Les avant-gardes artistiques (1918-1945). Une histoire transnationale

Une histoire des avant-gardes est d'abord celle d'un univers culturel d'où elles se dégagent par leur refus ou leur entreprise de rénovation. Il ne peut y avoir d'intelligence des avantgardes sans une histoire des goûts dominants, des normes institutionnelles, des réseaux de formation, des circulations des idées communes, des moyens de se distinguer, des combats et de leurs armes (journaux, pamphlets, expositions hors des Salons officiels), des technologies et des industries nouvelles (photographie, film, etc.) mais aussi des réactions à de grands bouleversements sociaux, politiques, guerriers. Ce sont ces combats collectifs, ces légendes du génie méconnu, mais aussi les migrations réelles de l'innovation artistique d'une métropole à l'autre sur deux siècles que raconte cette histoire des idées, des techniques, de la sociologie des milieux artistes.

L'histoire de l'art et celle de la littérature furent parmi les premières disciplines à disposer de gisements de sources facilement quantifiables : catalogues d'éditeurs, de bibliothèques, de librairies, répertoires de collections, catalogues d'expositions et de ventes... Pourtant, statistiques, graphiques et cartes n'y ont pas bonne presse. Pour mieux comprendre ce paradoxe, Histoire & Mesure a choisi de consacrer un numéro spécial à la création, et plus particulièrement au livre et à la peinture. Les approches quantitatives dans ce domaine, pour l'essentiel importées de la sociologie, sont-elles pour autant réductionnistes, indifférentes aux spécificités de l'objet ? Qu'ajoutent-elles concrètement à son analyse ? On trouvera dans ce numéro des exemples de l'apport des méthodes métriques à l'histoire de l'art et de la littérature : étude des circulations, analyse des processus de construction des renommées et de la reconnaissance, analyse historique des canons, reconstitution d'un marché. Les articles explicitent également les limites de ces approches et leur complémentarité avec les modes d'études plus classiques.

New York a-t-il vraiment été le centre de l'innovation artistique depuis 1945, comme on le lit partout ? Une hégémonie mondiale s'étudie à l'échelle mondiale. Or, l'approche comparée démonte le mythe de l'art new-yorkais et souligne l'apparition, dès les années 1950, d'un système internationalisé mais inégalitaire de production des oeuvres et des carrières. Fondé sur le renouvellement rapide des écuries artistiques et la recherche systématique de l'originalité, ce système spéculatif entretenait la concurrence entre pays, musées, marchands, artistes et collectionneurs. Dans une perspective aussi bien sociale et économique qu'esthétique et géopolitique, Béatrice Joyeux-Prunel explore cet univers des avant-gardes artistiques de 1945 à 1970. Cette histoire mondiale de l'art parle aussi des oeuvres et des personnes. Elle interroge des tournants mondiaux étonnants : le choix matiériste de certains artistes dans les années 1950, la violence sadomasochiste de quelques groupes après 1961, et la soudaine politisation des artistes vers 1965 (alors que Mao, Cuba, le Vietnam et la décolonisation les avaient jusque-là peu intéressés). Du concrétisme brésilien à l'art cinétique italien et yougoslave, des Neo-Dada Organizers japonais aux actionnistes viennois, en passant par les mondialisations hétérogènes du happening et du pop art, ce livre permet de comprendre ce que nos musées érigent en canon, tout en dévoilant des histoires méconnues du monde de l'art contemporain.

L'art contemporain d'un point de vue esthétique, culturel, politique et économique. L'infographie pour rendre visible les enjeux majeurs du secteur. Saviez-vous que Richard Orlinski est l'artiste français vivant le plus vendu au monde ; que moins de 5 % des oeuvres des grands musées occidentaux sont africaines ; que sans pétrole, il n'y aurait probablement pas d'art contemporain ; que Rabbit de Jeff Koons s'est vendue à plus de 90 millions de dollars ; que le premier musée d'art contemporain en Iran date de 1977 ; que Sans-titre est désormais la manière la plus fréquente d'intituler une oeuvre d'art ; qu'il existe une trentaine d'artothèques en France, où l'on peut emprunter des oeuvres quelques mois sans les acheter ? Voilà ce que vous découvrirez en vous plongeant dans cette foisonnante infographie. En une centaine de pages, cet ouvrage propose une nouvelle écriture graphique, aussi riche qu'inventive. Grâce à la datavisualisation, le lecteur sera immergé dans le monde de l'art contemporain, à la rencontre de son histoire, de sa dimension politique, de ses acteurs et actrices - artistes, galeristes, curateurs, collectionneurs... -, de ses oeuvres, de leur matérialité et leur circulation, mais aussi de ses aspects économiques et esthétiques. De la place réservée aux artistes femmes à l'évolution des matériaux utilisés dans les oeuvres d'art, en passant par la percée des pays non-occidentaux sur la scène internationale, et les stratégies d'exposition des artistes sur les réseaux sociaux, cet ouvrage propose une approche originale, mondiale et transversale de l'art contemporain ; il plonge dans l'histoire du second XXe siècle, comme dans l'actualité la plus récente. Grâce à la collaboration d'une spécialiste des avant-gardes artistiques et d'une graphiste hors pair, L'art contemporain. Une infographie rend compte, par l'infographie, des enjeux de cet univers.