Violences sur les scènes allemandes

La scène se fait paysage, la scène se fait voix, elle fait appel au spectateur. A l'heure des dé- et reconstructions de la scène, il importe de répondre à l'appel du poétique au théâtre pour en reconnaître les signes et les développements. Ces métamorphoses de la scène en poème, ou du poème en théâtre, tiennent parfois à la langue, sans qu'il soit aisé néanmoins de les rattacher aux poésies dramatiques antérieures. Il arrive aussi que les langages propres à la scène produisent des impressions poétiques. Peut-il cependant y avoir une poésie silencieuse ? Et quelle est la part de la performativité dans le poétique théâtral ? En tous les cas, il invite le spectateur à y répondre poïétiquement et pose la question d'une pensée poétique développée par le spectateur. Les auteurs tentent de répondre à ces interrogations aux croisements d'enjeux complexes, transcendant aussi bien les genres littéraires qu'artistiques, en se situant du point de vue de la réception, de la production, ou de l'un et de l'autre.

Des théâtralités spéculatives invitent les spectateurs à questionner des concepts et des comportements. Leur tentative d'approcher des objets de pensée est visible, elles se montrent comme expérimentations et sont de ce fait autoréflexives. Mais cela suffit-il à faire penser les spectateurs ? Et à les toucher par la pensée ? Ce livre revient sur deux vecteurs qui permettent sans doute de le faire. D'une part les spectacles étudiés dans ce livre naissent d'une crise critique et la répercutent. Abdiquant de l'idée de se saisir des comportements de pensée avec assurance, ils usent d'autre part d'une langue singulière, et développent un " dire poétique " . Les textes s'ouvrent et appellent les spectateurs à s'engager sur une scène de la pensée suspendue. Un tel usage du langage ménage la possibilité d'une résonance, apte à dépasser certaines formes d'aliénation contemporaine telles que les définit Hartmut Rosa. Elle tend à faire des objets critiqués des " objets qui nous sont chers " (Latour). Au-delà des concepts, les spectacles appellent ainsi les contemporains à se pencher sur " ce qui les fait penser " (Stengers). Ils fraient la voie à des modes de dire et de faire sens profondément relationnels, ancrés dans une expérience partagée, dont nous avons peut-être urgemment besoin en ces temps de virtualisation du sensible, du sens et des relations.

Comment le théâtre peut-il répondre politiquement à la crise climatique ? Cet ouvrage présente diverses réponses et réfléchit sur des impacts possibles du théâtre.L'urgence climatique impose au théâtre la réflexion sur les changements à opérer et les formes d'engagement à développer. Elle amène des établissements et des compagnies à transformer, parfois radicalement, leur modèle de production. Des spectacles interpellent également les spectateurs-citoyens, invités à l'action selon des modalités très diverses. Les artistes cherchent à infléchir l'appréhension de la réalité et de l'action, à promouvoir l'écologisation de la culture et remettent ainsi en jeu l'acception de cet art profondément anthropocentrique que reste le théâtre. À l'aune de ces expériences, cet ouvrage interroge l'expérimentation des enchevêtrements écologiques sur la scène, le potentiel transformateur des émotions et de l'imagination, ainsi que la place donnée au tragique et à la pensée critique. Éliane Beaufils est maîtresse de conférences HDR en études théâtrales à l'université Paris 8. Depuis la fin de ses travaux sur les nouvelles théâtralités critiques (Toucher par la pensée, Paris, Hermann, 2021), elle se dédie à des recherches sur les théâtralités de l'Anthropocène. Climène Perrin est artiste au sein du collectif Secteur in.Verso, militante écologiste et doctorante en études théâtrales à l'université Paris 8 Vincennes-Saint-Denis. Elle prépare une thèse sur le travail d'artistes contemporain·es qui se saisissent de l'actualité écologique et repensent leurs pratiques.

Depuis la fin du XXe siècle, les arts de la scène ont multiplié les expériences de partage que ce soit par la participation. l'immersion, l'interaction, ou des spectacles aux messages troubles qui se dérobent à une narration linéaire et close, a la figuration et à l'identité. Induisant des mouvements de sens en commun, quoique non communs, ces spectacles contemporains rejoignent à maints égards l'aspiration du philosophe Jean-Luc Nancy à promouvoir " l'être-ensemble ". Ce concept-clé de Nancy renvoie à la nécessité de repenser le commun. Cherchant à éviter des pensées déterminatrices de la communauté, il conçoit l'être-ensemble comme une dynamique sans achèvement, un mouvement de sens qui se nourrit de tous les échanges. Ce mouvement est d'abord partage, et lieu de la question. Quand les scènes présentent des dispositifs ouverts, elles ne cherchent pas à transmettre un sens de façon autoritaire ni marne simplement à " activer " le public. Elles deviennent ainsi le lieu d'une mise en jeu de soi, de questions. de gestes. Elles performant un être-ensemble. La nature de ces échanges varie néanmoins d'un spectacle a l'autre : elle n'est pas simplement sémiologique, performative ou participative, mais complexe. Les études rassemblées dans cet ouvrage tentent de sonder les vecteurs de sens, les terrains du partage sensible et les rapports intersubjectifs induits par les dispositifs théâtraux. Elles analysent la dimension réflexive et autoréflexive de ces relations qui stimule le partage... autant qu'elle l'empêche d'aboutir.