Hideo Kojima, aux frontières du jeu

En moins de quinze ans, J.J. Abrams s'est imposé comme l'une des figures phares d'Hollywood. Créateur de séries qui ont redéfini le genre (Alias, Lost et Fringe), réalisateur à la tête d'énormes franchises (Mission Impossible, Star Trek et Star Wars), et producteur de renom via sa société Bad Robot, il est devenu le nouvel homme-orchestre du cinéma américain, s'inscrivant ainsi dans la lignée de son mentor Steven Spielberg. Se distinguant par son désir de préserver l'équilibre entre la part de l'auteur et celle de l'entertainer, il s'assure que ses créations peuvent toucher le plus grand nombre tout en puisant constamment dans des thèmes qui lui sont chers. Son oeuvre est traversée par l'idée fixe de la réinvention. Quels que soient les différents noms qu'on lui donne - reboot, remake, reprise, hommage -, il s'agit toujours pour lui d'interroger la question de l'héritage du cinéma. J.J. Abrams ou l'éternel recommencement explore à quel point l'histoire cinématographique est une boucle, et cherche à répondre à cette question : comment dépasser ses modèles tout en marchant dans leurs pas ?

En 1999, Lana et Lilly Wachowski ont réalisé Matrix, l'un des films majeurs de la transition entre le XXe et le XXIe siècle. Dans cette oeuvre comme dans toutes les autres, les deux soeurs inventent de nouvelles manières de penser et de concevoir le septième art, sans renier leurs ambitions populaires. Derrière la variété des genres abordés (film noir, science-fiction, adaptation de manga, space opera...), l'oeuvre des Wachowski est d'une grande cohérence thématique et humaine. De Bound à Cloud Atlas en passant par la série Sense8, leurs créations sont liées par un engagement commun : accomplir son émancipation personnelle. Cette quête de liberté fait écho à l'histoire intime des deux soeurs, avec en point d'orgue leurs transitions de genre. Lana et Lilly Wachowski nous invitent à trouver dans les films des beautés et des vérités qui nourrissent positivement nos identités, nos valeurs, nos luttes. Lilly et Lana Wachowski, la grande émancipation nous plonge dans leur expérience personnelle du cinéma hollywoodien, où il est question de courage, de confiance, d'élévation : en somme, de cette transcendance dont l'art peut se faire le vecteur.

Avec Parasite, Bong Joon-ho a écrit une page d'histoire en devenant le premier cinéaste coréen à gagner la Palme d'Or du festival de Cannes, puis lauréat des Oscars ? entre autres celui du meilleur film, récompense inédite pour une oeuvre tournée dans une langue autre que l'anglais. Ce triomphe a entériné la place de Bong Joon-ho comme l'un des chefs de file de la nouvelle génération de réalisateurs coréens. Tout en tutoyant les sommets, Bong Joon-ho ne quitte pas des yeux les abymes et ceux qui y sont relégués. Du polar Memories of Murder au film de monstre The Host, en passant par ses productions internationales Snowpiercer et Mickey 17, chacun de ses films décrit crûment un monde où les démunis sont laminés par le système économique. Dans cette vision désespérée de la société, héritée de l'histoire sanglante de la Corée et des années de dictature, les issues positives sont des chimères et le chaos règne en maître. Bong Joon-ho, désordre social raconte le parcours d'un réalisateur dont l'activisme balaye tout le spectre des problématiques sociales, et qui met sa virtuosité au service d'une conscience aiguë de la verticalité du monde.

Voilà bientôt un demi-siècle que le cinéma brésilien vit sur le souvenir du cinema novo. Or son histoire est un véritable roman-feuilleton, scénario à rebondissements dont on dresse ici le panorama critique en mettant l'accent sur la quête d'identité dont elle porte trace. Quête cyclique d'un cinéma implanté dans un pays d'identité nationale, politique, raciale et culturelle métissée. Un cinéma irrégulièrement productif, chaotique et cahoté, divers, riche de contradictions liées aux soubresauts de la nation. Après soixante années d'envols dignes de l'obstination d'Icare, ce second volume analyse les années 70 marquées par la Dictature militaire et l'organisme étatique Embrafilme, qui célèbre l'histoire d'amour du public brésilien avec son cinéma (Dona Flor et ses deux maris), puis la pornochanchada, comédie érotique médiocre discréditant pour longtemps le cinéma national. Les années 90 commencent par la mort du cinéma brésilien, gelé par le Président Collor. Carlota Joaquina le ressuscite (1994) et la retomada (reprise toujours actuelle 16 ans après) est couronnée par les succès internationaux de Central do Brasil (1998-Walter Salles) puis Cidade de Deus (2002-Fernando Meirelles). Mais pourquoi le cinéma brésilien a-t-il tant de difficultés intra et extra muros?