Une des provinces du rococo. La Chine rêvée de François Boucher

Résumé : L'exposition Paris-Bruxelles, 1880-1914, présente une sélection de plus de trois cents oeuvres tirées d'une collection privée de près de cinq mille peintures, dessins, aquarelles, estampes, affiches, livres et revues illustrés, d'artistes reconnus ou à découvrir. Depuis plus de vingt-cinq ans, ce collectionneur privé, qui souhaite garder l'anonymat, a constitué cet ensemble remarquable afin de mettre en lumière les liens souvent subtils, esthétiques et personnels, entre artistes qui, une fois réunis, nous ouvrent les yeux sur un monde de l'art rarement documenté avec autant de rigueur. Le collectionneur a accompli ce travail en s'intéressant à la fois aux artistes considérés comme majeurs, mais également en réunissant un ensemble d'oeuvres sur papier et sur toile d'artistes très actifs dans les mouvements d'avant-garde mais alors peu représentés auprès du grand public. Il s'est également intéressé à des domaines plutôt méconnus des musées tels que les artistes du cabaret Chat Noir par exemple. Au cours du processus de constitution de sa collection, il a été en contact avec des marchands internationaux et des universitaires éminents. Cependant, c'est sa seule vision qui a guidé l'orientation de ses acquisitions. Toujours prêt à partager sa collection, nombre de ses oeuvres ont été exposées en Europe, au Japon et aux Etats-Unis. L'exposition et le catalogue qui l'accompagne entendent offrir une histoire panoramique de l'art européen du début du siècle : l'influence du thème de Paris, sa banlieue et ses campagnes, Montmartre et ses lieux de divertissement, le rayonnement de l'art japonais sur l'art européen, le symbolisme comme moyen d'évasion, la Bretagne et Pont-Aven, le néo-impressionnisme, les XX, les Nabis, la caricature...

Camille Claudel et son oeuvre ont fait l'objet de plusieurs expositions monographiques mais rarement a été évoqué son entourage artistique et culturel et surtout, les sculptrices qui ont suivi le même chemin restent encore aujourd'hui largement méconnues. Avec ce projet, les musées de Nogent, Tours et Pont-Aven souhaitent faire les sortir de l'ombre et réunir les créations originales de sculptrices exceptionnelles, camarades d'atelier, amies ou rivales de Camille Claudel, douées elles aussi d'une fertile imagination et d'un talent certain. Aux côtés des oeuvres dues aux sculptrices, leur portrait peint ou photographié dans leur atelier et des lettres échangées par Camille Claudel et ses camarades redonneront vie au réseau artistique féminin connu de Camille Claudel durant sa fulgurante carrière, depuis ses premiers essais dans le Paris de la fin du 19e siècle jusqu'à son internement en mars 1913.

Résumé : Le style communément nommé "style Louis XVI" est né de la rencontre entre un mouvement dénonçant les côtés excessifs du style rocaille (ou style Louis XV) et un regain d'intérêt pour le monde gréco-romain. A partir de la fin des années 1750, les artistes renouvelèrent leurs sources d'inspiration et accordèrent aux modèles antiques une part de plus en plus grande, jusqu'à une quasi-exclusivité à la veille de la Révolution de 1789. Touchant toutes les formes d'art, cette mutation artistique est particulièrement sensible dans ces domaines complémentaires que sont la décoration intérieure et les arts décoratifs. Ornemanistes, ébénistes, menuisiers, orfèvres, sculpteurs, fabricants de bronzes, manufactures de porcelaines, de soieries ou de tapisseries, tous adhérèrent à ce mouvement. A travers de nombreuses illustrations, le présent ouvrage s'attache à exposer les différentes phases et expressions de ce style.

Résumé : Au même titre que celle de Picasso, l'oeuvre de Joan Miró, par sa liberté créatrice et son iconoclasme latent, occupe au XXe siècle une place inédite qui lui confère la stature du mythe et l'élève au rang de l'universalité. Ancrée dans la terre catalane de son enfance, elle voit le jour dans les années 1910 avec les peintures dites "détaillistes" de Montroig, scènes réalistes et paysannes qui retiennent la leçon de l'art naïf et du cubisme naissant. Miró connaît la consécration au milieu des années 1920 avec ses "peintures de rêve" dont la magie poétique séduit les surréalistes tels que Robert Desnos et Michel Leiris. Posant un regard tantôt émerveillé, tantôt plus sombre sur le monde qui l'entoure, Miró donne progressivement corps à ce que son biographe, le poète Jacques Dupin a élégamment qualié de "Mirómonde" . A partir de 1954, l'installation à Palma de Majorque marque un nouveau tournant dans l'oeuvre de Miró. Dans cette période de créativité intense, sa peinture se métamorphose, devient de plus en plus gestuelle, directe et n'est pas sans évoquer les "¨Peintures sauvages" nées dans les années 1930 dans le contexte de la montée du nazisme. Portant sur un ensemble de près de 90 oeuvres réalisées dans les années 1960-1970, la dernière période de création de l'artiste est particulièrement bien représentée dans les collections du Musée national d'art moderne/Centre Pompidou.