David Bowie : l'avant-garde pop

Si SonicYouth débute sa carrière au coeur du post-punk new-yorkais, il s'affranchit de cet héritage en publiant en trente ans dix-sept albums aux esthétiques variées, du noise aux expérimentations raffinées, sans pour autant renier une tradition rock faite de guitare, basse et batterie. En signant avec une major au début des années quatre vingt-dix, Thurston Moore, Kim Gordon, Lee Ranaldo et Steve Shelley s'aventurent vers de nouveaux horizons, prennent sous leurs ailes des artistes comme Nirvana ou Liars et font découvrir leurs influences à un large public : l'écrivain William S. Burroughs, l'artiste Mike Kelley ou encore le cinéaste David Markey. A travers l'étude de la discographie du groupe, Sonic Youth présente l'utopie no wave à grande échelle : exposé dans les galeries d'art, le quartet continue de jouer un rock viscéral où les frontières entre improvisation et chanson n'existent plus.

Le double LP du trompettiste et compositeur de jazz Miles Davis Bitches Brew - littéralement brouet de salopes, avec un jeu de mot en résonance avec l'expression Witches Brew, la potion de sorcières -, sorti en 1970, marqua une rupture dans l'histoire du jazz et dans celle du rock ainsi que l'avènement d'un genre nouveau, le jazz rock ou fusion. Miles Davis a su tout au long de sa carrière s'affranchir des codes, renouveler ses champs d'expérimentations. La tournure rock et psychédélique prise dans Bitches Brew avait déjà été amorcée dans ses albums précédents, In A Silent Way notamment. Mais c'est Bitches Brew qui véritablement parvient à métisser les textures et les influences. Fruit de la collaboration entre Miles et le producteur Teo Macero, dont le nouveau langage musical non-instrumentiste influencera lui-même des générations de musiciens électroniques et rap, fruit aussi de la découverte qu'a faite Miles peu auparavant des musiciens noirs américains de rock et de soul, en première ligne desquels Jimi Hendrix, Bitches Brew est une vraie révolution.

Ziggy Stardust, Aladdin Sane, le Thin White Duke, et l'icône glam, la star eighties peroxydée, le réfugié berlinois. David Bowie est là, quelque part, irréductible à l'une ou l'autre de ces apparitions, premier artiste pop à avoir considéré la métamorphose comme un moteur systématique de la création. Avec ces masques bien plus intimes que leur sophistication ne pourrait le laisser entendre, c'est toujours un chanteur qui s'exprime, publiant une quantité de disques majeurs pour l'époque, classiques aujourd'hui. Derrière les albums se cachent le travail avec des collaborateurs visionnaires : Tony Visconti, Mick Ronson, Brian Eno, le choix de musiciens capables d'expérimentations audacieuses, la production de chefs-d'oeuvre pour Iggy Pop et Lou Reed, et, surtout, une écriture musicale portée par la plus haute exigence. Ne s'attardant pas sur les mythes et légendes, Matthieu Thibault propose ici un regard neuf, distancié et critique sur l'intégralité de la discographie de Bowie, analysant dans leurs moindres détails les compositions, les interprétations, les techniques d'enregistrement à l'oeuvre. Se dessine alors le plus fidèle portrait que l'on puisse imaginer de David Bowie, dans un personnage trop souvent oublié: celui de musicien.