La pensée esthétique de Gérard Genette. Avec 1 CD audio

Tirer les enseignements de notre héritage, non seulement celui des musiques modales et tonales, mais aussi celui du XXe siècle dans ses dimensions multiples, en actualiser et en exploiter les possibilités, se donner les moyens techniques et esthétiques d'assumer des positions souvent instables : telles sont quelques-unes des conditions propres à innerver l'inventivité en ce début du XXIe siècle. C'est l'occasion d'interroger à plusieurs voix l'écriture de Bernard de Vienne.

Cet essai s'attache à cerner le sens, les enjeux et la portée de l'oeuvre de György Ligeti (1923-2006), à travers le concept de répétition, envisagé sous ses diverses acceptations. À la fois ouverte sur un large champ de savoir et se situant au croisement des problématiques soulevées par "l'art du temps", la notion de répétition oriente la réflexion musicologique à travers les multiples dimensions de l'écriture musicale. Elle est l'une des catégories que Ligeti a le plus travaillée, lui conférant ainsi des perspectives qui dynamisent l'espace-temps et renouvellent constamment le présent palpitant de ses compositions. Trois angles d'approches - "le sens de l'héritage" "la répétition comme matériau", "de l'envers des choses au travail du négatif" -permettent d'envisager la production de l'un des plus grands créateurs de la seconde moitié du XXe siècle sous des éclairages variés, en opérant une sorte de coupe transversale de son oeuvre. L'analyse musicale et la réflexion esthétique sont ici envisagées comme deux domaines dont la complémentarité contribue à nourrir une musicologie critique. Biographie de l'auteur Pianiste accompagnateur, professeur agrégé d'éducation musicale, docteur en esthétique, science et technologie des arts (spécialité musique) Joseph Delaplace enseigne à l'université Renne 2 depuis 1996. Il est membre de l'équipe "Esthétique, musicologie et créations musicales" (Paris 8), et associé au laboratoire "Musique et image, analyse et création" (Renne 2). Directeur artistique de la saison musicale de l'université Rennes 2, ses recherches portent essentiellement sur les oeuvres du XXe siècle

Telle que nous nous proposons de l'aborder dans cet ouvrage, la répétition est une catégorie ouverte aux dimensions multiples du temps, ainsi qu'à l'altérité. En cela, elle est en prise avec le processus créateur; les constellations de sens qu'elle active et traverse sont propres à nourrir une réflexion approfondie sur celui-ci. Corrélativement, la répétition travaille le sujet humain. Elle est " unique à être nécessaire ", et échappe à l'emprise du signifiant, ouvrant sur la dimension du non symbolisable, de l'indicible, ce que Lacan nomme le Réel. Création et répétition se rencontrent également à cet horizon. C'est dans cette double perspective que nous avons souhaité tresser l'art et la psychanalyse au sein de ce recueil. Si nous nous proposons ici d'entrer de plein pied dans le théâtre de la répétition, ça n'est ni dans le but de plaquer artificiellement des catégories issues de la psychanalyse sur l'art, ni dans l'optique d'orienter nos propos vers une forme de psychobiographie des créateurs ou encore d'une psychanalyse de la création. Nous souhaitons penser le champ de l'art et celui de la psychanalyse comme susceptibles de s'enrichir mutuellement à travers des rencontres, avec tout ce que cela comporte en terme de diversité, d'ouverture et d'imprévu, dans un esprit non seulement pluridisciplinaire, mais véritablement transdisciplinaire; ainsi nous tentons d'aller au-delà d'une juxtaposition entre thématiques et disciplines, et aspirons à en traverser les univers en nous appuyant sur la notion de répétition.

Si la musique naît du corps, l'écriture, en son processus de rationalisation, a contribué à élaborer les manifestations de ce corps jusqu'à un raffinement extrême au point qu'il faut souvent en déplier les multiples médiations, puis en décrypter les éléments épars, pour en recomposer la présence. De l'abstraction la plus rigoureuse de certains processus compositionnels, qui confinent à la maîtrise de toute dimension corporelle, jusqu'à la surexposition du geste dans l'écriture même de pièces qui brouillent la frontière entre musique et théâtre, s'ouvre un champ d'investigation aussi vaste que perturbateur. La première partie de ce volume - Corps, tradition, modernité - pose quelques importants jalons historiques. La deuxième partie - Geste, dramaturgie, théâtre musical - aborde des cas particuliers dans lesquels le corps producteur de sons (et de silences) est appréhendé avant tout selon sa dimension théâtrale, bien qu'il soit évidemment difficile de séparer, a fortiori dans ces oeuvres, la musique de la dramaturgie. La troisième et dernière partie - Modèles d'inscription du corps dans la composition contemporaine - présente des écritures musicales dont le trait commun, au-delà des différences de styles et de tons, est la place centrale que le corps occupe dans le travail des compositeurs.