Nature silencieuse. Paysages d'Odilon Redon

Première exposition personnelle d'envergure consacrée en France à Denis Monfleur, "Peuples de pierre" présente une centaine d'oeuvres de l'artiste. Denis Monfleur est l'un des rares sculpteurs de sa génération à perpétuer la tradition ancestrale de la taille directe et à se confronter aux pierres les plus dures. Son travail s'inscrit dans une tradition séculaire de la sculpture, de l'art roman à Giacometti en passant par Michel-Ange, Picasso ou encore Dubuffet. L'exposition "Peuples de pierre" donne à voir l'intérêt de l'artiste pour la figure humaine qui, par son aspect mi-figuratif mi-abstrait - traits du visages absents ou à peine esquissés -, accède à une dimension universelle et intemporelle. Son oeuvre est loin des effets de mode et des catégories esthétiques usuelles avec une dimension spirituelle que l'on retrouve dans plusieurs oeuvres (Christ, Anges, Prophètes, Moines). Autodidacte et actif depuis la fin des années quatre-vingt, Denis Monfleur se partage entre son atelier de Fontenay-sous-Bois (Val-de-Marne) et celui de son Périgord natal. Après avoir débuté comme praticien de José Subira-Puig et Marcel van Thienen, il développe une approche personnelle. À l'exception d'une oeuvre de jeunesse utilisant encore le bronze et le bois (Kafka, 1983), la plupart des oeuvres exposées s'échelonnent de 2010 à 2023, années marquées par son entrée à la galerie Claude Bernard à Paris. Il s'agit d'une étape charnière dans la carrière de l'artiste qui élargit alors son vocabulaire plastique par l'utilisation de nouvelles techniques et de nouveaux matériaux comme le granit, le basalte ou encore la diorite. Il explore aussi les riches possibilités de la polychromie, avec un travail poussé sur les patines et développe une technique inédite d'émaillage de lave volcanique. Les titres de ses oeuvres sont volontairement évocateurs et convoquent l'histoire antique, la mythologie, l'humour, l'histoire de l'art, notamment à travers l'hommage à des artistes iconiques, comme Delacroix ou encore Picasso.

Le délire fait peur, car il renvoie à la folie. Mais qu'est-ce qu'un délire ? Est-il possible de le définir comme jugement sans valeur ? Peut-on le considérer comme un processus psychique à part entière ? Et surtout, comment l'identifier ? Après une présentation historique et culturelle de la notion de délire, les auteurs proposent une description des différents types de délire, puis s'interrogent sur les processus psychiques qui les sous-tendent. Elles analysent les liens du délire à la réalité, à la rationalité, mais aussi au langage et à la créativité. Enfin, des pistes thérapeutiques sont suggérées, pour aider les sujets délirants à sortir de leur détresse et de leur souffrance. Ce livre sera d'une aide précieuse pour les étudiants en psychologie, les travailleurs sociaux, les professionnels de la santé, mais aussi pour toute personne désireuse de s'informer sérieusement sur cette question.Sophie Barthélémy est psychologue clinicienne, chargée de cours à l'université de Provence. Ariane Bilheran est psychologue clinicienne, chargée de cours à l'université de Provence.

L'expressionnisme incarne la première révolution artistique du XX° siècle Les Fauves en France avec Matisse, Derain, Vlaminck, Braque, les groupes Die Brücke et Der Blaue Reiter en Allemagne ont bouleversé l'art pictural par l'outrance de leurs coloris et les déformations audacieuses de leurs dessins. Si les recherches des artistes ont dans un premier temps scandalisé le public, rapidement, l'histoire de l'art a hissé leurs expériences au premier rang des phénomènes fondateurs de la modernité. Cet ouvrage s'intéresse aux modes de propagation, d'intégration et de transformation du nouveau langage à l'extérieur des foyers de l'avant-garde (Paris, Berlin, Munich) et en particulier à la circulation des oeuvres, des idées, des artistes en Europe centrale et orientale. On peut ainsi étudier comment des cercles artistiques méconnus s'approprient les modèles occidentaux à la lumière des arts et des traditions de chaque pays, sur une période marquée par l'effervescence culturelle et les événements de l'Histoire.

La monumentalité est une valeur de la sculpture, depuis l'Antiquité. Au XIXe siècle, l'arc sculpté, la colonne historiée, la statue équestre ou le portrait en pied sont autant de formes de la monumentalité ravivées par le classicisme et par le romantisme, comme le montrent les oeuvres majeures de Rude, Préault ou David d'Angers. Au XXe siècle on observe une double entreprise de péremption du monument et de réappropriation du monumental, de Brancusi à Michael Heizer, de Rodin à César. Ce livre explore les différentes dimensions et acceptions du monumental dans l'histoire de la sculpture, afin d'en éclairer les pratiques et les enjeux actuels.