La peinture de la Renaissance

Au cours des 17e et 18e siècles, l'Europe est secouée par des bouleversements politiques et sociaux qui modifient l'équilibre des forces les puissances traditionnelles, comme l'Espagne et les Etats italiens, sont progressivement supplantées par de nouvelles nations qui vont s'engager dans des guerres de conquête, sur le continent européen, puis dans le Nouveau Monde. Les 17e et 18e siècles sont ainsi riches de contradictions et de surprises : alors que les arts figuratifs consacrent le triomphe du baroque, les sciences se dotent de méthodes rationnelles. Tandis que s'intensifie la circulation des idées et des artistes, la constitution de grandes écoles nationales - les Provinces-Unies de Rembrandt ou l'Espagne de Vélasquez - favorise l'uniformisation des styles dans toute l'Europe. Les plus grands maîtres - le Caravage, Bernin, Poussin ou Rubens - imposent leurs modèles aux artistes du continent. Jusqu'au milieu du 18e siècle, la peinture continue d'hésiter entre le clair-obscur du Caravage et de Georges de La Tour, d'une part, et l'éclat lumineux du grand décor baroque, d'autre part. Alors que le château et les jardins de Versailles offrent aux princes d'Europe un modèle souvent imité, l'architecture privilégie tantôt la fantaisie la plus audacieuse, tantôt le retour aux sévères canons de l'Antiquité classique. Découvrez dans cet ouvrage de référence toute la période de l'art classique et baroque, surprenante et paradoxale, et qui possède encore de nos jours un fort pouvoir de fascination : dans tous les domaines, elle apparaît comme une ère extrêmement féconde de l'art européen. A la fin de l'ouvrage, un tableau chronologique et les biographies de tous les artistes cités donnent de précieux repères. . . Francesca Castria Marchetti (1972), historienne de l'art, a participé à la rédaction de plusieurs ouvrages sur la peinture italienne. Rosa Giorgi (1965), également historienne de l'art, spécialisée en iconographie et iconologie, collabore avec des musées, des universités et des institutions publiques. Parmi ses publications les plus récentes, il faut mentionner les monographies consacrées au Caravage, à Vélasquez et au Greco. Stefano Zuffi (1961), historien de l'art, a dirigé la publication de nombreux ouvrages de vulgarisation, consacrés en particulier à la Renaissance et au baroque. Il est également l'auteur de multiples ouvrages sur l'art, notamment La Renaissance, publié aux éditions Gründ. Dans la même collection Les Impressionnistes, La Renaissance, Le Romantisme.

Après les grands succès qu'ont été La peinture italienne et La peinture moderne, cet ouvrage retrace l'aventure de la peinture occidentale aux XVIIe et XVIIIe siècles, âge d'or de la culture et de l'économie dans de nombreux pays, que l'on désigne sous le terme de " baroque ". Pendant longtemps, humanistes et artistes ont cherché à établir les canons de la beauté en se référant à l'Antiquité classique. Art des sentiments extrêmes, le baroque marque le dépassement audacieux de ces normes et recherche les effets théâtraux, spectaculaires et imprévus, tout en atteignant les profondeurs de l'âme humaine. Cet ouvrage réunit les plus grands maîtres de l'art des XVIIe et XVIIIe siècles ainsi que de nombreux artistes, moins connus, de très grand talent, qui concourent à la culture artistique de leur nation. C'est pourquoi son organisation correspond aux écoles des différents pays, et met en évidence que les plus grands chefs-d'?uvre ne sont pas les fruits isolés d'un génie créateur, mais qu'ils émergent d'un contexte historique et intellectuel dont ils deviennent le résumé et le symbole. Plus de cinq cents tableaux, tous reproduits en couleurs, permettent de suivre, de la fin de la Renaissance à l'aube du néoclassicisme, les étapes de cette histoire passionnante de la peinture baroque. On y trouve notamment le réalisme de Caravage, le mysticisme visionnaire de Greco, l'explosion fastueuse de Rubens, le classicisme de Poussin, la fantaisie lumineuse de Tiepolo.

Autant avouer que ce beau livre comble une lacune. De l'histoire de la peinture américaine, nous ne connaissons que peu de choses si ce n'est la période de l'expressionnisme abstrait avec Pollock et le pop art. Or, cet ouvrage démontre combien l'Amérique a toujours eu besoin de représentations. Dès le XVIIIe siècle, les premières peintures vantent la beauté des paysages mais participent aussi d'une idéologie encore en vigueur aujourd'hui : celle d'un pays neuf où tout est possible. Les chapitres, confiés à différents spécialistes, analysent un à un ces moments, ces périodes de l'histoire de l'art américain. Ainsi, les textes consacrés au XIXe siècle sont passionnants puisqu'ils démontrent comment s'est forgé le mythe du grand Ouest sauvage, don de Dieu pour les colons. Les essais consacrés à l'impressionnisme puis aux premières abstractions sont tout aussi instructifs. L'une des réussites de cet ouvrage réside également dans ses longues notices richement illustrées. En effet, pour chacun des artistes, les auteurs ont sélectionné plusieurs ?uvres contrairement à nombre d'ouvrages d'histoire de l'art ou le lecteur doit se contenter d'une simple petite vignette pour apprécier le travail du peintre. L'ensembles des images consacrées à Giorgia O'Keeffe, Charles Demuth, Charles Sheeler, Edward Hopper, Thomas Benton sont tout à fait convaincantes et permettent, entre autres, de comprendre visuellement la fascination de ces artistes pour les avant-gardes européennes des années 1920. Malheureusement, la fin de l'ouvrage passe sous silence la richesse de la peinture américaine des cinquante dernières années. Les années 70, 80 et 90 sont réduites à de courtes mentions. Des figures aussi importantes que Cy Twombly ou des courants comme l'art minimal sont totalement absents. C'est d'autant plus regrettable que c'est précisément durant cette période que l'art américain a produit ses plus grands maîtres. --Damien Sausset