces qui brouillent la frontière entre musique et théâtre, s'ouvre un champ d'investigation aussi vaste que perturbateur. La première partie de ce volume - Corps, tradition, modernité - pose quelques importants jalons historiques. La deuxième partie - Geste, dramaturgie, théâtre musical - aborde des cas particuliers dans lesquels le corps producteur de sons (et de silences) est appréhendé avant tout selon sa dimension théâtrale, bien qu'il soit évidemment difficile de séparer, a fortiori dans ces oeuvres, la musique de la dramaturgie. La troisième et dernière partie - Modèles d'inscription du corps dans la composition contemporaine - présente des écritures musicales dont le trait commun, au-delà des différences de styles et de tons, est la place centrale que le corps occupe dans le travail des compositeurs.