Modernisme ou modernité. Les photographes du cercle de Gustave Le Gray, Exposition au Petit Palais d

En 1851, cinq photographes, parmi les plus importants de l'époque, parcourent la France afin de " recueillir des dessins photographiques d'un certain nombre d'édifices historiques ". De Reims à Bordeaux, de Strasbourg au Puy, de Fontainebleau à Nîmes, Baldus, Bayard, Le Gray, Le Secq et Mestral, équipés d'un matériel très lourd, photographient, chacun selon sa sensibilité, les églises, les théâtres antiques, les châteaux qui, pour beaucoup, ont souffert sous la Révolution et menacent ruine. Cet épisode mythique est aujourd'hui désigné sous le terme de Mission héliographique, première commande publique collective de l'histoire de la photographie. La commission des Monuments historiques, animée par Prosper Mérimée, qui est à l'origine de cette aventure, a sélectionné les photographes et leur a acheté 258 épreuves (avec les négatifs correspondants), longtemps oubliées, récemment redécouvertes, publiées en intégralité dans ce livre. Pour Mérimée et son équipe, il s'agit de documenter des édifices avant restauration à une époque où la notion de patrimoine est encore fragile. Pour les passionnés de la photographie, ces ?uvres révèlent des artistes et jettent les bases d'un genre nouveau: la vue d'architecture. Aujourd'hui, la Mission héliographique est un modèle aux yeux de commanditaires qui, régulièrement, ambitionnent de représenter un pays, une région, une ville, un territoire. Et pourtant cette épopée restait largement obscure. Ce livre en cerne les étapes, les infortunes et les enjeux.

Nous vivons dans un monde saturé d'images. Une humanité dépendante d'images omniprésentes, indispensables à la vie quotidienne, déferlant dans la presse, la publicité, les livres, sur les téléphones portables, les réseaux sociaux. Objet hybride, au croisement de l'information, de l'intime et de l'art, la photographie entretient une relation particulière avec la réalité. Elle en propose une représentation en deux dimensions, elle est le produit d'un auteur qui exerce son point de vue. L'image peut être manipulée après la prise de vue, elle peut trahir, abuser, et sa compréhension peut être orientée par le texte qui l'accompagne. Il faut donc savoir regarder la photographie. Fort de son principe de clés historiques, techniques et esthétiques rigoureusement articulées, ce nouveau guide de la collection Hazan nous invite à mieux décrypter les images réalisées par des photographes de premier plan mais aussi par des amateurs, depuis les origines du médium jusqu'à nos jours. En huit chapitres et 240 photographies commentées, les auteurs s'intéressent aux profils variés des utilisateurs de cet outil, qu'ils se revendiquent photographes ou non. Pourquoi photographier ? Comment aborder un sujet, choisir un objectif, évaluer le temps de pose, doser la lumière, ou conduire des manipulations, avant d'opter pour un procédé de tirage ? Quels sont les thèmes traités depuis l'origine du médium (portrait, nature morte, paysage, nu, sciences, actualité, guerre, etc.) ? Un tour d'horizon pratique et intelligent, qui ne serait pas complet sans les différentes formes de réception des photographies, qu'il s'agisse des pages imprimées (journaux, revues, livres) ou des espaces d'exposition sans oublier la sphère privée (albums de famille) et les réseaux sociaux.

Ce livre explore l'histoire de trois photographies d'André Kertész (1894, Budapest-1985, New York) : Chez Mondrian (1926), La Fourchette (1928) et Distorsion n° 6 (1933). L'auteur propose de suivre le parcours singulier de ces images depuis leur création, le contexte de prise de vue, jusqu'à la reproduction à travers la presse, les livres et les expositions, s'interrogeant sur les multiples cadrages, tirages et supports choisis. Après une période d'oubli, puis de redécouverte, ces photographies sont rendues célèbres au fil de leur parution et de leur diffusion dans les circuits de l'art. Accédant ainsi progressivement au statut d'icônes, elles bénéficient désormais d'une réception internationale, d'une reconnaissance artistique et d'une valeur patrimoniale incontestées.

Photographe le plus célèbre du vieux Paris, Eugène Atget (1857-1927) commence par produire des " documents pour artistes ", comme l'énonce la plaque apposée sur son atelier dans les années 1890. Les peintres ont besoin d'arbres, d'objets, de scènes de rues pour leurs compositions. Vers 1897-1898, il commence à photographier Paris de manière systématique. L'époque s'intéresse au patrimoine de la capitale et la commission du Vieux Paris commande à Atget plusieurs séries qu'il nomme Paris pittoresque, L'art dans le vieux Paris, Environs... Doté d'un imposant dispositif comprenant une chambre à soufflet avec un châssis chargé de plaques de verre, le photographe saisit la topographie d'une ville qui change. Petits métiers, étalages, cours d'immeubles, heurtoirs, charrettes, ruelles, cafés, chiffonniers de la zone, jardins urbains, parcs à demi abandonnés, quais de la Seine, cette obsessionnelle recherche fixe le détail de l'imprévu ; il en émane un sentiment de nostalgie, d'immédiate proximité, mais aussi une grande poésie. Atget procède de manière méthodique, progressant par arrondissements et quartiers, comme en témoignent ses carnets. Préférant les lumières du petit matin, le photographe réalise des milliers d'images destinées aux bibliothèques et aux musées. En 1906, la bibliothèque historique de la ville de Paris lui commande un travail sur la topographie du vieux Paris. Son cheminement montre des rues souvent désertes, des façades impénétrables, des fenêtres ouvertes sur de sombres intérieurs : le monde est comme endormi, il y a peu d'habitants, qui apparaissent tels des spectres derrière leur fenêtre. L'absence humaine dramatise le réel. Les objets sont eux aussi dotés d'une présence insolite : chaussures accrochées dans une vitrine, paniers, fouet et rênes suspendus mais sans cocher... Documents ou oeuvres d'art ? Atget se qualifie d'auteur-éditeur : sa maîtrise absolue du cadrage, son attention aux lignes des bâtiments, aux détails inattendus, aux choses abandonnées élaborent un univers singulier. Chez Atget, la photographie est réduite à elle-même, elle n'a aucun apprêt. Dans les années 1920, son intérêt pour les objets du quotidien sortis de leur fonction fascine les surréalistes. Elève de Man Ray, l'Américaine Berenice Abbott est la première à comprendre son oeuvre. Elle acquiert à sa mort plus de mille plaques qu'elle vendra en 1968 au MoMA de New York, favorisant la diffusion de ses images aux Etats-Unis. Par son regard frontal, sa vision qui mêle imaginaire et réel, Atget a inventé la photographie moderne. Cet ouvrage présente environ 170 images de la collection du musée Carnavalet et offre une promenade onirique et esthétique, une jouissance de l'oeil que souligne le titre de l'exposition à la fondation Henri Cartier-Bresson qui accompagne cette publication.