Bibliothèques d'artistes. (XX-XXIe siècles)

Résumé : Plus de trente spécialistes d'histoire de l'art du XXe siècle ont accepté de relever le défi que posent les écrits des artistes contemporains. Pourquoi l'artiste écrit-il ? Quels sont ses supports de diffusion ? Ses écrits restent-ils confidentiels - journal (Toti Scialoja), biographie (Dubuffet), " dessins d'insomnie " (Louise Bourgeois) - ou sont-ils destinés à devenir des " armes " (Buren), lancées publiquement contre les institutions, les critiques, les confrères... ? L'écriture constitue-t-elle un " suspens " dans le processus de la création plastique ? Ou bien l'artiste peindrait-il justement " parce qu'il écrit " (Alberola) ? Et si le dernier mot ne devait pas, néanmoins, revenir à la peinture (Hélion, Svenungsson...) ? Picasso s'interroge sur l'opportunité de faire un livre de ses écrits ; Lhote met en scène la fin de sa participation à la littérature artistique de son temps ; des artistes japonais, prolixes, sont sollicités par leurs éditeurs ; des femmes artistes accompagnent par des textes poétiques ou théoriques leur lutte pour la reconnaissance de leur statut. Il y a aussi tous ceux à qui la violence de l'Histoire ne permet de texte que censuré ou camouflé jusqu'au secret. Dans les moments de guerre, d'exil, d'internement, les uns poursuivent un nouveau mythe (Wols), les autres imaginent une nouvelle langue (Schwitters). Les peintres allemands de " l'année zéro " - 1945 - craignent la manipulation politique de l'écrit. En URSS, dans les années 1950-1970, des groupes pratiquent une transmission orale de la tradition moderniste. Tous ces moments de tension sont mis en évidence dans ce volume. Le choix de la période étudiée - de 1940 à nos jours - répond à plusieurs préoccupations : intégrer les " années noires " dans l'historiographie de la deuxième moitié du XXe siècle, réviser notre approche des écrits d'artistes (Brancusi, Calder, Dali, Picasso, etc.) perçus comme les " grands noms " d'une histoire considérée à tort comme déjà écrite, nous confronter aux nouvelles pratiques, aux nouveaux enjeux, que proposent des artistes plus jeunes comme Carl Andre, Daniel Buren, Yayoi Kusama, Jean-Jacques Rullier, Roman Signer et bien d'autres. Les artistes de trois continents (Europe, Asie, Amérique), à travers dix pays, sont ici saisis dans les moments les moins connus mais peut-être les plus aigus de leur créativité. De nombreux inédits et la référence à des fonds d'archives encore peu sollicités confèrent à ces actes de colloque le statut d'un livre de référence.

La revue Documents reste pour beaucoup l'insolente revue de Georges Bataille. Relire l'ensemble des articles révèle une problématique négligée : l'écriture de l'objet sculpté. Comment cette écriture s'adosse à une idéologie, comment cette idéologie reconduit des concepts qui touchent à l'origine de l'humanité : archaïque, primitif, évolution... Ces concepts ont une connotation raciale évidente, mais tous les auteurs ne les emploient pas dans le même sens. Relire Documents aujourd'hui permet de réintégrer ce "magazine d'art" dans les divisions politiques de l'Europe. On y découvre aussi des ressemblances inattendues entre les langages de l'archéologie et de l'ethnologie, bien que celle-ci semble seule en mesure de se réinventer.

On l'a appelé " l'homme-plume " lors de sa première exposition de dessins, en 1924. C'est le poète Georges Limbour qui l'avait ainsi baptisé en souvenir de Paolo di Dono, surnommé " l'oiseau ", et aussi à cause des beaux oiseaux qui peuplaient certaines de ses oeuvres. L'homme-plume s'est envolé en 1987, à l'âge de 93 ans. Ce fut l'un des artistes les plus cultivés de sa génération. Fin connaisseur de poésie, de musique et d'art, intarrissable sur l'art des grands maîtres du passé, il portait un regard curieux et amical sur d'innombrables sujets et sa conversation, où perçaient la générosité et la bonté, était des plus enrichaissantes. A lire cette anthologie, on mesurera l'étendue du savoir d'André Masson. On en retiendra surtout les tensions : en deçà comme au-delà du surréalisme, l'artiste se cherche à travers l'histoire d'une culture. Son parcours se situe dans les contradictions mêmes de l'humanisme contemporain et atteste de son statut d'artiste.

En 1961, le Musée d'art moderne de New York présentait une exposition intituler The Art of Assemblage accompagnée d'un ouvrage qui donnait pour la première fois une généalogie de cet "art" depuis une Guitare de Picasso jusqu'aux constructions les plus récente d'artistes américains et européens, qui combinent plusieurs matériaux ou objets. Avons-nous aujourd'hui le même regard sur ces assemblages ? Constituent-ils dans l'art occidental un nouveau " genre" à côté de la sculpture en particulier ? Ou bien cette unité de langage cacherait des enjeux beaucoup plus complexes, révélant les rapports étroits de "l'assemblagisme" avec la critique sociale, par exemple, ou remettant en question les savoir-faire quotidiens, les "arts de faire"? Dans quelle mesure la notion de " bricolage ", thème largement développé dans l'anthropologie moderne, est-elle pertinente dans une nouvelle approche de l'art de l'assemblage ? A travers les 13 études réunies dans cet ouvrage, qui couvrent essentiellement les années 1960 à nos jours, en France et aux Etats-Unis, de nombreux types d'assemblage sont explorés, incluant des situations qu'on n'aurait pas imaginées sous cet angle, comme la cuisine de Daniel Spoerri ou le happening de Carolee Schneemann, les dispositifs de Bruno Peinado ou les installations éphémères de Gabriel Orozco. Un texte inédit eu français de Thomas Hirschhorn clôt cet ensemble, préfacé par la spécialiste française de Rodin, Antoinette Le Normand-Romain. Si l'assemblage est confirmé dans ses effets historiques, en tant que transformation majeure de la notion d'art moderne, on doit compter désormais avec lui pour produire de nouveaux espaces de l'art.