Les Décorateurs des années 60-70 - version anglaise

Le renouveau des arts décoratifs dans la France d'après guerre est d'une extrême diversité, du style 40 qui perdure à travers les commandes officielles au meuble classique ou néoclassique dont le succès est sans précédent. La modernité, elle, reste un combat à mener après l'échec de l'Union des artistes modernes (UAM) qui, trop rigoriste, n'a su convaincre ni les industriels ni le public. Ce défi est relevé par la jeune génération des décorateurs présentés dans cet ouvrage. Leur approche n'obéit pas aux règles strictes d'une esthétique préétablie, comme le préconisaient les machines à penser leur temps que furent, avant guerre, la Cranbrook Academy aux Etats-Unis, le Bauhaus et l'école d'Ulm en Allemagne ou l'UAM en France. Elle répond aux besoins et aux aspirations d'un pays en pleine reconstruction, avec l'extraordinaire vitalité qui caractérise l'époque. Après une introduction qui met l'accent sur l'alliance d'éthique et d'esthétique, de fantaisie et de rigueur, de cette création française foisonnante et singulière, en marge du design naissant, ce livre s'organise en quatre parties, chacune précédée d'une introduction qui en définit le contexte historique. En premier lieu viennent les grands décorateurs, les maîtres de l'entre-deux-guerres, comme Adnet, Arbus ou Old, et les représentants d'un style 50 en liberté, ludiques et affranchis de tout discours en "isme", que furent Matégot, Royère ou Raphaël. Puis, les grandes figures de la reconstruction - Gascoin, Hitier, Renou ou Sognot - qui ont transmis à la génération suivante le sens d'une modernité exigeante et puriste, parfois d'un étonnant avant-gardisme. Leurs fils spirituels, dont beaucoup demeurent ignorés des historiens du design et qui avaient à peine vingt ans au début des années 50, se nomment Gautier-Delaye, Guariche, Motte, Paulin, Richard ou Philippon et Lecoq. Plus proches des designers étrangers, rêvant d'un art international au service de tous, ils sont les premiers à avoir réussi une véritable collaboration avec les industriels. Outre ces trente-trois monographies biographiques et stylistiques, l'auteur Patrick Favardin analyse la mise en place de structures, totalement nouvelles pour la France, d'édition, de promotion et de diffusion, avec des fabricants comme Airborne, Les Huchers-Minvielle ou Steiner, des galeries comme celle de Steph Simon et la galerie MAI, les ateliers des grands magasins, les revues de décoration et les Salons des arts ménagers et des artistes décorateurs. Autant d'acteurs qui ont apporté avec passion leur réflexion et leur soutien, technique aussi bien que financier, à ce qui fut une aventure sans précédent.

Artiste d'origine française, Nicola L. vit depuis les années 1960 entre Paris et New York, où elle s'installe en 1979. Elle trouve dans cette ville à l'avant-garde des mouvements artistiques une atmosphère en accord avec son travail : Pénétrables et performances des années 60, Manteau rouge de Mai 68, corps démembrés nés de sa révolte contre la guerre du Vietnam, qui aboutiront aux sculptures-objets en vinyle, bois ou Plexiglas. Joyeusement colorée, utilisant des matériaux nouveaux et des formes inédites, l'oeuvre de Nicola L. est aujourd'hui une invitation, presque humaniste, à vivre autrement, dans un monde poétique qui dénonce les pratiques sociales par trop sclérosées de notre quotidien. Désormais tout devient affaire de rencontres, de compagnons de route, d'engagements de toutes sortes, avec en toile de fond une générosité, qui fait du nomadisme l'étendard d'un mode futur où liberté rime avec fantaisie. Exposées dans le monde entier, ses oeuvres ont été présentées en France dans les années 60 et 70 à la galerie Templon et à la galerie Germain.

