Phèdre, Racine

Cet ouvrage examine les grandes orientations esthétiques de la mise en scène des pièces de Corneille. Molière et Racine en France depuis les années 1960: il permet de mesurer comment, depuis ces dernières décennies, les metteurs eu scène modifient les traditions d'interprétations des pièce: classiques et les renouvellent en faisant du plateau le lieu des commentaires du texte ou de la société; comment ils louent avec les conventions de représentation, déconstruisent la fiction ou encore redécouvrent ou réinventent la langue du XVIIe siècle.

La vie mondaine a une importance exceptionnelle au XVIIe siècle. Art de plaire et galanterie y déploient leurs trompeuses stratégies, alors que l'être, privé des engagements exaltants qui faisaient sa force dans les années 1630, cherche compensation dans le paraître. Ce livre analyse cette société et rappelle les débats sur l'amour de soi-même, l'honnêteté, la complaisance et la sincérité. Puis il présente Le Misanthrope, une pièce qui est une dénonciation de cette vie mondaine et de ses fausses valeurs d'échange, mais aussi la plus sérieuse des oeuvres de Molière, et la plus complexe, la plus ambiguë. Cela justifie les analyses sociologiques, psychologiques, philosophiques et littéraires auxquelles on se borne habituellement. Mais cet ouvrage part de l'hypothèse que cette pièce, oeuvre d'un dramaturge et d'un acteur, est explicable en partie par les besoins de la scène et du jeu théâtral. Il analyse la composition stratégique d'une intrigue présentée à l'endroit après avoir été composée à l'envers, et il étudie précisément le déroulement du premier acte, puis la logique et les paradoxes dramatiques du dénouement. Il insiste sur le fait que les rôles déterminent les caractères, et tâche de distinguer pour chaque personnage ce qui s'explique par la psychologie de ce qui relève de la dramaturgie et du jeu théâtral. Cela conduit notamment à montrer que Philinte assume deux rôles nettement différents, et à faire de nouvelles hypothèses sur celui d'Alceste.

Finished, it's finished, nearly finished, it must be nearly finished. " Cette phrase d'ouverture d'Endgame illustre bien tout le paradoxe de la pièce, et du théâtre beckettien en général Simulacre de fin, prétexte à une parole qui s'enchevêtre dans sa propre élaboration, spectacle réglé au millimètre par des didascalies aussi envahissantes qu'improbables, l'univers de l'ensemble de Fin de partie est celui d'un monde où plus aucune illusion n'est possible, plus aucune parole n'est plausible. L'expérience du plateau et les enjeux de mise en scène portés par le texte constituent le premier repère central dans le parcours que la pièce impose ses lecteurs, ses spectateurs et ses critiques. La manière dont Fin de partie devint Endgame, dans une traduction assurée par Beckett lui-même, et les choix imposés à la fois par les spécificités des deux langues et par les visées d'un texte de nature avant tout théâtrale constituent le second versant d'étude et d'analyse privilégié par le présent ouvrage, qui mêle donc les analyses universitaires de spécialistes de Beckett et de sa mise en scène, les témoignages et commentaires des metteurs en scène européens et américains et les études des processus d'auto-traduction dans le passage du français à l'anglais, avec l'émergence de référents spécifiquement anglophones, afin de permettre aux étudiants de l'agrégation d'anglais d'aborder la pièce dans toute sa richesse.