Memory of future

Atypique et surprenante, la photographe Jan Groover (1943-2012) a participé de façon déterminante à l'histoire de la photographie dès les années 1970. Figure éminente de la nature morte photographique, l'artiste d'origine américaine a créé avec ses images (qui explorent également les thématiques du paysage, du corps et du portrait) un monde en soi, véritable "laboratoire des formes". A travers une large sélection de photographies enrichie de documents d'archives, cet ouvrage pose un regard inédit sur les chefs-d'oeuvre oubliés du fonds Jan Groover, conservé au Musée de l'Elysée.

La Mémoire du futur. Dialogues photographiques entre passé, présent et futur fait entrer en résonance des oeuvres créées par les pionniers des premiers procédés photographiques avec celles d'artistes contemporains. De la réutilisation des anciennes techniques à la mise en abyme d'oeuvres historiques à travers des réinterprétations contemporaines, l'ouvrage a pour ambition de présenter une contre-histoire de la photographie : atemporelle, pour ainsi dire intervisuelle. Car, si une image demeure, le regard qu'on lui porte ne cesse, lui, d'évoluer : ainsi les oeuvres de demain participent à redéfinir les chefs-d'oeuvre du passé, par le prisme de notre regard contemporain.

L'ouvrage présente une sélection de chefs-d'oeuvre de l'histoire de la photographie issus de la collection de Sondra Gilman et Celso Gonzalez-Falla, constituée de plus de 1500 tirages originaux des plus grands photographes des xxe et xxie siècles et basée à New York. Par des confrontations formelles et visuelles, le lecteur est invité à expérimenter à travers ces oeuvres sublimes la puissance de la ligne photographique. Les photographies notamment de Bérénice Abbott, Eugène Atget, Robert Adams, Walker Evans, Vik Muniz, Man Ray, Cindy Sherman ou encore Lee Friedlander entrent ainsi en résonnance au-delà de leur temporalité historique ou de considérations géographiques, par des correspondances formelles. Au cours de l'histoire, les photographes n'ont en effet cessé d'osciller entre deux tendances : l'illusion mimétique de la réalité ou la mise en valeur des qualités plastiques de l'image. Qu'il s'agisse de " lignes instantanées ", selon l'expression d'Henri Cartier-Bresson, de lignes rationnelles inspirées des New Topographics ou de la diversité des lignes courbes du corps humain, le tracé structure, et parfois réinvente le réel – jusqu'à l'abstraction. La publication donne une large place aux images à travers la reproduction des oeuvres de 76 photographes. Elle comprend une introduction de Pauline Martin, qui développe un rapport sensible à l'image photographique, ainsi qu'un entretien avec les deux collectionneurs mené par Tatyana Franck. Ce dernier rend compte du rapport très personnel et intime qu'entretiennent Sondra Gilman et Celso Gonzalez-Falla avec les photographies de leur collection privée, l'une des plus importantes au monde aujourd'hui.

Entre 1956 et 1973, le photographe américain David Douglas Duncan (né en 1916) noue avec Pablo Picasso, alors au faîte de sa gloire, une véritable amitié et réalise ce qui est sans doute le premier photoreportage sur l'intimité d'un artiste. Ce compte rendu du quotidien de Picasso réunit plusieurs centaines d'images montrant Picasso dans sa vie privée ou à l'?uvre pendant cette intense période de création. Duncan a plusieurs fois utilisé cette somme iconographique pour des ouvrages qui sont parmi les grandes références de la construction du mythe de l'artiste universel qui se construit autour de Picasso après la Seconde Guerre mondiale. Cet ouvrage propose un vrai dialogue entre l'?uvre photographique de Duncan, qui fixe l'univers et l'atelier de son modèle, et l'?uvre de Picasso, qui prend forme dans l'objectif de son portraitiste. Ce double regard conduit notre attention entre le temps de l'accomplissement de l'?uvre et la lecture inédite de références universelles de l'histoire de l'art moderne. Ainsi, le reportage particulièrement dense qui lui est consacré permet d'entrer dans la totalité du processus de réalisation de la toile monumentale des Baigneurs de la Garoupe (1957, musée d'Art et d'Histoire de Genève). On pénètre au c?ur de l'intimité de Picasso, pour y côtoyer ses proches et les visiteurs de marque qui passent par la Californie ou Vauvenargues dans ces années où l'artiste impose son image au monde entier. Les photographies choisies montrent par ailleurs comment Picasso occupe son cadre de vie et de travail avec des ?uvres anciennes qui semblent indispensables à son univers et qui réapparaissent souvent, comme Le Fou (1905), dans les clichés. Dans cette période, Picasso travaille beaucoup à son ?uvre céramique et à la sculpture. La confrontation entre cet ?uvre qui se bâtit sans concession et l'architecture baroque, de La Californie notamment, met en abîme le principe même de l'atelier et la frénésie d'inventer un autre langage plastique.