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Mouvement culturel novateur de la fin du dix-neuvième siècle,le symbolisme a adapté ou rejeté la description directe de laréalité au profit d'approches plus originales et plussuggestives. Mais l'art symboliste est resté résolumentmoderne, traversant de multiples courants, littéraires etmusicaux, nationalistes et scientifiques. Tout en se concentrantsur les paysages d'artistes d'avant-garde de premier plan,comme Gauguin, Van Gogh, Munch, Mondrian et Kandinsky,cet ouvrage met en exergue d'autres artistes européens aussibrillants qu'inventifs, tels Hammershei, Hodler, Khnopff etGallen-Kallela, qui sont mis en parallèle avec l'art visionnairede Puvis de Chavannes, Whistler et Monet. Les oeuvresillustrées dans ce livre proposent un superbe panorama desinterprétations poétiques ou suggestives de la nature durant lapériode 1880-1910 soutenu par des contributions despécialistes reconnus, qui livrent le premier ouvrage consacréau paysage symboliste en Europe.

Ce catalogue, superbement illustré, porte sur la représentation du pont dans l'oeuvre de Claude Monet (1840-1926), au lendemain de la guerre franco-prussienne. Une fois installé à Argenteuil, en banlieue de Paris, Monet est séduit par le pont routier qui relie les rives de la Seine près de sa maison. En 1872, il peint Le pont de bois pour mettre en valeur la reconstruction du pont détruit pendant la guerre et marquer le retour à l'ordre en France. Cette composition d'une étonnante modernité est le point de départ de nombreuses recherches sur ce thème. Le présent ouvrage, composé de douze toiles majeures, met en lumière la manière inventive avec laquelle Monet explore le motif du pont et s'impose comme une figure de proue de l'avant-garde. Il décrit aussi la réaction des artistes impressionnistes suivant le conflit franco-prussien et montre comment les peintres et les photographes de l'époque représentent l'ensemble remarquable de ponts parisiens.

Ce catalogue savant et magnifiquement illustré retrace l'évolution du style radical et distinctif de l'artiste français, Georges Seurat, à travers le motif récurrent de la mer. Il accompagne la toute première grande exposition consacrée aux marines de Seurat qui se tient à la Courtauld Gallery de Londres. C'est également la première exposition dédiée à l'artiste au Royaume-Uni depuis près de 30 ans. Georges Seurat (1859?1891) is best known as the creator of the Neo-Impressionist technique, in which shapes and light are rendered by juxtaposing small dots of pure colour. Seurat and the Sea brings together paintings, oil sketches and drawings made during the five summers he spent on the northern coast of France between 1885 and 1890. Working in port towns along the English Channel ? including Honfleur, Port-en-Bessin and Gravelines ? Seurat captured their seascapes, regattas and port activity in his luminous, atmospheric style. These coastal works are an important counterpoint to his better-known Parisian scenes. Seurat sought, in his words, ?to wash his eyes of the days spent in the studio [in Paris] and to translate in the most faithful manner the bright clarity, in all its nuances?. By focusing on this key aspect of his practice, Seurat and the Sea offers new insight into the development of his singular approach to colour, light and form, and reveals the importance of the seascapes in disseminating the artist?s work beyond the monumental canvases for which he is best known. Due to his untimely death at the age of 31, Seurat left behind a small but extraordinarily influential body of work. Works from The Courtauld ? which holds the largest collection of his work in the UK, thanks to the vision of collector and founder Samuel Courtauld ? are joined by loans from around the world.