Rubens. Des camées antiques à la galerie Médicis

Au printemps 1650, le tableau du Ravissement de saint Paul de Nicolas Poussin (musée du Louvre) quittait Rome pour Paris. Il avait fallu cinq ans pour que le peintre finisse par satisfaire la demande du poète Paul Scarron. Vingt ans après, le même tableau était extrait des collections de Louis XIV pour être commenté deux fois au sein de l'Académie royale de peinture et de sculpture. Les deux conférences, dont l'une de Charles Le Brun, soulignaient les exceptionnelles qualités formelles de l'oeuvre et la complexité de son contenu. Comment comprendre qu'un tableau que Poussin a peint contre son gré ait le plus suscité l'attention des peintres français du XVIIe siècle ? Telle est la contradiction à laquelle cet essai se confronte, en scrutant le tableau avec minutie et en s'interrogeant sur la capacité d'un regard contemporain à rendre compte d'un tableau ancien. Comment un peintre isolé vivant à Rome pouvait-il concevoir un sujet religieux qu'il savait devoir être goûté dans un salon littéraire parisien ? A quels types d'attentes, mondaines, culturelles, poétiques ou spirituelles pouvait-il vouloir répondre ? En quelle mesure le lieu de création, la Rome baroque, participe-t-il de la spécificité du tableau ? Comment comprendre la fortune singulière de celui-ci dans la France du Grand Siècle ? A travers l'étude de la genèse puis de la réception du Ravissement de saint Paul, du milieu des années 1640 à la fin des années 1670, il s'agit de mieux cerner la manière dont un artiste éminent pouvait appréhender la production d'un tableau et les modalités par lesquelles une oeuvre pouvait être attendue, réinventée, intronisée enfin en sa qualité d'oeuvre d'art dans la société du XVIIe siècle.

Ce dossier s'adresse à tous ceux que l'art ou l'histoire de l'art intéressent. Il sera également particulièrement utile aux enseignants d'histoire-géographie désirant mener à bien un projet d'histoire de l'art en partenariat avec des enseignants d'autres disciplines. Une méthode d'analyse des ?uvres est donc proposée, centrée ici sur la production artistique occidentale, avec le parti pris de privilégier les ?uvres visibles sur le territoire français. Ce dossier s'adresse à tous ceux que l'art ou l'histoire de l'art intéressent. Il sera également particulièrement utile aux enseignants d'histoire-géographie désirant mener à bien un projet d'histoire de l'art en partenariat avec des enseignants d'autres disciplines. Une méthode d'analyse des ?uvres est donc proposée, centrée ici sur la production artistique occidentale, avec le parti pris de privilégier les ?uvres visibles sur le territoire français. De nombreux exemples d'?uvres ou d'ensembles d'?uvres sont commentés selon un parcours chronologique de l'Antiquité à nos jours. Les auteurs proposent ainsi le déroulé des enseignements en collège, afin de faciliter la préparation de l'épreuve d'histoire des arts au Diplôme national du brevet. Et dans chaque double page thématique se trouve une rubrique ouverte sur d'autres propositions de travail à d'autres disciplines de l'enseignement secondaire. Une belle iconographie illustre ce parcours. Le Sommaire Point sur Histoire et histoire de l'art Approches historiographiques Comment analyser une ?uvre Thèmes et documents De l'Antiquité au Moyen Age* Un mythe grec : la mort d'Hector dans l'Iliade Le génie civil romain : le théâtre d'Orange Questions autour du portrait antique Regard sur l'art gupta De la fin du Moyen Age à l'âge classique Représenter le Christ Bayeux : image et narration De l'artisan à l'artiste La Renaissance : une géographie européenne Perspectives Le pouvoir monarchique et les arts XVIIIe et XIXe siècles Esclavage et commerce L'art au prisme des Lumières Le Salon ou l'invention du public David et Ingres, de la Révolution à l'Empire L'affirmation des nationalismes La vie moderne Art et industrie XXe siècle Première guerre mondiale : une "guerre d'images' L'art et la Révolution russe Femmes dans les avant-gardes Art et régimes totalitarismes Seconde guerre mondiale : témoigner de l'indicible Corps en mouvement, corps contraints

L'une des formes que prend la théorisation des rapports entre la création artistique et le patrimoine culturel n'est autre que la réflexion sur le style. Aborder conjointement, dans l'espace d'un même ouvrage, la question de l'héritage de Horace et de Virgile aux siècles classiques, la théorie des genres (l'héroïque et le champêtre), celle des styles (dans la filiation directe d'une tradition rhétorique séculaire), le dialogue des arts enfin (littérature, architecture, arts figurés, musique), tient de la gageure. C'est pourtant à l'intersection de domaines déjà correctement balisés que l'on peut espérer trouver des résultats nouveaux. Le présent ouvrage s'attache dans un premier temps, à la manière dont Virgile et Horace ont exploré les interactions possibles entre l'emploi des trois principaux styles définis par les théories rhétoriques (le simple, le moyen et l'ample) et le choix d'un genre littéraire (l'épopée ou la bucolique, par exemple). Ces deux poètes ont profondément marqué la postérité et leurs œuvres constituent une source majeure pour les réflexions stylistiques de l'époque moderne. La deuxième partie de ce volume adopte une perspective comparatiste : confrontant les points de vue de spécialistes de la période antique et de la période moderne, elle met en évidence la complexité et la variété des échanges qui ont nourri la critique littéraire comme le discours sur les arts à l'époque hellénistique, dans la Rome d'Auguste, puis aux XVIe et XVIIe siècles.

Le recours aux catégories rhétorico-poétiques est l'une des stratégies les plus couramment employées par les critiques et les érudits de l'Antiquité et de l'Âge moderne pour qualifier les oeuvres figurées et pour les comparer entre elles. La critique littéraire a ainsi fourni de manière répétée un cadre théorique et une terminologie stylistique permettant de célébrer certaines oeuvres d'art et certains artistes et d'en disqualifier d'autres. Après un premier volume consacré à l'usage des notions stylistiques dans le discours critique sur les arts, le présent ouvrage se propose d'étudier la façon dont certains artistes ont pu s'approprier les théories stylistiques et éventuellement y répondre par des oeuvres programmatiques. Si les auteurs littéraires avaient la possibilité de réélaborer les théories stylistiques, pouvons-nous en dire autant des peintres et des sculpteurs ? Cet ouvrage propose plusieurs études de cas où l'on peut légitimement supposer que les artistes étaient conscients de l'existence d'une terminologie critique largement empruntée à l'analyse des sources rhétoriques et poétiques et qu'ils ont souhaité y répondre par leurs oeuvres. La dernière partie de l'ouvrage s'interroge enfin sur l'éventuelle influence de la lecture stylistique sur les modalités d'exposition des productions artistiques.