Robes d'été flottant au vent

Le roman d'Oek de Jong décrypte la genèse d'un crime passionnel. La Fille de Hokwerda nous projette dans la peau d'une jeune femme dont le vide émotionnel ne peut être comblé tant qu'elle vit à l'ombre d'un père insaisissable qu'elle ne peut pas aimer - pas plus qu'elle ne parvient à l'oublier. La sexualité, dans ce contexte, a évidemment partie liée avec cette interrogation existentielle du "comment aimer quelqu'un" ou "comment accepter d'être aimé par quelqu'un". Traduit du néerlandais.

Résumé : Avec les Russes Vassily Kandinsky et Kasimir Malevitch, Mondrian est en effet l'un des pionniers les plus influents de la peinture abstraite. Sa réputation s'est construite dès le début de sa carrière selon une représentation transcendantale de l'image (en particulier dans le paysage), basée sur l'épuration radicale du tableau. Toute trace de référence au naturel visible est progressivement évacuée au profit d'une vision de l'Universel. Cette méthode se manifeste depuis son interprétation de plus en plus abstraite du cubisme analytique de 1912 à 1914 à Paris, jusqu'à ce qu'en 1917, il concentre tous ses moyens sur la construction d'une composition équilibrée, faite de formes réduites et allongées à des rectangles et quelques couleurs, placées sur une trame orthogonale, le tout décliné en séries jusqu'à la fin de sa vie. Cet ouvrage propose d'analyser l'oeuvre de Piet Mondrian en découvrant ses différents ateliers, d'Amsterdam à Laren, de Paris à Londres, puis New York. Ce sont là les villes où Mondrian a vécu et travaillé et où il a aménagé ses ateliers d'une façon toute personnelle. En explorant ces lieux (grâce à de nombreuses photos d'archives et de plans), le lecteur pénètre au coeur de la création artistique et en comprend le processus. Car les différents ateliers font écho à des périodes bien précises de l'évolution de la vie et de l'oeuvre de Mondrian, depuis les tableaux naturalistes des environs de 1890 et les oeuvres néo-impressionnistes expérimentales jusqu'aux peintures abstraites avec leur réseau de lignes et de plans. Mondrian, qui est entré à l'Académie Nationale des Beaux-arts d'Amsterdam en 1892, est alors un peintre réaliste très soucieux de représenter la réalité et la nature dans tous ses aspects, car c'est elle qui permet l'accès aux révélations spirituelles, selon une pensée traditionnelle liée au protestantisme. Natures mortes et paysages de campagne sont ses sujets dominants. Lors d'une exposition à Amsterdam en 1912, il découvre le cubisme et décide alors de s'installer à Paris pour rejoindre le groupe des peintres "cubistes". C'est au cours de cette période parisienne, entre 1912 et 1914, qu'il passe d'un cubisme figuratif à un cubisme plus abstrait dans lequel les objets perdent leur fonction figurative pour un ensemble de lignes formelles horizontales et verticales, mêlées aux couleurs primaires dans un espace à deux dimensions. Il travaille avec les couleurs pures : rouge, jaune et bleu, qu'il associe au blanc, qui lui sert de fond, et au noir, qui délimite les couleurs entre elles. Il structure ses oeuvres de manière géométrique en utilisant essentiellement des formes rectangulaires et des lignes d'épaisseur variable. Les croyances théosophiques de Mondrian lui font accorder à l'angle droit une signification universelle. Mondrian défini dès lors son système de représentation qu'il nomme peinture néo-plastique et qu'il développera pendant plus de 20 ans jusqu'à son séjour à New York. En 1938, il se réfugie à Londres puis, en 1940, suite aux bombardements de la ville, il s'embarque en octobre pour New York et découvre une ville en correspondance avec ses tableaux. Depuis longtemps passionné par le jazz, il adopte avec enthousiasme le boogie-woogie et réalise plusieurs chefs-d'oeuvre, à l'aide notamment de ruban adhésif coloré qui permet toutes sortes d'expérimentations. Photos personnelles, documents et dessins en rapport avec les ateliers et les tableaux témoignent de ce parcours artistique, complété des écrits de Piet Mondrian, écrits publiés dans De Stijl, le mensuel international du renouveau de l'art, de la science et de la culture, dont le rédacteur en chef n'était autre que Theo van Doesburg, et pour i10, la revue dirigée par Arthur Lehning.

Les années 1970 ont sonné le glas de l'âge de la typographie traditionnelle qui. en dépit de nombreux perfectionnements. n'avait pas changé fondamentalement depuis l'invention de Gutenberg, il y a cinq cents ans. Avec les dernières avancées technologiques, tes systèmes PostScript et Open Type ont inauguré l'ère numérique et t'avènement de concepteurs aux schémas mentaux abstraits. Le rôle du designer est différent et il n'en est parfois pas conscient. Son statut touche une dimension tout autre. C'est peu dire que l'ère du numérique a transformé le monde de la typographie: les vingt-cinq dernières années ont été témoins d'avancées surprenantes dans ce domaine. D'où le besoin de mesurer l'impact de cette révolution sur la typographie et ta manière dont les designers contemporains exploitent les polices du passé et du futur pour satisfaire aux besoins du présent. Après un rappel de la classification des polices, cet ouvrage présente la biographie des jeunes créateurs de types de caractères (formation, liste des polices à leur actif, leur destination), et décrit 47 des caractères les plus importants créés ces vingt-cinq dernières années, en les reliant à leur exploitation graphique.