Henri Roorda. En vers, en prose et contre tout

Où va l'autobiographie ? Alors qu'elle évolue entre les genres, entre les cultures et les langues, ainsi qu'entre les nouveaux moyens de capter et d'archiver la vie, on remarque qu'elle constitue plus que jamais un lieu d'expérimentation et d'innovation pour les auteurs d'expression française. Cet ouvrage se propose dès lors d'examiner plusieurs des formes d'écriture de soi qui ont marqué ces dernières décennies. Parcourir des oeuvres d'auteurs et de cinéastes reconnus avec des spécialistes de l'autobiographie, c'est se donner une chance de saisir certaines évolutions et de mesurer la vitalité d'un genre pour lequel l'intérêt critique et populaire n'a fait que croître depuis les premiers travaux de Philippe Lejeune (qui signe l'arrière-propos de ce volume) dans les années 1970. On trouvera ici des contributions de chercheurs qui répondent au commun désir de développer de nouveaux cadres théoriques permettant d'apprécier à sa juste valeur la remarquable diversité de la production autobiographique contemporaine.

Henri Roorda, maître de mathématiques lausannois d'origine hollandaise (1870-1925), à ses heures journaliste, conférencier, essayiste et auteur dramatique, parfois sous le pseudonyme de Balthasar, n'a cessé d'écrire sur l'école. Son premier article, en 1898, doit beaucoup à son contact privilégié avec le célèbre géographe français et théoricien de l'anarchisme Elisée Reclus, auteur en 1886 d'une brochure influente intitulée "? L'avenir de nos enfants ? ". Mais Roorda se démultiplie ensuite pour défendre et préciser ses vues sur l'école ? : il rédige des manuels officiels d'arithmétique et de mathématiques (un pensum ? ! ), donne des conférences et livre des dizaines de chroniques aux grands quotidiens suisses romands (1917-1925)? ; en 1910, il participe à la création de l'Ecole Ferrer de Lausanne, petite école libertaire destinée aux enfants d'ouvriers, dont il écrit la "? Déclaration de principes ? ". Paru en 1917, son premier pamphlet pédagogique, Le pédagogue n'aime pas les enfants, connaît un grand retentissement. Et contrairement à ce quil craignait en 1925 dans le second, Avant la grande réforme de l'an 2000, ses textes sur l'école n'ont pas "? sombré, comme beaucoup d'autres ouvrages, dans l'océan des imprimés ? ". Lire les écrits pédagogiques de Roorda aujourd'hui, c'est se demander, derrière les grands principes, ce qu'on apprend dans nos écoles. Et pourquoi ?? Et comment ?? Le souhait que Le pédagogue n'aime pas les enfants figure obligatoirement parmi les lectures de tous les enseignants en formation a déjà été formulé. Cette édition fait mieux qui réunit pour la première fois les deux essais pédagogiques de Roorda et leur ajoute un choix de chroniques humoristiques par lesquelles il a pu rire, avec un large public, des défauts de l'Ecole.

L'expression "bourrage de crâne" existait déjà avant. Mais c'est surtout après le 1er août 1914 qu'elle est devenue populaire. Il ne faut pas s'en étonner. La guerre est un phénomène qui permet mieux que tous les autres de constater le pouvoir trompeur des mots (des mots qu'emploient les personnes de bonne foi, et les farceurs). Je m'expose moi-même, en parlant de la guerre, à tromper certains lecteurs naïfs ; car j'ai incontestablement un parti pris : je suis foncièrement et rageusement pacifiste. Mais j'ai, du moins, la ferme intention de mesurer mes paroles.

Ce nouveau « guide des arts » se propose d'illustrer les liens que l'art des sons entretient depuis toujours avec l'histoire des civilisations, au travers d'un vaste répertoire d'images liées à l'univers de la musique. La première partie proprement iconographique comporte quatre sections. La première section d'entre elles analyse le rôle de la musique dans un langage symbolique qui s'efforçait de traduire en image des signifiés de nature philosophique et conceptuelle. La distinction entre l'aspect théorique de la musique et ses modes d'interprétation, élaborée par la philosophie grecque et précisée par les théories néoplatoniciennes, est ainsi transposée en images qui visualisent le concept d'« harmonie des sphères ». En revanche, lorsqu'elle est associée à des thèmes comme les âges de l'homme et l'amour, la musique marque des moments essentiels de l'existence et révèle son pouvoir de guérir, d'unir et de participer à la création ou au rétablissement de l'harmonie. Dans le même temps, la présence d'instruments de musique silencieux, associés à des livres, des fleurs et à des objets d'une rare beauté, résume le concept de vanitas et souligne la disparition à laquelle est vouée tout l'univers tangible. La seconde section explore le rapport de la musique avec les mythes classiques. L'analyse des personnages d'Apollon et des neuf Muses met en évidence l'opposition entre les harmonies de l'un et les rythmes effrénés associés au cortège de Dionysos. Inversement, des personnages comme Ariane et Orphée, véritables incarnations de la musique, représentent la capacité de la poésie et de l'art des sons à défier la mort et à dépasser les barrières. La troisième section réunit les principaux sujets religieux dans lesquels la musique occupe une place essentielle, en traduisant par exemple les harmonies paradisiaques ou les dissonances infernales. La musique trouve en outre une transposition visuelle dans l'iconographie de David et dans la place considérable occupée par les concerts des anges. Bien que les instruments de musique soient souvent reproduits avec fidélité, il ne faut pas perdre de vue que ces orchestres comportent un certain degré d'abstraction et que les artistes travaillent souvent de mémoire ou se contentent de reproduire des modèles sans trop se soucier de l'exactitude des détails qui y figurent. Sainte Cécile joue un rôle fondamental dans le domaine de l'hagiographie. Souvent représentée sous les traits d'une chanteuse céleste ou d'une musicienne, elle est accompagnée par des anges qui tiennent les partitions ou qui composent les formations vocales et instrumentales les plus diverses. La quatrième section est consacrée à l'exécution de la musique, qui est depuis toujours associée aux circonstances de la vie humaine, des plus solennelles aux plus intimes. L'iconographie identifie et limite souvent les lieux propices à la musique : églises, théâtres ou salles de concert, environnement champêtre destiné à des idylles bucoliques ou simples routes de campagne, où triomphent les musiciens ambulants. Par delà le rôle de la musique dans les différents systèmes d'éducation, c'est l'importance du fait même de faire de la musique qui est analysée. La permanence d'éléments allégoriques hérités de la Renaissance est de plus en plus souvent associée à une véritable pratique d'exécution, encouragée par une iconographie attentive à la précision des instruments de musique. La seconde partie de l'ouvrage est consacrée à l'iconographie des principaux instruments de la tradition musicale occidentale, des civilisations grecques et romaines à nos jours. A côté d'informations sur la genèse et l'évolution des instruments dans un contexte historique et dans une esthétique musicale donnés, nous avons voulu présenter des oeuvres d'arts où le rapport entre l'iconographie et l'organologie était déjà évident. Décrire les instruments suppose l'identification, la comparaison avec des modèles conservés dans les musées et décrits dans les traités de l'époque, ainsi que la reconnaissance de particularités de fabrication. Une telle analyse permet de répondre aux questions qui se posent sur l'apparition ou inversement la disparition de tel ou tel instrument. Elle aide aussi à mieux cerner leur évolution, à confirmer certaines techniques de son et les critères de formation d'un ensemble instrumental. Nous présentons aussi des oeuvres qui illustrent la part faite à certains instruments de musique par l'art contemporain, en les reproduisant ou en les introduisant directement dans des circuits de nature conceptuelle et interprétative.