Madrid mis en scènes

Résumé : Cet ouvrage ne cherche pas seulement à rendre compte des évolutions de la capitale espagnole à partir de l'étude des innombrables films espagnols qui en ont fait leur décor. Son objectif est, avant tout, de comprendre comment les cinéastes ont su s'emparer de Madrid comme espace référentiel pour réinventer une ville selon leurs désirs et leurs rêves. Il s'organise donc selon trois temps qui correspondent aussi bien pour l'Espagne, pour Madrid que pour l'histoire du cinéma espagnol, à trois étapes assez nettement identifiables : la dictature franquiste, le processus d'instauration de la monarchie parlementaire, puis la consolidation de la démocratie. L'étude adopte une double approche diachronique et synchronique : diachronique parce qu'il s'attache à montrer comment les représentations de Madrid ont évolué dans le temps ; synchronique parce qu'il montre que ces évolutions ne sont pas contradictoires avec la permanence d'un certain nombre de thématiques ou de problématiques. Madrid est perçu à la fois comme un espace, social, politique ou symbolique et comme le théâtre de tensions et d'oppositions (tradition/modernité, monde rural/monde urbain, centre/périphérie...) qu'il convient d'identifier.

Bien que méconnu du public français, Vicente Aranda jouit au-delà des Pyrénées d'une reconnaissance qu'il doit à la sincérité et à la singularité de son œuvre. Le présent ouvrage interroge une filmographie riche d'une vingtaine de longs métrages, qui fait la part belle aux personnages féminins et se donne à voir comme une chronique de l'Espagne de ces soixante dernières années. Il engage, par ailleurs, une réflexion sur une instance du récit souvent délaissée par la critique, le personnage au cinéma, lieu de rencontre, passerelle entre le réalisateur qui l'invente, le comédien qui l'incarne, le spectateur qui le recrée. La démarche proposée est suggérée par l'œuvre elle-même, qui fait de la représentation du corps un enjeu primordial et témoigne de la fidélité exemplaire de son auteur à l'égard d'une actrice qu'il découvrit et fit jouer à neuf reprises : Victoria Abril.

Résumé : Capitale d'une Catalogne en effervescence permanente, ville des avant-gardes, Barcelone est célèbre pour les constructions emblématiques de Gaudí, pour les débuts révolutionnaires de la peinture de Picasso, tout comme pour son éternel esprit de résistance à tout autoritarisme. Les cinéastes ont décrit les soubresauts et les luttes qui ont marqué l'histoire de la ville, mais aussi les joies, les plaisirs et la douceur de vivre qu'elle recèle. Parmi ceux-ci on retrouve Antonioni, Loach, Klapisch, Allen, Inarritu, Saura et, bien sûr, Almodóvar.

Dans l'Espagne des années soixante et jusqu'au début des années soixante-dix, l'Ecole de Barcelone fédère de jeunes réalisateurs qui ont pour noms Vicente Aranda, Joaquin Jorda, Gonzalo Suarez, Jacinto Esteva, Carlos Duran, Ricardo Bofill, José Maria Nunes ou Pere Portabella. Les unissent une même détestation du franquisme et un même désir de libérer le cinéma espagnol des carcans institutionnels et esthétiques qui l'étreignent. Ce mouvement, dont l'émergence coïncide avec une renaissance des arts en Catalogne, naît en réaction à un état de crise du cinéma espagnol, pour une part compromis avec la dictature, pour l'autre enlisé dans le réalisme social. Mais il plonge aussi ses racines dans le terreau fécond d'une modernité qui traverse le siècle et dont il entend perpétuer les postulats esthétiques et éthiques. Bien qu'éphémère, l'Ecole de Barcelone aura marqué les esprits. Elle aura été le laboratoire d'une expérimentation esthétique probablement sans précédent dans l'Histoire du cinéma espagnol. Elle correspond à l'un de ces rares moments de l'Histoire où la quête de modernité et le désir d'expérimenter furent portés par un élan collectif. Encouragée dans son audace par la découverte du néoréalisme italien et de la Nouvelle Vague française, l'Ecole de Barcelone a prétendu, à son tour, réinventer le cinéma.