Les Solennels

L'aventure du Surréalisme, l'une des plus fécondes et des plus opérantes du XX ?> siècle, a sans doute pour instigateur premier un météore, un jeune homme nommé Jacques Vaché qui fut pour André Breton comme la source étincelante de toutes les libertés nouvelles. C'est à son contact, ou dans la résonance des lettres littéralement ébouriffantes que Vaché écrivait depuis la ligne du front de la guerre 14, que Breton se mit mentalement, poétiquement, existentiellement en mouvement, comme si les réserves d'énergie noire que Vaché avait en lui et qu'il dilapidait, allaient devenir une sorte de trésor inépuisable. Comme le souligne André Breton aux dernières lignes du quatrième essai qu'il consacre à Vaché : il faut "promouvoir au plus haut rang, dans l'ordre de la salubrité et des soins d'urgence, les très rares concentrés de résistance absolue que sont les Lettres dites de guerre, de Jacques Vaché et Les jours et les nuits, journal d'un déserteur, d'Alfred Jarry qui gardent toute leur vigueur de contre- poison". C'est précisément cette "vigueur" qu'il importe de réinstiller dans le champ poétique contemporain en faisant place, dans une collection qui a publié et amplement diffusé les Surréalistes (de Breton à Aragon, de Soupault à Eluard) au plus secret d'entre eux, au plus dérangeant aussi. Car l'oeuvre de Vaché est surtout une oeuvre par défaut : un lâchez-tout qui s'en tient à un seul feu d'artifice tiré d'entre les plus sanglantes tranchées du siècle.

« Je suis assez mal portant, vis dans un trou perdu entre des chicots d'arbres calcinés et, périodiquement une sorte d'obus se traîne, parabolique, et tousse ? » Jacques Vaché écrit ainsi son existence au front, dans une lettre célèbre à André Breton. Il a alors et pour toujours 23 ans, la Première Guerre mondiale va finir et il devient une légende. Personnage remarquable par son aptitude à résister au désastre, Jacques Vaché instille dans ses lettres un ton désinvolte et subversif qui dévitalise les nerfs de la guerre et électrise les avant-gardes naissantes. La sélection présentée ici comporte plusieurs lettres inédites et permet, au-delà du destin tragique et de la légende, d'apercevoir un jeune homme travaillé par la condition humaine et trop souvent escamoté derrière l'appellation « Dandy des tranchées ». Édition dirigée et préfacée par Philippe Pigeard

Le portrait, qu'il soit officiel, dédié à des donateurs, individuel ou collectif, constitue un moyen de reconnaissance de la qualité artistique de son auteur. Il impose une représentation frontale ou, à défaut, de profil, afin de garantir l'identification nécessaire du modèle. Cependant, cette exigence soulève une question fondamentale : comment envisager la représentation d'une personne de dos, par essence anonyme ... Cette recherche autour de la représentation de dos révèle le courage des artistes à défier les conventions établies, à chercher de nouvelles voies pour exprimer l'identité et l'individualité. Elle incite à repenser la manière dont le corps peut devenir le support d'une narration forte et expressive, même lorsque le visage demeure dissimulé. Ainsi, la représentation de dos devient une invitation à la réflexion sur la diversité des moyens d'expression artistique, sur la rupture avec les normes établies et sur la recherche constante d'une identité visuelle alternative. Cette relecture de l'histoire de la peinture se révèle alors comme un voyage, où les artistes, libérés des contraintes, osent explorer de nouveaux horizons esthétiques et nous invitent à voir au-delà du visage, là où le corps devient le support d'une inspiration renouvelée. Historiquement, il est permis de s'interroger sur la pertinence du dos comme sujet principal d'une oeuvre picturale. Présents dans de larges compositions dès le début des scènes figurées, le personnage de dos n'est alors pas un sujet à part entière. Il apparait parfois pour alimenter le vocabulaire narratif de l'artiste et lui permettre d'exprimer toute une palette de poses et de varier ses effets. Cette exposition entreprend, à travers une exploration méthodique, de dévoiler les raisons sous-jacentes à l'absence de la représentation du dos comme sujet principal avant le XVe siècle. Elle se penche ensuite sur l'évolution graduelle de cette iconographie, devenant progressivement l'apanage de certains artistes aux XVIIIe et XIXe siècles. Au cours du XIXe siècle, elle examine comment le dos devient le mode de représentation de la contestation pour certains, ou le symbole de la réussite sociale pour d'autres. Cette démarche chronologique est complétée par l'exploration de thèmes spécifiques, tels que les nus, l'utilisation du miroir, les études anatomiques...