Bronzino. English Edition

Agnolo Bronzino (1503-1572) was one of the leading representatives of Florentine mannerist painting. In this important new study, the eminent French art historian Maurice Brock provides a detailed analysis of this painter's remarkable oeuvre, taking into account the latest developments in scholarship and drawing on information about the artist's life that has recently come to light.Eschewing a chronological approach, the author examines the paintings according to genre, focusing above all on Bronzino's portraits and religiouslittle-known paintings, and in particular on the ltitle-known altarpieces and private devotional pictures. For Bronzino, art was the imitation of art, not the faithful imitation of nature. This book explains how he borrowed from other art forms, notable sculpture, and it looks at the relationship between the artist's paintings Biographie: Maurice Brock est ancien élève de l'Ecole Normale Supérieure, agrégé de lettres classiques, il est docteur d'Etat en histoire de l'art. Actuellement professeur d'histoire de l'art moderne au Centre d'Etudes Supérieures de la Renaissance de l'université de Tours, il est l'auteur de nombreux articles sur la peinture italienne des XVème et XVIème siècles.

En 1506, un groupe statuaire antique montrant le prêtre troyen Laocoon et ses deux fils attaqués par des serpents est exhumé à Rome. Si les conséquences à l’échelle européenne de cette découverte ont abondamment été étudiées, l’une de ses toutes premières répercussions dans la ville même de son exhumation reste méconnue parce qu’elle prend une forme inattendue. On la doit à un jeune peintre, entré au service du pape en 1508 : Raphaël. Dans quelques-unes de ses Madones, le peintre reprend la posture, le port de tête et parfois même la bouche ouverte du prêtre troyen et les adapte à l’Enfant Jésus. Tout en veillant à conserver la trace de certaines caractéristiques de l’antique comme la morsure au flanc droit, il introduit de nombreuses transformations : métamorphose d’un adulte en bébé, adoption d’un point de vue oblique, retournement gauche-droite, changement de position de certains membres. Il permet ainsi à un spectateur attentif de reconnaître le prestigieux modèle antique sous les modifications qui le dissimulent et ouvre la voie à divers peintres qui, à leur tour, imitent le Laocoon dans leurs Madones. À travers ces reprises et transformations, ce livre montre comment Raphaël combine ressemblances et différences de façon à rivaliser non seulement avec les sculpteurs antiques, mais aussi avec son contemporain Michel-Ange. L’imitation tourne dès lors à l’émulation : l’Enfant Jésus en Laocoon tel qu’il est pratiqué à Rome, puis à Florence et à Sienne durant les premières décennies du XVIe siècle fournit à l’historien de l’art un excellent observatoire pour examiner comment l’imitation s’exerce concrètement et comment elle s’articule avec la copie et avec l’émulation.

Beauté, jeunesse, blondeur, clarté du teint, émotivité, amour du Christ. Dans la peinture de la fin du Moyen Age et de la Renaissance, ils partagent ces quelques points communs et de nombreux autres. Parfois, ils se ressemblent même jusqu?à la confusion. Pourtant, ils sont trois personnages bien distincts de l?histoire sainte. Deux se conjuguent au féminin. L?une est la Vierge Marie, la plus parfaite d?entre toutes. L?autre est Marie Madeleine, l?incarnation de la pénitence. Le troisième est un homme, celui que Jésus aimait : Jean. On connaît l?androgynie de l?apôtre dans la fameuse Cènede Léonard de Vinci pour le couvent milanais Santa Maria delle Grazie (1494-1498) : les longs cheveux, les doigts délicats ont fait dire ? à tort ? à quelques-uns qu?il s?agissait d?une femme, sans doute de Madeleine. Il ne peut pas en être ainsi. De toute façon, même quand les deux personnages sont présents dans l?image, cette ressemblance est récurrente. Mieux encore, elle s?élargit à la Vierge Marie. Comment, dès lors expliquer les répétitions visuelles (posture, couleur, expression faciale) qui unissent ces personnages et qui viennent contredire l?exigence de variété des traités de peinture, depuis Alberti (ca 1435) jusqu?à Lodovico Dolce (1557) ? Les Lamentations (ou déploration) italiennes autour du Christ mort sont au fondement de cette enquête iconographique. Au croisement de l?histoire de l?art et de l?anthropologie, cette étude, ancrée dans le contexte historique, religieux et liturgique portant sur l?ensemble de la période qui va de la fin du XIII e siècle à la fin du XVI e siècle, comble une lacune historiographique concernant ce thème. De plus, elle constitue une réflexion approfondie sur la répétition et la ressemblance dans la peinture religieuse, autant à l?échelle de l?image, que du réseau figuratif tout entier.