Les Lettres de la Société de Psychanalyse Freudienne N° 20/2008 : Questions de temps et d'espace. Le

Résumé : Gisela Pankow (1914-1998) est une grande figure de la psychanalyse. Son enseignement, particulièrement en ce qui concerne la clinique de la psychose, est d'importance majeure. D'origine allemande, naturalisée française, polyglotte, elle était de formation scientifique et philosophique. Neuropsychiatre dotée d'une solide culture phénoménologique, elle a élargi les champs cliniques et théoriques de la psychanalyse. Ses apports sont décisifs dans l'abord thérapeutique des psychoses et des autres formes de déstructuration psychique. Les concepts d'image du corps, de lois immanentes, de greffe de transfert, de phantasme structurant, de même que son usage célèbre de la pâte à modeler dans les cures, en font une clinicienne dont la dimension inventive est toujours actuelle. L'ouvrage de Marie-lise Lacas est le premier livre qui retrace le parcours de Gisela Pankow et la richesse de l'oeuvre. Une bibliographie exhaustive des ouvrages et des articles de Gisela Pankow, ainsi qu'une recension de l'ensemble de ses conférences Complètent cette biographie.

Parcourant un corpus d'oeuvres picturales et de textes tant théoriques que littéraires compris entre le XVe et le XIXe siècle, cet ouvrage se propose d'observer comment la question du désir se déplace et se reformule parallèlement à l'affirmation progressive de l'art comme valeur. À partir de la Renaissance, les oeuvres picturales, profanes ou religieuses, qui mettent en scène un objet du désir majoritairement emprunté aux sources mythologiques et bibliques se multiplient. Partant de ce premier constat, se pose la question de savoir: « où et quand », « comment » le désir devient-il un sujet en peinture? C'est à la condition de poser ces questions premières, c'est en observant de près des oeuvres dont le sujet met en scène des héros réputés aux prises avec le désir qu'on pourra espérer savoir pourquoi. Pourquoi la peinture, à partir du moment où elle s?émancipe progressivement du monde du culte pour intégrer celui de la culture, à partir du moment où le peintre devient un artiste, où l'activité imaginaire est valorisée, parfois même théorisée, pourquoi la peinture entretient-elle un lien si étroit avec le désir? Au gré de cette enquête inédite qui puise à des sources multiples, c'est une histoire critique de l'art pictural qui va se tracer. Mais aussi une histoire de sa réception, de son pouvoir, de ses effets, de sa définition. Une histoire de ses formes, de ses configurations. Une histoire de l'imagination, une histoire du spectateur, une histoire de l'artiste.

Entre 1780 et 1830, les artistes femmes accèdent en France à une visibilité inédite. Transformé par la Révolution française, l'espace de production artistique s'ouvre de manière inédite aux femmes. Sont ici présentées les oeuvres d'Elisabeth Vigée Le Brun, Adélaïde Labille-Guiard, Marguerite Gérard, Marie-Guillemine Benoist ou Constance Mayer, aux côtés de nombreuses autres plasticiennes célébrées en leur temps : Angélique Mongez, Henriette Lorimier, Pauline Auzou, Hortense Haudebourt-Lescot Adèle Romany, Joséphine Sarazin de Belmont etc. Les conditions de la pratique artistique pour les peintres femmes à cette époque, leur accès à la formation, leur insertion dans le milieu professionnel grâce aux réseaux de sociabilité, la réception critique et publique de leur présence aux Salons méritent d'être redécouverts pour que soit enfin réévalué le rôle, actif et déterminant qu'en tant qu'artistes elles ont tenu dans l'histoire de l'art de la Révolution à la Restauration. N'est-il pas temps de les voir en peintres puisque tel fut leur choix ?