Le relief, au croisement des arts du XIXe siècle

Que signifie, dans les discours sur l'art qui traversent le XIXe siècle, jusqu'à la mise en cause de la figuration, au XXe siècle, la constante référence au canon de proportions ? Pourquoi cette ambition normative revient-elle avec force, du néoclassicisme à Le Corbusier ? Art, proportions, science et métaphysique semblaient pourtant avoir été fixés depuis la Renaissance dans un équilibre stable. Mais, au XXe siècle, les termes de cet édifice changent. L'idée de canon resurgit avec une particulière acuité, au moment où le système de représentation connaît dans l'art occidental des remises en cause profondes. Voyageant à travers l'extraordinaire floraison de théories de proportions et les surprenantes rêveries auxquelles elles donnent lieu, Claire Barbillon montre comment la question du canon participe directement d'une réflexion sur la création artistique et annonce le passage à l'abstraction. Claire Barbillon a été pensionnaire à l'Institut national d'histoire de l'art, puis maître de conférences, à l'université Bordeaux-III-Michel-de-Montaigne. Elle est directrice des études à l'École du Louvre.

Les guides des Arts deviennent les guides Hazan ! Que voit-on ? Comment se sont élaborés les différents types de sculpture ? Comment voit-on ? Comment s'exprime le sculpteur ? A quoi sert la sculpture ? Où contempler des oeuvres sculptées ? Qu'en a-t-on dit ? L'objectif de ce livre n'est pas de proposer une histoire générale de la sculpture, mais de fournir plutôt au lecteur - étudiant, amateur, curieux, érudit - des clés pour améliorer son regard et sa compréhension des oeuvres, en acceptant le défi d'embrasser un millénaire de sculpture dans la sphère culturelle occidentale. Art de l'espace, art du temps, à l'instar de la musique, la sculpture est un objet d'étude qui se laisse difficilement saisir. Il faut en faire le tour, multiplier les points de vue, se déplacer, être capable d'envisager une combinatoire extrêmement complexe de qualités formelles, traverser mille ans d'histoire et de styles. Huit chapitres proposent autant de chemins pour regarder la sculpture : par les lieux, les techniques, les formes, les conditions de présentation et de perception, les thèmes et les sujets, les styles dans leurs constantes récurrentes, les usages et les fonctions, et enfin les textes interprétatifs, littéraires ou poétiques. Cet ouvrage invite à redécouvrir le "rôle divin de la sculpture", comme l'écrivait Baudelaire dans son Salon de 1859, grâce à la maîtrise des outils pédagogiques essentiels.

A l'aube du XXe siècle, l'aventure de l'art moderne ressuscite un passé enfoui, celui de la Grèce la plus antique. Torse de Pallas, Apollon au combat, Héraklès archer, Pénélope, Le Centaure mourant... Antoine Bourdelle impose la force d'un travail qu'il veut "net, dépouillé et sans nuance". Décontenancée par la beauté "archaïque" de cette sculpture, la critique dénonce "un retour à l'idole du sauvage". Mais ce retour à l'origine inscrit Bourdelle au coeur des recherches plastiques les plus audacieuses de son temps, après celles de Puvis de Chavannes, Cézanne, Rodin, celles de Maillol, Denis, Matisse, Modigliani, Zadkine, jusqu'aux ruptures stylistiques de Picasso, Laurens et Lipchitz. Dans le laboratoire de l'archaïsme moderne des années 1890-1920, cet ouvrage rend à Bourdelle la place qui lui revient : l'une des premières.