Pierre Skira. Pastels, Edition bilingue français-anglais

Accompagnant une exposition au BASTIAN, à Londres, cette étonnante publication présente les oeuvres de l'artiste américain d'origine allemande, Hans Hofmann (1880-1966), réalisées à la fin de la Seconde Guerre Mondiale et après. Les oeuvres abstraites et angulaires de Hofmann (tel que Fury No.1) personnifient les insécurités de l'époque. C'est aussi le moment où il évolua vers des formes floues et ambiguës qui devinrent la marque de fabrique du mouvement de l'Expressionnisme Abstrait. Renowned as both an artist and teacher, Hofmann established his first art school in Munich in 1915. Built on the contemporary ideas regarding colour and form of Cézanne, the Cubists and Kandinsky, his work laid the foundations for his reputation as a forward-thinking artist. After relocating to the United States in 1932, he then opened schools in both New York and Provincetown, immersing himself within America?s growing avantgarde art scene. His teaching had a significant influence on post-War American artists, including Helen Frankenthaler, Lee Krasner and Joan Mitchell ... artists who would later lead the Abstract Expressionism movement. The works presented here span from 1942 to 1946. Whilst demonstrating Hofmann?s development towards abstraction, the paintings still reveal an identifiably representational quality which nod to his figurative beginnings; linear paintings such as The Virgin (1946) particularly emphasise this artistic trajectory. Primarily known for his expressive use of bold, often primary colours, the palette used in these paintings consists predominantly of vivid, bright colours and contrasting dark tones, epitomizing the conflicted post-War feeling. Hofmann?s work during the 1940s also saw him garner the support of several key figures in the artistic scene, including the renowned gallerists and dealers Peggy Guggenheim, Betty Parsons, and Samuel M. Kootz. A particularly important moment in his career ? aged 64 at the time ? was his first solo exhibition in New York in 1944 at Peggy Guggenheim?s gallery Art of This Century, considered ?a breakthrough in painterly versus geometric abstraction that heralded abstract expressionism? by the influential art critic Clement Greenberg.

Les sculptures d'Anish Kapoor Cloud Gate, Mirror, Taratantara sont aussi mystérieuses que belles. Frôlant souvent le gigantesque, elles forment un ensemble à la fois varié et uni et bien qu'elles emploient une très grande variété de matériaux traditionnels et non-traditionnels, leur sujet réel est souvent immatériel et impalpable: un abîme, un reflet invisible, une colonne d'air. Kapoor est né à Bombay en 1954. Il vit et travaille à Londres et appartient à une génération de sculpteurs britanniques (Tony Cragg, Richard Deacon, Antony Gormley) qui ont rénové la sculpture en y injectant une nouvelle vitalité, voire même du jeu. Dès lors, il n'est pas étonnant qu il soit devenu l'un des artistes les plus aimés aujourd hui et le très vif succès qu'a rencontré sa dernière exposition à la Royal Academy of Arts à Londres, à l'automne dernier, en est la preuve. Figure majeure de la sculpture contemporaine, Kapoor a connu la reconnaissance internationale au début des années 1980 et a remporté le Turner Prize en 1991. L'oeuvre de Kapoor a fait l'objet de nombreuses expositions, notamment au Capc-Musée d'art contemporain de Bordeaux en 1998 et au MAC's Grand-Hornu (Belgique) en 2004. Depuis plusieurs années, Anish Kapoor présente des installations monumentales telles Marsyas pour le Turbine Hall de la Tate Modern de Londres (2002) et plus récemment, Svayambh pour le musée des beaux-arts de Nantes (2007). Cet ouvrage est la première monographie aussi complète et détaillée consacrée à Kapoor. David Anfam, historien de l'art, critique et conservateur, entremêle avec une grande maîtrise les différents thèmes abordés à travers le travail de l'artiste, notamment sa relation à l'espace et au corps humain. Donna De Salvo, conservatrice au Whitney Museum of Contemporary Art de New York, visite son atelier et discute avec l'artiste du processus de création et de la notion d'échelle. Johanna Burton, critique, historienne de l'art et professeur à Bard College, Annandale-on-Hudson, New York, examine, d'un point de vue linguistique, le travail de l'artiste.

Sur les pavés des rues et sur les écorces des arbres, j'ai découvert des univers entiers. Je suis très peu au fait de ce que l'on appelle généralement "abstrait". L'abstraction pure serait pour moi une peinture dans laquelle on ne trouverait aucune affinité avec la vie, une chose pour moi impossible. J'ai cherché un monde "un" dans mes peintures mais pour le réaliser j'ai utilisé comme une masse tourbillonnante. Je n'assume aucune position définie. Peut-être que ceci explique la remarque faite par quelqu'un qui regardait une de mes peintures : Où est le centre ? " Mark Tobey, 1955 "I have discovered many a universe on paving stones and tree barks. I know very little about what is generally called "abstract" painting. Pure abstraction would mean a type of painting completely unrelated to life, which is unacceptable to me. I have sought to make my painting "whole" but to attain this I have used a whirling mass. I take up no definite position. Maybe this explains someone's remark while looking at one of my paintings : Where is the center ? " Mark Tobey, 1955