HANS BELLMER / LOUISE BOURGEOIS /ANGLAIS/ALLEMAND

En voyant pour la première fois une aquarelle de Radenko Milak (1980 Travnik près de Banja Luka), on a l'impression de la "reconnaître" car il y a toujours un avant et un après, comme dans un film en boucle et c'est l'une des qualités inhérentes à cette oeuvre, écrit Udo Kittelmann dans sa contribution. Par conséquent, face à un tableau de Radenko Milak, nous pensons voir un détail d'un autre plus grand, d'un tout plus grand, du monde, de l'univers, de même qu'une photographie est toujours un détail d'une image en théorie infinie. C'est d'autant plus le cas que presque chacun de ses motifs renvoie à un tableau que nous connaissons pour l'avoir déjà vu et mémorisé. De multiples facteurs interviennent dans son travail : le changement de technique, de la photographie à l'aquarelle, la question de l'original et de la reproduction, le choix des sujets, la manière dont ses tableaux parlent à notre subconscient et au subconscient collectif car notre mémoire n'est pas déterminée par la seule langue mais aussi et surtout par les images. C'est cette maîtrise du média qui produit l'illusion de la photographie, et surtout l'impression d'être témoin d'un changement : la photo d'origine devient une aquarelle que l'oeil humain perçoit d'abord comme une photographie et seulement ensuite comme une peinture dont nous souhaitons naturellement assister par nous-mêmes à la naissance, de sorte que nous nous en approchons toujours plus au point de toucher la peinture, le trait de pinceau, le geste, l'abstraction, le travail manuel. Au fil du temps, Radenko Milak a créé plusieurs séries : Architecture et vues urbaines, Technologies du futur, Féminisme, Moments-clés de l'histoire de la musique, Surveillance et big data, Solitude et isolement pendant la pandémie de corona, Photographies de films - des séries d'aquarelles qu'il poursuit de manière asymétrique depuis 20 ans. Le choix d'une encre noire toujours la même sur du papier blanc fait se ressembler les tableaux dans leur nature qui leur confère quelque chose d'intemporel.

Résumé : Les toiles captivantes de Frida Kahlo (1907-1954) étaient à bien des égards l'expression d'un traumatisme. Très grave accident de la route à 18 ans, santé fragile, mariage houleux, fausse couche et absence d'enfant, elle transforma toutes ses souffrances en art révolutionnaire. Dans ses autoportraits fidèles ou métaphoriques, Kahlo pose sur le spectateur un regard brûlant d'audace, elle rejette son destin de victime passive et préfère entrelacer les expressions de son expérience pour façonner un lexique vital hybride où se mêlent réel et surréel : cheveux, racines, veines, tendons et trompes utérines. Nombre de ses oeuvres explorent aussi les idéaux politiques communistes qu'elle partage avec Rivera. Elle décrivit ses toiles comme "la chose la plus sincère et la plus réelle que je pouvais faire pour exprimer ce que je ressentais à l'intérieur et à l'extérieur de moi-même" . Ce livre présente l'oeuvre foisonnante de Frida Kahlo et explore sa détermination sans faille en tant qu'artiste, son importance en tant que peintre, icône féministe et pionnière de la culture latino-américaine.