Classic Art. An Introduction to the Italian Renaissance

Résumé : "L'espace intérieur de la Renaissance est calculé pour que l'homme le maîtrise, pour qu'il puisse le combler de son sentiment vital ; dans le baroque, l'homme est englouti par l'espace, la démesure le submerge". Longtemps, le terme baroque fut employé pour décrire le style en lequel la Renaissance se serait désintégrée. Renaissance et baroque est le premier ouvrage d'histoire de l'art à envisager les choses autrement et à démontrer que le baroque, loin d'être réduit à une dégénérescence, relève au contraire d'une esthétique propre. Pour définir ses valeurs formelles, le jeune Heinrich Wölfflin - celui-là même qui deviendra l'un des plus grands théoriciens de l'art du 'axe et du début du XXe siècle - va les opposer à celles du classicisme de la Renaissance. Il compare ainsi les oeuvres des maîtres tels que Bramante, Raphaël, Peruzzi, Sangallo, Michel-Ange, Vignole, Della Porta, Maderna, et s'appuie sur des exemples romains, là "où on savait le mieux ce qu'est une forme rigoureuse", là aussi où eut lieu "la transformation la plus complète et la plus radicale de la Renaissance". A travers l'évolution des styles et des goûts dans la peinture et la sculpture, mais surtout dans l'architecture des églises, palais, villas, fontaines et jardins, c'est l'expression de l'état d'âme de la société italienne des XVIe et XVIIe siècles qui est ici révélée. Une éblouissante leçon d'histoire de l'art.

Il y a dans l'art une évolution interne de la forme. Quelque méritoires que soient les efforts pour mettre l'incessant changement des formes en rapport avec les conditions changeantes du monde ambiant, et si indispensables que soient le caractère humain d'un artiste et la structure sociale et mentale d'une époque pour expliquer la physionomie d'une oeuvre d'art, il ne faut tout de même pas oublier que, selon les possibilités les plus générales, l'art ou, pour mieux dire, l'imagination créatrice de formes, a une vie et une évolution qui lui sont propres". Heinrich Wölfflin

Longtemps, l'histoire de l'art a consisté en l'analyse des symboles, des sujets, des biographies d'artistes. Heinrich Wölffin, avec Principes fondamentaux de l'histoire de l'art, initialement paru en 1915, a radicalement changé la façon de regarder les oeuvres. Il va ériger une véritable discipline dotée d'une méthode rigoureuse basée sur le comparatisme. S'appuyant sur la période des XVIe et XVIIe siècles, aussi bien en Italie qu'en Europe du Nord, il confronte des oeuvres représentatives de la Renaissance et du baroque en fondant sa démonstration sur cinq couples de catégories : le passage du linéaire au pictural, le passage des plans parallèles à la profondeur, le passage de la forme fermée à la forme ouverte, le passage de la pluralité à l'unité et de la clarté absolue à la clarté relative des objets présentés. En étudiant tableaux historiques ou religieux, peintures de paysages, portraits ou natures mortes, Wölffin entend bien "faire parler les contrastes" entre deux types, saisir les transformations, les styles et, plus largement, révéler une époque et sa conception du monde.