Hippolyte, Paul, Auguste. Les Flandrins artistes et frères

Commencé à Rome en 1835 et poursuivi jusqu'en 1881, Le Poème de l'âme est le grand oeuvre de l'artiste lyonnais Louis Janmot (1814-1892), à la fois pictural et littéraire. Il illustre en 34 compositions accompagnées d'un long poème le parcours initiatique d'une âme sur la Terre. Formé de deux cycles respectivement composés de 18 peintures et de 16 grands dessins, il fut qualifié par Henri Focillon, directeur du musée des Beaux-Arts de Lyon de 1913 à 1924, "d'ensemble le plus remarquable, le plus cohérent et le plus étrange du spiritualisme romantique" . Le premier cycle, achevé en 1854, raconte les premières années au Ciel et sur la Terre d'une âme, représentée sous les traits d'un jeune garçon et accompagnée d'une jeune fille. On suit les étapes et les vicissitudes de leur parcours, de la naissance du garçon jusqu'à la mort prématurée de la jeune femme. Théophile Gautier et Baudelaire furent attirés par ces toiles exposées à l'Exposition Universelle de 1855, grâce à l'intervention de Delacroix. Achevé en 1881, le second cycle raconte comment le garçon, désormais seul, est confronté aux tentations et aux malheurs de l'âme humaine. Un poème de 2814 vers, écrit par Janmot et intitulé L'Ame, accompagne les oeuvres. Il renforce leur signification et leur est indissociable. L'ensemble compose une oeuvre hybride, littéraire et picturale, qui invite à la contemplation, à l'écoute, à la déambulation. Janmot, peintre de l'âme, est un artiste très singulier dans son temps, mais son oeuvre fait écho à celle de plusieurs autres artistes tels que William Blake, Philipp Otto Runge ou Francisco de Goya avant lui, ses contemporains les Préraphaélites, ou encore, plus tard, les symbolistes, en particulier Odilon Redon qui a été en contact avec lui. L'ouvrage replace Le Poème de l'âme et son auteur à la croisée de références, d'influences et de courants aussi bien littéraires, religieux et philosophiques qu'artistiques.

Au cours du XIXe siècle, un paisible village de pécheurs sur la côte normande se transforme en mythe : Etretat. Découvert par les peintres romantiques, ce site spectaculaire fascine des artistes de toute l'Europe par ses falaises vertigineuses sculptées par la mer, ses jeux changeants de lumière et son atmosphère de villégiature loin de l'agitation parisienne. Dans ce décor naturel grandiose, peintres et écrivains s'adonnent à l'étude du paysage. Gustave Courbet y capture le tumulte des vagues dans des toiles puissantes. Claude Monet, captive par les variations lumineuses, y conçoit pour la première fois des séries entières autour d'un m'erre motif, amorçant une révolution du regard et de la représentation.. Ce hure retrace l'histoire vibrante d'Etretat comme un foyer de la modernité artistique. Sa nature encore préservée et son effervescence créatrice nourrissent peintres et photographes, en quête de lumière. Aujourd'hui encore, les oeuvres nées sur ce rivage continuent de susciter l'émerveillement et la nostalgie d'un littoral désormais menacé.

L'autoportrait constitue un thème transversal dans l'histoire de l'art européen. Depuis l'époque de la Renaissance, nombreux sont les artistes qui se sont volontairement mis en scène dans leurs propres créations, contribuant ainsi à construire leur image. S'appuyant sur une sélection d'oeuvres dans différents média, couvrant un champ chronologique de près de six siècles, de la Renaissance à l'époque contemporaine, ce catalogue s'attache à offrir une analyse de ces représentations des artistes par eux-mêmes. Des essais rédigés par James Hall, Pierre Vaisse et Wolfgang Ullrich apportent une mise en contexte de ce genre, qui plus que jamais rencontre une résonance particulière dans notre société contemporaine, au temps de Facebook et d'Instagram. Près de cent cinquante peintures, dessins, gravures, photographies, sculptures et vidéos sont ici réunis, provenant de trois grandes collections européennes : les National Galleries of Scotland, à Edimbourg, la Staatliche Kunsthalle de Karlsruhe et le musée des Beaux-Arts de Lyon, qui ont conçu ce projet d'exposition en partenariat.

En faisant constamment appel à de nouvelles idées, les scientifiques de tout bord cherchent encore et toujours à comprendre le vivant. Le chemin développé ici par Dorian Schmidt se distingue de ces tentatives en ceci qu'il ne cherche pas à élaborer un modèle théorique censé expliquer les faits observés par ailleurs, mais qu'il propose de chercher tout d'abord de nouveaux faits en développant de nouvelles capacités de perception. L'élaboration et l'utilisation d'organes de perception qui voient, au-delà des organes sensoriels habituels s'effectuent alors dans une attitude strictement scientifique, c'est-à-dire qu'elle se situe constamment dans le domaine lucide de la réflexion critique. Cet ouvrage propose une série d'exercices de méditation qui peuvent conduire à un élargissement de notre faculté de perception du vivant. Il décrit leur fondement méthodique et montre comment cette approche intérieure peut permettre de détecter la qualité des forces formatrices vitales en évitant les écueils forcément liés à ce genre de travail.