Hilma af Klint. Exposition au Grand Palais, du 6 mai au 30 août 2026

La peinture d’avant-garde peut-elle assumer une totale autonomie formelle au risque de faire l’impasse sur la culture de masse  ? Ainsi se pose un des dilemmes du modernisme au xxe siècle. Pour Robert Delaunay (1885-1941), acteur majeur de l’avant-garde, la réponse est sans équivoque  : pressentant la nécessité de ne pas enfermer la  peinture moderne dans une quête anti-illusionniste, il s’emploie à articuler réalisme (mimesis) et abstraction (aisthesis). Précurseur du pop dans L’Équipe de Cardiff en 1913, il est aussi l’un des premiers peintres abstraits de sa génération, avec la série des Formes circulaires conduisant au Disque.L’analyse des sources de L’Équipe de Cardiff (cartes postales, magazines illustrés, affiches, sports, mode, aviation, etc.) et leur inscription dans les débats esthétiques de l’époque montre combien Robert Delaunay réconcilie deux filiations opposées de l’historiographie classique de l’art moderne  : «  peinture pure  » versus «  peinture pop  ». À partir de cette œuvre-manifeste, l’essai de Pascal Rousseau renouvelle l’approche du peintre que l’on cantonne, trop volontiers, à un orchestrateur décoratif de la couleur. C’est sous-estimer les intuitions de sa recherche pionnière sur le statut de l’artiste, de l’image et de l’abstraction à l’ère du consumérisme cosmopolite du premier xxe siècle.Comment Delaunay fait-il entrer dans sa peinture, et partant dans l’art de son temps, la publicité, le culte du muscle, la carte postale et le sens du vertige, comment contribue-t-il à une théorie visuelle du contemporain fondée sur une pensée des médias  ? C’est ce que Pascal Rousseau nous apprend, s’appuyant sur un corpus d’images jamais rassemblées, dans une langue à la fois savante et accessible. 

Figure incontournable de l'avant-garde du e siècle, connu pour le geste iconoclaste du ready-made, Marcel Duchamp a trop vite été lu et interprété comme un artiste de la fin de l'art. Duchamp serait celui qui voulait, selon ses propres mots, "liquider complètement l'art" ou "tourner l'art en dérision". Mais, à le suivre dans ses oeuvres et ses déclarations, on découvre assez vite une autre facette, celle d'un artiste qui, tout en affirmant vouloir ne plus produire d'oeuvres, repense la fonction de l'art à partir de nombreux emprunts à une culture fin-de-siècle croisant anarchisme et symbolisme. S'appuyant pour partie sur les propos de Duchamp lors d'une fameuse conférence de 1957 consacrée au "processus créatif", cet ouvrage examine le poids et la fonction de cet héritage dans lequel Duchamp puise non seulement des modèles (médium, esthète, thaumaturge), mais un esprit de transgression qui annonçait, avant l'heure, une refonte radicale des notions d'auteur et de performance artistique, à grande distance de la démystification de l'art annoncée.

Frantisek Kupka (1871-1957) est l'un des premiers artistes à proposer au public une peinture radicalement abstraite. Il reste pourtant, c'est l'énigme à résoudre, relativement absent des grands récits de la peinture moderne qui lui préfèrent, en général, le triumvirat Kandinsky/Mondrian/Malevitch. Indépendant de tempérament, réfractaire à l'esprit de chapelle, anarchiste dans l'âme, il s'est souvent mis en retrait des classifications et regroupements d'artistes. Tour à tour symboliste et naturaliste, fauve et futuriste avant l'heure, il brouille les pistes, tout en offrant un parcours exemplaire par la fidélité à ses choix. Maître de la couleur, Kupka défend un art abstrait qui ne rompt pas avec la réalité mais inscrit sa quête d'autonomie formelle dans un art de l'observation du vivant. C'est dans cette contradiction apparente que son oeuvre puise toujours son étonnante vitalité.