Penser la musique au siècle du romantisme. Discours esthétiques dans l'Allemagne et l'Autriche du XI

A partir d'une série d'études et de regards pluridisciplinaires consacrés aux grands centres musicaux du monde germanique, ce livre entreprend d'esquisser une histoire de la musique allemande centrée non pas sur les oeuvres et leurs compositeurs, mais plutôt sur la manière dont la création, la production et, plus généralement, la vie artistiques s'inscrivent dans un espace géographique complexe. Il s'agit de comprendre comment une activité musicale extrêmement riche et diversifiée s'est développée dans cet espace hétérogène et polycentré situé au coeur de l'Europe, au carrefour des influences les plus diverses, et qui ne commencera à réaliser son unité politique et administrative qu'au cours de la seconde moitié du XIXe siècle. L'atomisation même de la vie musicale, qui rayonne souvent à partir de cités d'importance moyenne, ne permet pas une approche systématique. Aussi sont mis en regard une série d'études de cas, consacrées à des lieux ayant une valeur exemplaire: Vienne, Berlin, Hambourg, Salzbourg ou Dresde, mais aussi Strasbourg, Zurich, Weimar, Kassel ou Meiningen. Cette histoire de la musique allemande envisagée à travers les villes et les rapports que les centres urbains entretiennent les uns avec les autres montre combien le développement de la vie artistique a été façonné par le jeu des acteurs politiques, institutionnels, culturels et économiques. Il ne s'agit plus ici d'aborder la musique à travers la notion traditionnelle d'école nationale, ni de réduire la géographie de l'activité musicale à quelques oppositions schématiques entre centres protestants et catholiques, entre villes administrées par la bourgeoisie et cités aristocratiques. Le livre tente au contraire de rendre compte de ces espaces et de ces villes de façon dynamique, de mettre en lumière les transformations et métamorphoses des lieux, d'expliquer en particulier l'émergence de nouveaux centres musicaux et le déclin de certains autres, depuis l'ère baroque jusqu'à la fin du siècle du romantisme.

Fruit d'un colloque organisé en 2013 à l'occasion des célébrations du bicentenaire de la naissance de Giuseppe Verdi et Richard Wagner, ce livre se fonde sur une approche résolument interdisciplinaire développée au sein de trois équipes de recherche de l'université Rennes 2. Il propose une étude comparée des deux compositeurs à partir de différentes approches, qui se veulent complémentaires, et à partir de corpus divers. La démarche adoptée tout au long de ce volume fortement articulé permet de suivre les strates culturelles, intellectuelles et artistiques d'un triple croisement : premièrement, celui de deux créateurs, de leurs deux productions lyriques et, plus globalement, des deux univers qu'ils ont engendrés ; deuxièmement, celui des formes d'expression, puisque l'on basculera de l'opéra à la littérature, au cinéma et à la bande dessinée ; troisièmement, celui des points de vue : dramaturgie, interprétation, programmation, réception et postérité. Apparaît ainsi, d'une contribution à une autre, la façon dont l'opposition, supposée ou réelle, entre Verdi et Wagner a été utilisée ou instrumentalisée - du milieu du XIXe siècle jusqu'à nos jours - pour légitimer des choix esthétiques ou des discours de diverses natures, dans des contextes historiques et géographiques variés. L'étude du couple Verdi-Wagner témoigne de l'incroyable capacité de l'opéra à sortir de son seul domaine pour infiltrer le monde des arts et participer de la vie des idées.

A la différence des enquêtes sur les rapports entre musique et littérature, la recherche sur le livret d'opéra est relativement récente. Trois facteurs ont contribué de manière décisive à l'affirmation de cet état de fait: tout d'abord l'intérêt porté à l'"objet matériel" qu'est le livret dont l'existence indépendante de la partition est attestée depuis les origines et subit des variations historiques aisément repérables, liées aux conditions techniques de production; en second lieu, l'application de la catégorie de "texte" à des productions écrites ne se confondant pas avec les genres reconnus du champ littéraire et dont l'investigation devient par là même légitime; enfin, la perspective sémiologique, qui conçoit le texte dramatique comme "en attente de représentation", permet de traiter le livret, justiciable des mêmes critères d'analyse, comme étant de surcroît "en attente de musique". Les études germaniques ont reconnu tardivement l'importance du domaine ainsi défini. Le séminaire dirigé en Sorbonne depuis le début des années 1990 par Jean-Marie Valentin, d'abord centré sur les questions de "genèse croisée" de la tragédie et de l'opéra, s'est rapidement élargi aux problèmes évoqués et abordés au cours du colloque qui s'est tenu à l'École normale supérieure (Ulm), en Sorbonne et à l'Institut universitaire de France en mars 2004. La confrontation avec des textes des XVIIIe-XXe siècles met les résultats obtenus par ces premiers travaux à l'épreuve de contextes marqués par l'apparition, avec Lorenzo Da Ponte, du librettiste au sens moderne du terme et examine les tensions entre livret traditionnel et "opéra littéraire", les relations conflictuelles qui opposent, en dépit (en raison) de leur gémellité, théâtre et opéra, les rivalités entre auteur et compositeur en Allemagne et en Autriche.

Comment les arts de la scène s'emparent-ils de ce qui peut apparaître de prime abord comme une contradiction profonde : le lien entre dictature politique et libre épanouissement de l'art ? Pour répondre, l'ouvrage entend "figurations de la dictature" comme l'ensemble des moyens mis en oeuvre pour dire ou montrer la dictature et la violence du politique sur scène, pour tenter d'apporter une réponse artistique aux interventions et à la pression exercée d'en haut : soit en mettant la dictature à distance et en s'opposant à elle, soit en se plaçant au service de la dictature d'Etat, soit encore en optant pour le silence comme forme ultime de réaction, voire comme impuissance de l'art face à la dictature. L'interrogation porte sur la pertinence et l'actualité mêmes de la confrontation parfois brutale entre dictature et arts de la scène, sur la question du traitement des masses sur scène, sur le rôle de la provocation et du scandale dans la mise en scène de la dictature. Il s'agit ici de déterminer comment les arts de la scène participent à leur manière de l'écriture des dictatures, contribuant ainsi à une mémoire tout à la fois active et critique de la dictature et des dictatures de l'espace germanophone du XIXe siècle (E. T. A. Hoffmann, Cola di Rienzo) à nos jours (Werner Schwab, Jan Faktor, Milo Rau, le "théâtral spectral" de Jo Fabian, le travail du collectif Scholl 2017 notamment). Avec le soutien de Nantes Université