Hollywood. Les connexions françaises

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Dans cette fine analyse, James Naremore propose des moyens et des outils pour, à l'ère de la reproduction mécanique et numérique, étudier le jeu de l'acteur de cinéma. Il montre les implications idéologiques derrière les différentes approches actorales et il suggère comment le comportement à l'écran est lié à la manière dont l'individu se comporte en société. Naremore montre aussi comment les techniques théâtrales traditionnelles ont été adaptées au cinéma grand public, qui rationalise souvent le jeu en valorisant l'" être plutôt que le " faire ". C'est là aussi que des personnalités sont perçues comme . naturelles, alors qu'elles abordent le personnage de façon stylisée. Après avoir analysé sept grandes stars classiques hollywoodiennes, chacune dans un film particulier, Naremore fait également une lecture attentive de différentes formes de théàtralité à partir de deux films, Fenêtre sur cour et La Valse des pantins, qui traitent de la représentation =. Ce qu'il dit de Lillian Gish, de Marlene Dietrich, de Jantes Cagney ou de Cary Grant intéressera autant le spécialiste que le commun des lecteurs. Mais en même temps, Naremore met en place des critères et des méthodes pour ceux qui, après lui. écriront sur les acteurs de cinéma et leur art. Publié en 1988 aux Etats-Unis, Acting in the cinema de James Naremore est vite devenu l'un des textes fondamentaux pour qui veut étudier le cinéma sous l'angle de l'acteur. C'est un livre incontournable dans la discipline relativement récente des études actorales et sa traduction était attendue depuis longtemps.

Résumé : Apparu sur les scènes de la Révolution française, le mélodrame, périodiquement donné pour mort, et régulièrement renaissant, n'a cessé d'infléchir la fiction populaire ou savante, depuis le XIXe siècle. Le tournant des années soixante-dix marque pourtant le point de départ d'une nouvelle relation au mélodrame : Fassbinder redécouvre Douglas Sirk et sa trilogie allemande instaure une relation directe à l'émotion, aux codes et aux enjeux du genre. A sa suite, Pedro Almodovar comme Todd Haynes, Inarritu, Gus van Sant, Amos Gitai ou Robert Guédiguian explorent les multiples voies du mélodrame. Au même moment, la critique savante, puis la philosophie s'emploient à réévaluer le mélodrame, à mettre au jour à la fois son esthétique et sa signification sociale et politique. Comment cerner et définir le mélodrame tel que l'aborde le cinéma contemporain ? Quels échos, quelles résonances du cinéma classique viennent animer les plans d'aujourd'hui, jusqu'à rendre perceptible, par-delà l'émotion directe, le feuilletage de la temporalité ? Que reste-t-il, surtout, dans le cinéma des trente dernières années, du projet esthétique et politique qui sous-tendait le théâtre de Pixérécourt, les romans d'Eugène Sue, puis les films de Griffith ? Conçu pour installer le peuple au coeur du drame, pour en faire à la fois le destinataire et le sujet d'une fiction aux ambitions éducative, le mélodrame n'a cessé, cependant, de poser la question du peuple, de sa définition, de sa permanence. Ce questionnement interroge plus que jamais le cinéma contemporain, de l'Inde au Pakistan, de la Turquie aux Etats-Unis, des Philippines à l'Europe ou au Japon. Si les réponses sont parfois indécises, toujours complexes, elles s'attachent aujourd'hui encore à réinventer la mission originelle du mélodrame : faire advenir le peuple, créer une communauté d'émotion et de désir dont le sens transcende la fugacité du moment, dépasse les clivages, ouvre la voie d'une possible émancipation.