Les années 60 et 70 sont indissociables clans l'histoire de la décoration et du mobilier. Elles marquent un tournant radical clans un monde jusqu'alors confiné à des expressions nationales et élitistes. Tout éclate au début des années 60. La mode est a la fois d'inspiration anglo-saxonne, scandinave, italienne et française. Les genres se mélangent dans un désir effréné de vivre en symbiose avec son temps. Les progrès de la technologie accréditent la conviction d'une liberté conquérante de l'individu et suscitent des désirs inédits d'une nouvelle manière d'habiter, fût-ce clans des cellules de science-fiction. Les formes s'arrondissent, les sièges deviennent des tapis-sculptures qui permettent de se lover clans des univers chaleureux, ludiques et anticonformistes. Les couleurs et les ni )tifs décoratifs épousent l'éclat et les délires du Pop"Art et du psychédélisme. L'espace d'habitation se transforme en rêve éveilléoù se mêlent un mobilier luxueux dans des matériaux inédits et des objets surprenants de toutes origines, associés, fait nouveau, à des meubles anciens. La fin des années 70 marque l'avènement d'une époque où la beauté et l'élégance classique cèdent le pas à une multitude d'expressions qui échappent à tout classement et à toute hiérarchie. L'heure du post-modernisme a sonné. Composé d'une longue introduction qui en donne une vision synoptique et de trente-deux monographies qui décrivent ses multiples visages, ce livre rend intelligible une période exceptionnellement créative et révèle à travers une abondante iconographie, souvent inédite, sa formidable richesse esthétique. Biographie de l'auteur Avocat international, en charge notamment de la succession du peintre américain Joan Mitchell, Guy Bloch-Champfort s'est toujours intéressé à l'art, à la peinture, aux dessins anciens aussi bien qu'à l'art décoratif et à la création contemporaine. Après avoir suivi des cours d'histoire de l'art lors de ses études juridiques aux États-Unis, il publieen 2002 Raphaël, décorateur aux Éditions de l'Amateur, monographie couronnée de succès qui a fait redécouvrir cet important créateur. Collaborateur de nombreux magazines français et internationaux (Connaissance des arts, Maison française, AD, Casa Vogue...) pour les arts plastiques, l'art décoratif, l'architecture et le design, du début du XXe siècle à nos jours, il s'intéresse tout naturellement à la décoration des années 60 et 70, qui fit cohabiter, comme nulle autre période, créations contemporaines et pièces des siècles passés. Docteur en histoire de l'art, Patrick Favardin s'est consacré pendant de nombreuses années à l'organisation d'expositions pour la Ville de Paris sur des sujets artistiques, historiques et littéraires. On retiendra"Le Style des années 50 ", ainsi que celle sur le décorateur Emilio Terry, ou encore sur l'esthétique des années 20 à travers le mythe de la garçonne. Parallèlement, il publie de nombreux articles et un premier ouvrage sur le dandysme aux Éditions de la Manufacture, en 1987, suivi de deux livres sur ce qui est devenu son sujet de prédilection: Le Style 50, lai moment de l'art français, aux Éditions Sous le Vent/Vilo, en 1987, et Les Armées 50 aux Éditions du Chêne, en 1999. Il est également l'auteur des Décorateurs des années 50, en 2002, et de Steiner et l'Aventure du design, en 2007, tous deux publiés aux Éditions Norma. Depuis 1997, il dirige la galerie d'art À Rebours, dédiée aux décorateurs et céramistes français des années 50 et 60."

Jean Derval (1925-2010) est une figure majeure de la céramique contemporaine. Après une formation dans la section publicité à l'Ecole nationale des arts appliqués à l'industrie, où il a pour camarade Robert Picault et Roger Capron, il se forme au métier de graphiste, et c'est comme affichiste qu'il entame sa vie professionnelle. Engagé par Christofle, il réalise des décors d'orfèvrerie mais aussi une ligne de pièces d'usage réalisées à Saint-Amand-en-Puisaye. Ce sanctuaire du grès, magnifié par Jean Carriès et son école à l'aube du xxe siècle, est pour Jean Derval une révélation. Il découvre dans l'atelier Maubrou-Pigaglio un univers qui le satisfait pleinement par la richesse de ses techniques et par ses vastes possibilités artistiques. Plus encore, la céramique laisse le créateur complètement libre de ses choix, dans une immédiateté quasi magique de réalisation. Il peut "dessiner un bol et boire dedans le lendemain" . En 1947, Jean Derval retrouve à Vallauris les deux autres membres du club "les trois coqs" Robert Picault et Roger Capron, qui ont fondé l'atelier Callis. Il rejoint deux ans plus tard le célèbre atelier Madoura, animé par Suzanne Ramié et alors dominé par la figure magistrale de Picasso. En 1951, il fonde l'atelier du Portail. Il y développe un art subtil, d'une grande virtuosité technique et artistique, voué à la pièce unique. Ce savoir-faire fascine Roger Capron, qui fait appel à lui de 1967 à 1973, notamment pour le chantier important de l'hôtel Byblos à Saint-Tropez. Par la suite Jean Derval sera amené à collaborer à des réalisations architecturales aussi prestigieuses que l'aéroport de Saint-Denis de La Réunion ou la technopole de Sophia-Antipolis. Préfacé et postfacé par ses amis Claude Bleynie et Jean-Paul van Lith, ce livre retrace les grandes étapes d'une oeuvre expressive, diversifiée et fort savante, où le rouge de cuivre règne en majesté dans un monde voué à la faïence, un véritable tour de force. Son inspiration fortement marquée par le mouvement de l'imagerie s'ancre dans une tradition qui lui permet sur un mode souvent néocubiste de nous livrer des guerriers, des fauconniers issus du Moyen Age, des minotaures et des sphinx, hérités des mythologies méditerranéennes, sans oublier une production d'art sacré liée à une foi inébranlable. Cette inspiration renforcée par les multiples domaines abordés par Jean Derval trouve son unité dans la rigueur du dessin, le souci du détail, une parfaite connaissance des techniques et surtout une attention constante portée à l'homme et à ses multiples interrogations.