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Les Nabis, parmi lesquels Pierre Bonnard, Edouard Vuillard, Maurice Denis et Félix Vallotton, sont connus pour avoir révolutionné l'estampe en une décennie, à la fin du XIXe siècle. Un véritable âge d'or de l'estampe originale que la Bibliothèque nationale de France a choisi de mettre en valeur dans une exposition dédiée, s'appuyant sur ses collections exceptionnelles. Les Nabis forment une communauté d'artistes liés par une amitié très forte qui vont cheminer ensemble à la fin du XIXe siècle, avant de prendre des directions artistiques différentes. Sur une décennie, ils vont écrire une des plus belles pages de l'histoire de l'estampe originale en créant de nombreuses planches autonomes ou rassemblées en albums, sous l'impulsion d'éditeurs et de marchands novateurs, tel Ambroise Vollard. Leurs cadrages audacieux, associés à un usage inédit de la couleur, sont mis au service de la modernité des sujets abordés, que ce soit dans les scènes d'intérieur, les paysages ou les tableaux parisiens. Ils conçoivent l'estampe comme un élément de décoration accessible au plus grand nombre : leur production s'inscrit ainsi dans un désir d'intégrer l'art à la vie quotidienne en abolissant la frontière entre beaux-arts et arts décoratifs. Explorant les ressources de la lithographie en couleurs, à l'exception de Félix Vallotton et d'Aristide Maillol qui s'emparent de la gravure sur bois de fil, ils créent aussi bien des estampes artistiques que des affiches, des illustrations pour des revues (La Revue Blanche) ou des livres de bibliophilie (Parallèlement de Verlaine, illustré par Pierre Bonnard et Sagesse de Verlaine, illustré par Maurice Denis), des programmes de spectacle, des partitions de musique et des objets d'art décoratif (paravents, papiers peints, éventails...). C'est cette foisonnante variété de supports et de techniques que viennent illustrer près de deux cents oeuvres principalement issues des collections de la Bibliothèque nationale de France, auxquelles s'ajoutent des prêts extérieurs d'exception (Musée d'Orsay, Bibliothèque de l'Institut national d'histoire de l'art, Musée Maurice Denis de Saint-Germain-en-Laye, Musée Van Gogh d'Amsterdam).

Et si la véritable question n'était pas : " Faut-il (ou non) manger des animaux ? " mais : " Pourquoi les exploitons-nous ? " Depuis des siècles, la pensée occidentale a hissé l'humain au sommet : maître de la Nature et du vivant, des territoires et des destins animaux. Cette colonisation du vivant a façonné nos lois, nos fermes, nos laboratoires, nos récits, jusqu'à nos gestes les plus ordinaires. Pourtant, d'autres peuples voient le monde autrement. Ils savent que la Terre n'appartient à personne, que l'animal n'est pas seulement une ressource, mais d'abord une présence, une relation, une existence sensible et que nous devons composer avec lui parce que nous vivons avec lui. Dans cet essai, Cédric Sueur explore les racines de cette domination et propose une révolution du regard : décoloniser notre rapport au vivant. Décoloniser les animaux, c'est apprendre à les voir autrement : non plus comme des objets d'usage, mais comme des partenaires de monde. C'est reconnaître la conscience, la mémoire, la joie et la souffrance de celles et ceux avec qui nous partageons la Terre. Un essai engagé et lumineux qui invite à réparer nos imaginaires et à refonder nos pratiques, pour rappeler cette évidence simple : Nous faisons monde ensemble, avec les animaux et avec les autres êtres vivants.

Michelangelo Buonarroti (1475 - 1564) est un des titans de la Renaissance italienne. Son oeuvre, d'une énergie sans pareille ne cesse de nous fasciner. A travers le contexte historique, les grandes thématiques de l'artiste (anatomie, architecture, néo-platonisme, spiritualité) et ses oeuvres (La Bataille des Centaures, le David, le Jugement dernier de la chapelle Sixtine, la chapelle Pauline...), l'auteur de l'ABCdaire nous conte sa vision d'un artiste capable de tous les genres (peinture sculpture, mais aussi dans les trente dernières années de sa vie, architecture et poésie), hanté par une seule vision de grandeur et de beauté, et qui laisse transparaître dans chacune de ses créations, d'une qualité unique, le message d'un même monde supérieur et caché. Mais on découvre surtout, à la lecture de l'ouvrage que l'oeuvre d'art n'est pas pour lui une simple représentation de l'apparence, mais une évocation de la nature essentielle des choses, telles qu'elles sont dans leur essence. Cette conception de l'art a conduit Michel-Ange à une nouvelle notion de l'artiste. Celui-ci n'est plus l'imitateur subordonné à son modèle (la nature), mais un créateur qui dépasse le visible pour réfracter une réalité supérieure à la notre. Un ouvrage essentiel (complété d'une chronologie) pour comprendre cette grande figure de la Renaissance.