Art concret graphisme = Abc con fantasia

Cet ouvrage traite de la révolution graphique impulsée par des artistes avant-gardistes de l'entre-deux-guerres, principalement en Allemagne (Herbert Bayer, László Moholy-Nagy, El Lissitzky, et plus tard le Suisse Max Bill), sous l'angle inédit de la typographie. Si l'incursion d'artistes dans l'imprimerie a été documentée en histoire de l'art, l'inverse est sujet à débat : comment interpréter, dans la longue histoire de l'imprimerie européenne, cette incursion dans le domaine jusqu'alors relativement fermé de la conception d'imprimés ? Victor Guégan invite à percevoir cette " Nouvelle Typographie " avant-gardiste comme la tentative d'une réforme esthétique et industrielle, après que le procédé originel de l'imprimerie a été supplanté par des techniques d'impression à grand tirage comme l'Offset. Une lecture attentive des sources écrites de la première moitié du XXe siècle, en particulier celles du typographe Jan Tschichold, suggère que les règles de composition mises en place par ces " nouveaux typographes " s'appliquent en particulier aux processus de conception et de fabrication en série qui utilisent un nouveau matériau reproductible : la photographie. A travers cet ouvrage, Victor Guégan montre également que le phénomène de dématérialisation de l'écriture et de l'image observé aujourd'hui, souvent associé à l'émergence de l'ordinateur, a en réalité une origine historique plus lointaine : la volonté de faire disparaitre toute trace des interventions manuelles, des outils et des matériaux utilisés dans les artefacts produits. L'industrie de masse met ainsi en tension une des idées fortes du modernisme : qu'un objet ne soit formé en se conformant uniquement aux conditions matérielles de sa production. Richement illustré, cet ouvrage vient compléter la réflexion entamée par la publication des livres de Robin Kinross, Robert Bringhurst ou Camille Circlude qui interrogent l'histoire de la typographie moderne.

La Fabrique de Élise Gay + Kévin Donnot, sixième volume de la collection Prisme, est constitué d'entretiens avec le duo de designers graphiques Élise Gay et Kévin Donnot. Cette publication marque l'ouverture de la collection vers une nouvelle génération de graphistes se concentrant sur la pratique numérique et l'hybridation des outils. Élise Gay + Kévin Donnot est un studio de design graphique spécialisé dans les projets éditoriaux sur papier ou à l'écran. Ensemble, ils envisagent la diversité des supports de façon perméable et intègrent au besoin des processus algorithmiques (génératifs, itératifs, aléatoires ou issus de jeux de données) à leurs productions imprimées. Alors que la chaîne graphique est aujourd'hui constituée d'applications monolithiques généralistes provenant toutes du même éditeur (Adobe), leur démarche s'inscrit dans la recherche d'un rapport critique aux logiciels dits « de création ». Ils défendent une approche décloisonnée et mobilisent, au besoin, des langages de programmation et technologies variés dans le cadre de leur travail. Dans le cadre de projets d'édition, ils interrogent la diversité des formes typographiques, l'influence du machine learning sur le langage, et questionnent la notion de code, à la fois comme programme vecteur d'instructions et comme outil d'encodage de données sémantiques. Chaque projet constitue ainsi l'occasion d'expérimenter de nouvelles « façons de faire » numériques en développant ou en associant des programmes pour produire des formes singulières, à la croisée des beaux-arts et de la culture digitale. Au fil des dernières années, ils ont multiplié les collaborations avec de nombreuses institutions telles que le Palais de Tokyo, le musée d'Art moderne de Paris ou encore le Centre Pompidou.

Une mise en page adaptée au texte, bien pensée et séduisante retient l'attention du lecteur et suscite chez lui l'envie de lire. En revanche, lorsque aucun soin n'est apporté aux détails de la composition, le plaisir ressenti dans un premier temps par le lecteur peut disparaître en raison des efforts exigés par une lecture fastidieuse. Le détail en typographie s'attache à répondre aux questions essentielles concernant la lettre, le mot, la ligne, le paragraphe et l'espacement. Il considère ces différents éléments visuels qui permettent la lisibilité optimale d'un texte. Véritable outil pour les étudiants en typographie, il se révèle le guide essentiel pour les graphistes et typographes désireux de questionner et perfectionner en permanence leur travail. Il s'adresse aussi aux concepteurs et aux éditeurs qui souhaitent que leurs publications ne soient pas seulement feuilletées mais lues en profondeur.

Jost Hochuli, typographe, graphiste suisse, livre ici 26 réflexions - une pour chaque lettre de l'alphabet - sur les questions et les personnalités qui ont marqué sa pratique de la typographie. Tour à tour lumineux, déroutant, drôle, tragique, acerbe, critique, érudit... Jost Hochuli profite de la brièveté de la forme de l'abécédaire - jamais plus de deux pages par lettre - et du choix arbitraire des sujets pour raconter une anecdote, faire passer une idée qui lui tient à coeur, lutter aussi bien contre la calligraphie esthétisante que contre le modernisme à tout cran, faire des révélations sur Jan Tschichold et les monstres de l'histoire de la typographie suisse qu'il a côtoyés alors qu'il débutait sa carrière. A plus de 80 ans, il offre ici aux designers graphiques et typographes, jeunes et moins jeunes, un concentré de sagesse et de coups de gueules, appelant son lecteur à faire confiance à l'expérience de leur oeil plutôt qu'aux injonctions dogmatiques des écoles. Paradoxalement aussi traditionnaliste qu'anticonformiste, ne s'écartant des sentiers battus que pour mieux revenir aux fondamentaux intemporels de la typographie - la lisibilité avant tout ! -, Jost Hochuli offre une voix puissante à un classicisme moderne stoïque issu de la typographie du livre.