Ernest Thompson Seton, portraitiste du monde sauvage

L'Etat de New York occupa, à la fin du xixe siècle, un rôle central dans la croisade nationale pour la cause animale. Afin de sensibiliser la population à la conservation des espèces, les muséums américains repensèrent les collections et les expositions en les rendant populaires et éducatives. L'American Museum of Natural History fut l'un des principaux promoteurs de ces nouvelles images pour l'animal. L'Etat de New York occupa, à la fin du xixe siècle, un rôle central dans la croisade nationale pour la cause animale. Afin de sensibiliser la population à la conservation des espèces, les muséums américains repensèrent les collections et les expositions en les rendant populaires et éducatives. L'American Museum of Natural History fut l'un des principaux promoteurs de ces nouvelles images pour l'animal. Révélant l'importance de médiums mineurs, comme la photographie ornithologique ou la taxidermie, cette histoire du patrimoine scientifique est également celle d'un militantisme fondé sur la beauté du vivant, pour la protection des espèces.

Si le XVIIIe siècle avait développé l?idée du génie comme une faculté possédée ou non par un artiste, c?est véritablement au cours de la première moitié du XIXe siècle que s?opère une redéfinition profonde de ce concept via l?incarnation de l?idée : le poète ou le peintre devinrent ce génie. Cette évolution du terme fut conditionnée par la diffusion du savoir, mais aussi par les bouleversements politiques au lendemain de la Révolution française. La société du Consulat, régime d?origine militaire en quête de pacification, nécessitait d?autres formes de "grandeurs" que les seuls hauts faits militaires ; la figure de l?artiste d?exception répondait parfaitement à ce nouveau type de modèles glorieux et intégrait de fait les murs du Salon, les carrefours, où les pages des revues illustrées. L?objet du présent ouvrage est ainsi d?identifier les différents codes de représentation permettant de rendre compte du caractère exceptionnel de l?artiste figuré. Depuis l?Antiquité, la solution la plus fréquemment choisie était le recours à l?allégorie, ou à la muse, afin de symboliser la discipline dans laquelle l?artiste s?illustrait. A partir du XIXe siècle, la personnification du génie devait nécessairement rénover cette tradition ainsi que celle, plus générale, de l?image de l?artiste. Il s?agit donc dans cet essai de discerner les typologies de représentation mises au point par les artistes de la génération romantique pour susciter la vénération des génies anciens et présents par la peinture et l?estampe populaire. Dans une approche pluridisciplinaire, l?impact visuel des théories artistiques, mais aussi politiques, sociales, philosophiques, ou même médicales du temps sont autant de pistes empruntées afin de décrypter l?émergence des mythes usuels associés à l?esprit créateur tels la précocité de l?artiste, son amour inconditionnel de la grâce, la souffrance intérieure ou la légendaire folie de l?artiste.

Sculpteur et statuaire de renom, Pierre Jean David dit David d'Angers (1788-1856) a illustré avec brio l'esprit de son époque à travers des genres variés: monuments, tombeaux, statues, bustes médaillons et bas-reliefs. Dans les années 1830, il entreprend de préserver pour la postérité les traits des "grands hommes" de la monarchie de Juillet, politiques, savants, hommes de lettres et artistes, en une galerie de médaillons sculptés. Défile ainsi la société romantique: Chateaubriand, Géricault, Goethe rencontré à Weimar, l'historien Michelet, la famille Hugo, l'anatomiste Cuvier, Honoré de Balzac, le chimiste Chevreul, George Sand, et quelques portraits rétrospectifs, comme le Bonaparte échevelé qui modèle autant qu'il illustre la légende napoléonienne. Inspiré par la physiognomonie et la phrénologie, David d'Angers fait du visage une composition dont chaque détail prétend traduire scientifiquement le caractère, l'âme et la vérité du sujet. En 1844 le sculpteur, fait don au cabinet des médailles de ses originaux en plâtre "brillants de vie et de génie" et des moules utilisés pour leur confection.

Delacroix à la mode. Ingres moins en faveur", constate Maurice Denis soixante-dix ans après la disparition d'Eugène Delacroix. Acteur majeur de la postérité de Delacroix durant l'entre-deux-guerres, Denis appartient à la première génération d'artistes à avoir eu accès dès sa jeunesse aux écrits du maître, avec la première publication de ses lettres, puis celle de son Journal en 1893. Le peintre-écrivain fut même un modèle pour lui, notamment pour ses propres écrits théoriques, ce qui lui fait déclarer en 1931 : "Je me connais en Delacroix". Membre fondateur et président de la Société des amis d'Eugène Delacroix créée en 1929 pour sauver l'atelier du maître de Saint-Sulpice, place de Fürstenberg à Paris, Denis occupe ensuite le premier poste de conservateur du musée inauguré en 1932. Considérant ce statut comme une mission, il prend par conséquent à maintes reprises la parole et la plume pour propager son admiration. Le présent ouvrage propose une anthologie des textes de Denis sur Delacroix, manuscrits, conférences et articles rédigés essentiellement dans les quinze dernières années de sa vie. Denis y brosse un portrait personnel de Delacroix, différent de l'historiographie usuelle. Si Paul Signac avait fait de Delacroix un jeune révolutionnaire précurseur du néo-impressionnisme, Denis dévoile un artiste mature devenu "classique", un dessinateur, un décorateur, et un peintre religieux, en somme, un autoportrait encreux.