Crafts of fashion The

Comment le logo du Centre Pompidou a-t-il été créé? Une théorie urbaine peut-elle s'exprimer dans la conception matérielle d'un livre ? Le design graphique a-t-il servi la cause des femmes ? Les textes réunis ici racontent des histoires de signes et d'objets : identités visuelles, affiches et imprimés divers, livres, pochettes de disques ou caractères typographiques. La production de nombreux graphistes est examinée à travers des champs variés, de l'architecture au jazz, de l'art contemporain à la littérature en passant par l'édition pour la jeunesse. Composant majeur de la culture visuelle contemporaine, le design graphique façonne notre environnement : il requiert donc la plus grande attention.

Tout au long du XXe siècle, des penseur.ses, activistes et poète.sses dans la sphère francophone ont transgressé les genres et modifié les perspectives sur le monde contemporain. Néanmoins, au-delà et parfois avant leur reconnaissance en France, leurs idées ont été traduites aux Etats-Unis et ont servi à fabriquer des outils pour une vision critique des institutions, de l'art comme de la société, contestant des normes sociales, esthétiques et linguistiques, ouvrant à de nouvelles manières de voir et d'agir. Si le concept phare de French Theory a été défini dans les années 1990 pour évoquer la réception enthousiaste que les Etats-Unis ont réservé à des auteurs comme Roland Barthes, Michel Foucault, Gilles Deleuze ou Jacques Derrida, d'autres figures, telles que Suzanne et Aimé Césaire, Frantz Fanon, Maryse Condé, Edouard Glissant ou encore Monique Wittig, ont été déterminantes pour le champ de l'art comme pour les études postcoloniales, féministes et de genre. C'est l'histoire de cette circulation des idées, de leur résonance et appropriation par plusieurs générations d'artistes outre-Atlantique que déploie cet ouvrage qui prolonge l'exposition éponyme conçue par Naomi Beckwith au Palais de Tokyo.

Largement tributaire des possibilités qu?offrent la photographie, la programmation, les procédés d?impression, de diffusion, de reproduction, notre environnement visuel est traversé de part en part par la technique. Pourtant ces opérations sont bien souvent maintenues dans l?ombre de questions plus nobles portant sur les graphistes, leurs démarches et les formes qu?ils produisent. Le rôle historique et opératoire de la technique ne semble pas encore avoir été étudié dans le champ du design graphique avec autant d?assiduité que dans d?autres domaines. Les différentes contributions de cet ouvrage montrent selon plusieurs éclairages complémentaires, que la technique n?est pas réductible à des opérations quantifiées ou à des objets fonctionnels, mais qu?elle revêt plus largement une dimension anthropologique beaucoup plus ancienne et profonde que ce que nos environnements technologiques ne laissent imaginer. La technique croise des pratiques, des normes, des habitudes et des « manières de faire », c?est-à-dire tout une somme de choses qui font partie intégrante des processus de création sans forcément y apparaître explicitement. Interroger la fabrication, la conception et les outils en design graphique, c?est tenter de redonner une lisibilité à ces questions pour mieux comprendre les formes visuelles de notre environnement quotidien. Cet ouvrage témoigne de la multiplicité des approches possibles sur le sujet et de la fertilité d?une thématique qui reste encore largement à défricher, au croisement du design, des études visuelles et des humanités numériques.Table des matières : sommaire Introduction Quelques éclairages non techniques sur la technique Vivien Philizot Mémoire des techniques Trous de mémoire Témoignage de Jean-Noël Lafargue Les révolutions techniques et leurs conséquences sur le dessin de lettres Indra Kupferschmidt Politiques numériques Faire avec ? Pour une pratique informée des programmes Kevin Donnot Le design de la transparence : une rhétorique au c?ur des interfaces numériques Loup Cellard, Anthony Masure Pourquoi le design. Une évidence problématique dans le domaine des humanités numériques Nicolas Thély Dynamiques visuelles Le regard captif. Montage et économie de l?attention, aux origines du concept moderne de graphisme Max Bonhomme Du diagramme circulaire au réseau : comment bien digérer un camembert ? Fabrice Sabatier Formes de l?invention Formes, concepts, matières : quels place et rôle pour le numérique et la technique Bruno Bachimont La technique est-elle sédimentaire ? Entretien entre Pierre-Damien Huyghe et Vivien Philizot Conclusion Design graphique. Projet pour un glossaire Vivien Philizot

Comment la mode est-elle parvenue à accéder à une forme de reconnaissance en tant que création artistique ? Le deuxième tome de L'Idée de mode retrace les étapes de son devenir-art, notamment à travers l'ascension du modèle commercial - alors inédit - de la haute couture. Dans cette époque charnière que représente le passage du XIXe siècle, l'étude des discours portés sur la mode révèle des dynamiques originales : en pleine période d'expansion coloniale, elle s'efforce alors d'incarner l'identité nationale et devient à ce titre un matériau de propagande propice à l'exportation, une marchandise artistique tout autant qu'un outil diplomatique. C'est précisément ce qui fascine une génération de couturiers-créateurs qui assimilent radicalement les enjeux de l'art moderne : en élevant le tailleur au rang d'artiste, ils repensent structurellement leurs pratiques comme leurs objets. Comme dans un effet de miroir, des artistes, nés avec le siècle et la conviction que le vêtement représente un champ d'exploration plastique font écho à ces préoccupations. Tous se retrouvent autour d'un appétit pour le " nouveau " dont les implications sont désormais partagées entre peinture et couture. Au nom d'une déhiérarchisation des domaines d'expression artistique, les oeuvres réinventent leurs contours et leurs supports : les objets et les univers que la mode composent s'introduisent dans les espaces consacrés de l'art. Galeries et boutiques jouent également de leurs expositions et de leurs marchandises. Mise en espace, la mode semble, au cours des premières décennies du XXe siècle, se disperser, si ce n'est se dématérialiser. Mais plus qu'une absence de support ou une parfaite désincarnation, elle se fait multiple : l'utilisation systématique de la photographie dans la presse comme les techniques d'impression - de la toile au papier - dès la fin des années 1910 en assurent une diffusion sans précédent. Cet ouvrage fait suite au premier tome de la série qui étudiait l'émergence de l'idée de mode depuis la période postrévolutionnaire jusqu'à l'âge des avant-gardes du début du XXe siècle.